Großformat

Der Kurs richtet sich an Interessierte, die eigenständiger mit der Großformatkamera arbeiten möchten. Im Kurs werden einige weitere praktische Übungen vertieft und geübt.

Innerhalb des Kurses sollen die Teilnehmer sich ein anspruchsvolleres Thema selbst stellen und erarbeiten. Weiterhin werden die technischen Voraussetzungen vermittelt, das Ergebnis druckfertig aufzubereiten. Zur Prüfung soll das Ergebnis gedruckt werden.

Absolute Voraussetzung für den Kurs ist der abgeschlossene Fotogrundkurs.

Video aus dem letzten Kurs:
https://hsbi.sciebo.de/s/MpagqQFLRztoddc

Im Rahmen dieses zweiwöchentlich stattfindenden Kolloquiums werden die Konzeption und Entwicklung der BA-Abschlussarbeit behandelt. Die Teilnehmer:innen stehen bereits fest.

Der erste Termin findet statt am 7. April. um 14:00 Uhr in Raum 114. Die folgenden BA-Termine starten jeweils um 13:30 Uhr.

In Ergänzung zu den Seminaren im Sommersemester wird hier Gelegenheit gegeben, das jeweilige BA- oder MA-Projekt theoretisch in den Griff zu bekommen.

Die Kolloquien unterstützen die kontinuierliche Entwicklung Eures Bachelor-Projekts und bieten Raum für Austausch und Feedback.

THEMA
Euer Abschlussprojekt sollte aus diesen Bereichen sein:
Kommunikationsdesign, Interface Design, Interaction Design und Experience Design für interaktive Medien, AI-enhanced Design.

Gestaltungsmedium kann sein:
Website und App, Intelligente vernetzte Objekte und Räume, Immersive Medien (AR, VR und alles dazwischen = XR), Voice Interaction und Chatbots, Interactive Advertising, künstlerische und experimentelle Projekte mit interaktiven Anteilen, interdisziplinäre Projekte.

ARBEITSWEISE
Gemeinsame Diskussion der Zwischenstände, Einzelgespräche, Prototyping-Workshops, Peer Teaching, Agentur-Exkursion und Design-Konferenzen. Ihr konkretisiert Idee und Konzeption, schärft die Forschungsfrage, richtet Eure Recherche und Evaluation aus, verfeinert den Schreibstil der Thesis, detailliert die Gestaltung und plant die Werkschau-Ausstellung.

TERMINE
Do 23.4.26 Kurzpräsentationen und Austausch
Do 7.5. Konzeption, Idee und Design
Do 21.5. Prototyping Ausstellung (Raumvergabe 26.5.)
Ab 1.6. Einzelgespräche Design
Ab 15.6. Einzelgespräche Design
Do 2.7. Schreibstil, Abstract, Ausstellungsdesign
Danach Einzelgespräche Finish

BEWERBUNG
Für eine Betreuung bitte frühzeitig mit einem Exposé bei mir melden.
Tipps hierzu: bit.ly/ps-cheat-expose.

Inhalt:
Dieses zweiwöchentlich stattfindende Kolloquium widmet sich der Besprechung und Korrektur von Bachelor- und Masterabschlussarbeiten, die sich schwerpunktmäßig mit Themenfeldern wie Typografie, Buchgestaltung, Editorial Design, Publishing, Information Design, Ausstellungsdesign, sowie Nachhaltigkeitskommunikation und Transformation Design auseinandersetzen.

Hinweise zur Betreuung von B.A.- und M.A.-Arbeiten:
Vor einer Betreuungszusage erwarte ich die Zusendung von einem (Haupt-) Thema und möglichst zwei weiteren Alternativthemen. Bei allen Leuten, die ich nicht gut aus dem Studium kenne, setze ich zudem eine Präsentation der wichtigsten Studienarbeiten (Portfolio) und ein persönliches Gespräch als Betreuungsbedingungen voraus. Themenvorschläge (Haupt- und Alternativthemen) für den B.A.- oder M.A.-Abschluss sollten je auf etwa einer halben oder ganzen A4 Seite kurz beschrieben werden, reine Überschriften sind schwer zu beurteilen.

Für einen Themenvorschlag (Kurzexposee) reicht eine Beschreibung der wesentlichen Punkte bzw. eine Beantwortung der zentralen Fragestellungen (Wer? Was? Wem? Warum? Wie? Wo? Wann?) aus. Für eine selbständige Abschlussarbeit ist die Klärung der Fragen ›Warum?‹ und ›Wie?‹ von zentraler Bedeutung, weil es dabei um die persönliche Motivation (Haltung) und die gestalterische Umsetzbarkeit der Idee (Darstellung) geht. Die Kurzexposees sind wichtig für eine objektive Entscheidungsfindung bei der Themenwahl. Es hilft nicht zuletzt dabei die passenden Betreuer:innen/Prüfer:innen zu finden. Ich bitte um die Zusendung von mind. einem ausführlicher beschriebenen Themenvorschlag (Hauptthema, ca. 1 A4 Seite), die möglichen Alternativthemen können etwas kürzer beschrieben werden (ca. 1/2 A4 Seite). Gerne übernehme ich die Betreuung von B.A.- und M.A.-Arbeiten, wenn das Thema passt, d.h. ich das Thema auch gut betreuen kann.

Die Betreuung der M.A.-Abschlussarbeiten:
findet abhängig von der Gruppengröße ggf. in einer Extrarunde statt.

Betreuung der BA-Abschlussarbeiten mit einem Schwerpunkt im Bereich Zeichnung & Illustration.

In diesem Gruppenkolloquium werden Bachelorarbeiten der Studienrichtung DMX begleitet. Das Format orientiert sich an den zentralen Meilensteinen des Bachelorsemesters. Die Studierenden bringen – je nach individuellem Entwicklungsstand – ihre Themenrecherche und Projektarbeiten ein und diskutieren diese im Austausch mit der Gruppe. Im Fokus steht die kritische Reflexion des eigenen Projekts im Kontext des jeweiligen Forschungsfelds sowie die gemeinsame Klärung der nächsten Arbeitsschritte.

In diesem Seminar findet die Betreuung der BA-Arbeit statt. In regelmäßigen Treffen diskutieren wir in der Gruppe der Teilnehmenden den Arbeitsstand. Dabei gehen wir individuell auf die einzelnen Projekte ein und profitieren der gegenseitigen Kritik.

Die Treffen finden im zweiwöchentlichen Rhythmus statt.

Bei Teilnahmewunsch bitte hier anmelden.

Im Kolloquium Drafts & Dialogues stehen die Bachelorarbeiten als laufende Prozesse im Mittelpunkt. In wöchentlichen Treffen diskutieren wir Arbeitsstände, geben uns gegenseitig konstruktives Feedback und begleiten die individuelle Entwicklung der Projekte. Entwürfe werden so im Dialog geschärft und Schritt für Schritt zur finalen Arbeit weitergeführt. Wir starten gemeinsam am 8. April 2026.

Ob Audi, Nike oder der Bäcker von nebenan – jedes Unternehmen, das visuell kommuniziert, braucht ein funktionierendes Corporate Design. Doch was genau macht ein »gutes« Corporate Design aus? Und wie entsteht es?

Im Seminar »DeReconstruct« blicken wir hinter die Kulissen erfolgreicher Erscheinungsbilder – und setzen sie neu zusammen. Dafür dekonstruiert jede:r Teilnehmer:in ein bestehendes CD-Projekt, analysiert dessen visuelle Elemente und testet deren Potenziale in zahlreichen gestalterischen Experimenten. Aus diesen Erkenntnissen entsteht am Ende ein neues, eigenes Designsystem: reduziert oder komplex, still oder laut – aber in jedem Fall systemisch gedacht.

Ablauf und Inhalte:
– Agentur-Referat und Projektvorstellung
– Analyse und vollständige Zerlegung der visuellen Elemente
– Erstellung experimenteller Serien (1er-, 2er-, 3er- und 4er-Kombinationen)
– Beobachtung, Ableitung und Formulierung von Gestaltungssystemen
– Entwicklung eines neuen CD-Systems auf Basis der vorgefundenen Elemente
– Gestaltung exemplarischer Anwendungen (z. B. Poster, Editorial, Digital)
– Dokumentation des Prozesses in einem strukturierten Werkbericht
– Abschlusspräsentation als Modulprüfung

Lernziele:
– Verständnis für Aufbau und Funktion systemischer Markenidentitäten
– Analysefähigkeit und konzeptionelle Tiefe in der Gestaltung
– Sicherheit im Umgang mit visuellen Codes und Designprinzipien
– Fähigkeit, experimentelle Ansätze in funktionale Systeme zu überführen

Was du brauchst:
Neugier, Mut zum Experiment – und Lust, dich in visuelle Systeme zu vertiefen.

Bei Interesse bitte HIER anmelden – und natürlich zur Einführungsveranstaltung am 13. April (abweichend am Montag) um 10 Uhr in Raum 114 kommen.

Wie entsteht ein visuell überzeugendes, strategisch fundiertes Corporate Design? In diesem Seminar geht es darum, wie man die Identität einer Marke erkennt – und daraus eine präzise, eigenständige Gestaltung entwickelt.

Ausgangspunkt ist nicht das Logo, sondern ein breites Verständnis für Haltung, Herkunft und Ambition der Marke. In einem iterativen Prozess analysiert ihr den kulturellen und organisatorischen Kontext, verdichten eine zentrale Idee und übersetzen diese schrittweise in ein medienübergreifendes Corporate Design.

Das Seminar verbindet strategische Methoden mit explorativen Arbeitsphasen und Peer-Feedback. Als Unterstützung wird ein Workbook zur Verfügung gestellt. Neben einer realistischen Ausarbeitung sind auch experimentelle und ungewöhnliche Ansätze ausdrücklich erwünscht. Ergebnis ist ein vollständiges Designsystem, das am Ende in einer Präsentation, einem Brand Book und einem Case Reel vorgestellt wird.

Voraussetzungen: Interesse an strategischem Denken, Bereitschaft zur Reflexion und Lust auf gestalterisches Wagnis sowie die vorherige Teilnahme am Seminar „DeReconstruct“.

Bei Interesse bitte HIER anmelden – und natürlich zur Einführungsveranstaltung am 13. April (abweichend am Montag) um 10:30 Uhr in Raum 114 kommen.

Das Seminar vermittelt die Grundlagen von Motion Design mit After Effects. Die Inhalte sind dabei ausgerichtet auf die Tätigkeitsfelder von Kommunikationsdesign: Reels (oder Show Case Videos) sind ein wichtiges Präsentationsmedium für Ideen und Projekte in Portfolios und für Pitches und Awards.

Das Seminar zeigt, wie sie konzipiert, layoutet werden und Inhalte mit Motion prägnant und attraktiv dargestellt werden. Der Schwerpunkt liegt auf Konzeption, Kreation und Umsetzung von Motion Reels (oder Show Case Videos), um: Ideen, Prototypes, Projekte, Corporate Designs oder Marken filmisch-animiert zu präsentieren. Und attraktiv und emotional zu verpacken, sodass sie nicht in der Schublade verschwinden, sondern gesehen werden.

VORKENNTNISSE
Das Seminar ist primär für Bachelor-Studierende aus höheren Semestern. Nötig sind Grundlagenkenntnisse zu: Illustrator, InDesign, Photoshop, da diese aus Zeitgründen nicht vermittelt werden können.

BELEGUNG ALS TECHNISCHE ERGÄNZUNG
Studierende aus Seminaren zu Brand Design und Interaction Design können nach Absprache die Grundlagenphase als Ergänzung zum Gestaltungsseminar belegen.

ANMELDUNG
forms.gle/gFvKE4a39xsGhT6j8

TERMINE (folgen in Kürze)
Grundlagenphase:
Fr, X.4.26: Vorlesung 1 // Fr, X.X.26: Vorlesung 2 // Fr, X.X.26: Vorlesung 3 // Fr, X.X.26: Vorlesung 4 // Fr, X.X.26:Vorlesung 5

Projektphase:
Fr, X.X.26: Support Slot 01 // Fr, X.X.26: Support Slot 02 // Fr, X.X.26: Support Slot 03

Diese Lehrveranstaltung vermittelt Grundlagen der Layout-Software Adobe Indesign in zwei aufeinander aufbauenden Teilen:

Der erste Teil des Semesters (Id-Grundlagen 1):
vermittelt Grundlagen insbesondere für Studierende ohne einschlägige Vorkenntnisse: Konzept und Arbeitsweise von Indesign, Einrichten von und Arbeiten mit ein- und mehrseitigen Dokumenten, Arbeit mit Text und Bildern, »korrekte« Farben, PDF-Ausgabe.

Der zweite Teil (Id-Grundlagen 2):
baut auf den Inhalten des ersten auf, kann mit entsprechenden Grundkenntnissen aber auch unabhängig besucht werden. Hier geht es um komplexere Projekte wie Magazine und Bücher und wie die Arbeit mit Formaten und Variablen systematisiert werden kann.

Wichtig:

Studierende haben die Möglichkeit das gesamte Seminar oder einen Teil des Seminars zu belegen und unterschiedliche Scheine zu bekommen.

— Gesamtes Seminar: 4 SWS, 5 CP (PO 2019) oder 4 SWS, 6 CP (PO 2024) für Technikschein; Leistungsnachweis: Teilnahme, Beteiligung, Übungen, praktisches Arbeitsergebnis und theoretische Prüfung

— Teil 1 oder Teil 2 des Seminars: 2 SWS, 2 CP für Praxisschein; Leistungsnachweis: Teilnahme, Beteiligung und Dokumentation der absolvierten Übungen

Hinweis:
Die Vorbesprechung findet am 16. April um 18 Uhr in Raum 206 und parallel via Zoom statt.

In diesem Seminar steht die Drapiertechnik als praxisorientiertes Werkzeug im Fokus, mit dem Jacken- und Mäntelgrundformen dreidimensional am Modell entwickelt und ausgearbeitet werden. Ziel ist es, ein vertieftes Verständnis für Proportion, Volumen, Passform und konstruktive Linienführung zu vermitteln.

Ein zentraler Bestandteil des Kurses ist das Drapieren verschiedener klassischer Ärmeltypen sowie die Vermittlung eines fundierten Verständnisses für Ärmelschnitte und Armlochlösungen. Zu diesem Zweck wird ein eigener Drapierarm angefertigt, der eine präzise Konstruktion, Drapierung und Analyse ermöglicht.

Darüber hinaus umfasst der Kurs das Fitting am Körper, die Durchführung technischer Korrekturen sowie das Markieren und Abnehmen komplexerer Schnittformen. Ergänzend werden die Übertragung drapierter Formen in zweidimensionale Schnittsysteme sowie Aspekte der industriellen Fertigung und ausgewählte Verarbeitungstechniken (z. B. Taschen, Innenfutter) für Jacken- und Mänteldetails behandelt.

Der Kurs richtet sich an Studierende des 2. und 3. Levels im Bachelorstudium sowie an Masterstudierende, die ihre technischen Kompetenzen im Drapieren und in der Schnittentwicklung vertiefen und klassische Entwurfsansätze professionell umsetzen möchten.

Wir freuen uns für das kommende Sommersemester eine neue Lehrkraft für das Modul „Fachenglisch für Gestalter*innen“ gefunden zu haben!

Das Modul wird voraussichtlich in zwei unterschiedliche Level unterteilt werden, die am Mittwoch Vor- bzw. Nachmittag stattfinden. Die genauen Zeiträume dazu können sich noch minimal verschieben, bleiben aber innerhalb des entsprechenden Timeslots. Fragen bzw. Interessenbekundungen zum Modul bitte zunächst ans Dekanat: dekanat.fb1@hsbi.de 

Hier eine Kurzbeschreibung zu den Inhalten:
Schwerpunkte des Moduls sind Einübung des Fachwortschatzes der (internationalen) Gestaltung und des Designs mit Hilfe von ausgewählter Literatur, die Wiederholung der englischen Grammatik sowie aktives Training von Präsentationsenglisch. Darüber hinaus werden Texte erstellt (z.B. Kurzberichte, Zusammenfassungen, Abstracts, Bewerbungsunterlagen, Geschäftsbriefe).

Wir freuen uns für das kommende Sommersemester eine neue Lehrkraft für das Modul „Fachenglisch für Gestalter*innen“ gefunden zu haben!

Das Modul wird voraussichtlich in zwei unterschiedliche Level unterteilt werden, die am Mittwoch Vor- bzw. Nachmittag stattfinden. Die genauen Zeiträume dazu können sich noch minimal verschieben, bleiben aber innerhalb des entsprechenden Timeslots. Fragen bzw. Interessenbekundungen zum Modul bitte zunächst ans Dekanat: dekanat.fb1@hsbi.de 

Hier eine Kurzbeschreibung zu den Inhalten:
Schwerpunkte des Moduls sind Einübung des Fachwortschatzes der (internationalen) Gestaltung und des Designs mit Hilfe von ausgewählter Literatur, die Wiederholung der englischen Grammatik sowie aktives Training von Präsentationsenglisch. Darüber hinaus werden Texte erstellt (z.B. Kurzberichte, Zusammenfassungen, Abstracts, Bewerbungsunterlagen, Geschäftsbriefe).

Das interdisziplinäre Seminar Bewegtbild legt in diesem Semester den Fokus auf den Modefilm. Es ist ein kleines Seminar mit 2 SWS.

Was macht dieses Genre so besonders, um was geht es im Modefilm? Der renommierte Modefotograf Nick Knight gründete 2000 www.showstudio.com - wie hat sich der Modefilm seither etabliert, wie und wann hat sich der Modefilm entwickelt und was macht ihn heute noch besonders? Von der Entwicklung des Modefilms bis heute. Ideen – und Konzeptentwicklung stehen im Vordergrund dieses Moduls, Du wirst ein Konzept mit finalem Shooting erarbeiten.

Technisches Know-How ist Voraussetzung. Die Teilnahme ist begrenzt - bitte schickt vorab als Email ein kleines Resümee in PDF Form, warum Euch das Genre Modefilm interessiert und welche Idee ihr bereits mitbringen würdet. Ein paar Arbeitsbeispiele oder einen Webseiten Link sind wünschenswert.

Inhalt:
»Stell Dir vor, es wäre das Jahr 2050 und der Bund hätte alle Klimaziele umgesetzt. Keine Zeit zum Fürchten, sondern eine Zukunft, die man sich beinahe herbeisehnt?« – In diesem Seminar werden wir ein ›Zine for Future‹ entwickeln, das nicht nur die Risiken, sondern auch die Chancen des Wandels betrachtet und Lust auf Transformation macht. Das (spekulative) Lifestyle-Magazin richtet sich an Menschen, die sich derzeit vom Transformationsprozess überfordert fühlen und Angst vor der Zukunft haben.

Struktur:
Die Zielgruppe des Zines wird anhand sozial- und umweltpsychologischer Studien analysiert und definiert. Die dafür notwendigen theoretischen Grundlagen erwerben die Studierenden u.a. im komplementären Theorie-Seminar ›Das Individuum in der sozial-ökologischen Transformation‹, das (montags, 10 bis 11:30 Uhr) von Prof. Dr. Sebastian Bamberg/Fachbereich Sozialwesen angeboten wird.

Ergänzt wird das Seminar durch einen Transformation Design-Vortrag von Prof. Dr. Peter Stephan (Kunsthochschule für Medien Köln) am 27. April und einen zweitägigen Nachhaltigkeits-Workshop von Prof. Ella Britton (London College of Communication), der während der International Week am 20./21. Mai stattfinden wird. Ella Britton ist Leiterin des M.A.-Schwerpunkts »Design for Social Innovation and Sustainable Futures at London College of Communication«.

Ausrichtung:
Dieses Interdisziplinäre Seminar ist sowohl ein Typografie und Editorial Design-Seminar, als auch ein Pilotprojekt im Bereich ›Nachhaltigkeitskommunikation‹. Es richtet sich primär an Studierende, die sich mit Editorial Design, Storytelling, Information Design, Social Design, Transformation Design und nicht zuletzt Nachhaltigkeitskommunikation beschäftigen möchten. Die (spekulativen) Inhalte und Bilder des Magazins dürfen mit Hilfe von KI-Tools erstellt werden – müssen aber nicht. Die Arbeit in einer Kleingruppe (zwei Personen) ist empfehlenswert.

Medien, die mit digitalen Filtern bearbeitet werden, um Störungen, Rauschen oder
Verzerrungen zu eliminieren, sind Teil unseres Alltagserlebens geworden. In der
Musikproduktion, in der Bearbeitung von Sprache oder bei audiobasierten
Kommunikationstechniken werden Audiosignale mittels digitaler Filtertechnik sauberer
und verständlicher gemacht, indem originäre Audiosignale bereinigt, entrauscht und
entzerrt werden.

Wo aber bleibt dieses Rauschen? Wie klingt das, was ein Filter entfernt? Können wir
Störsignale betrachten als seien es Nutzsignale und auf die Jagd nach ihnen gehen?
Was ist denn „Rauschen” überhaupt, wo beginnt es und wie können wir die Arbeit von
Filtern, die Rauschen entfernen, hörbar machen?

Wir wollen die Differenz zwischen Nutzsignalen und Störgrößen erforschen und die
andere Seite des Spiegels erkunden. Wir werden das Rauschen und die Artefakte
selbst zur Nachricht machen, indem wir sie zurück in Signale verwandeln, die zu
Geräuschen, Atmosphären, Klängen oder Musik werden können.

Wir erstellen akustische Kunst, bearbeiten Sprache, dekonstruieren Klänge und
Rhythmen zu neuen Sounds und Scapes, um so akustische Wirklichkeit zu
untersuchen und neu zu begreifen.

Wir werden im Seminar Künstler und Künstlerinnen der akustischen Kunst und der
Klangkunst kennenlernen und aus den Beiträgen der Studierenden ein etwa 45-60
minütiges Hörspiel erzeugen, das wir im Lichtwerk Kino zum Ende des Semesters
aufführen wollen als „Listening Cinema”: Das Kino wird von uns ausschließlich als
„Audioraum” genutzt werden.

Die Teilnahme am Seminar setzt keine tiefer gehenden Vorkenntnisse voraus, wohl
aber Verbindlichkeit, Neugierde und regelmäßige Teilnahme sowie Interesse, im Team
zu arbeiten.

Die Plätze im Seminar werden in der Vorbesprechung vergeben werden.
Ich bitte, von Anmeldungen im Vorfeld abzusehen.

Es scheint einfach: coole Klamotten, coole Location und coole Models – und ab zur Vogue. Aber ist es das? Dieses Seminar ist eine Einführung in die Welt der Modefotografie. Von der Entwicklung der Modefotografie und des Modefilms bis heute, anhand von Beispielen und Übungen. Was macht eine gute Modestrecke aus? Was sind die wesentlichen Elemente? Was bedeutet Zeitgeist im Modekontext? Ideen – und Konzeptentwicklung stehen im Vordergrund dieses Moduls.

Wöchentliche Übungen sind ein wichtiger Teil des Unterrichts und eine Hinführung zu einer Modestrecke/ Editorial, alternativ kann hier zusätzlich auch im Bewegtbild gearbeitet werden.

DATES
15.05
22.05
19.06
26.06

The screen is the limitation. The pixels are fixed and contained. Using this starting point, this project will explore the idea of expansion, be that architectural, perceptual, spatial or narrative.

Using unreal Engine, this course will be a mixture of exploratory technical workshops, and conceptual artistic exploration. It is recommended to have some knowledge of Unreal Engine before enrolling in this course. If you would like to enrol in this course please send me a short paragraph about why, and your current level with Unreal Engine.

Tom Lane
Tom Lane is a Hamburg-based artist working with cinematic systems, simulation, and expanded moving image. His practice explores identity, perception, and embodiment within digitally mediated environments, often blurring the boundaries between film, performance, installation, and real-time systems.

Working with tools such as game engines, audiovisual technologies, generative processes and writing, Lane treats his work not as a fixed narrative form but as an evolving system—one that unfolds through duration, observation and interaction. His practice is research-driven, using experimentation, textual reflection and iteration as central methods of working.

Across his work, identity is approached as unstable and distributed, shaped by memory, behaviour, technological conditions, and ecological entanglement rather than singular representation. Increasingly, his projects consider the relationship between human and non-human systems, exploring how embodiment, consciousness, and care might extend beyond the human subject. His works often remain open-ended, allowing meaning to emerge through process rather than resolution.

https://www.tomlane.site/

In diesem Seminar wird das Präsentieren und Ausstellen als aktive, prozessuale Praxis untersucht. Studierende setzen sich mit räumlichen, kuratorischen und kommunikativen Entscheidungen auseinander und reflektieren deren Auswirkungen auf Wahrnehmung, Kontext und Öffentlichkeit. Der Fokus liegt auf dem Zusammenspiel von Werk, Raum, Text und Publikum sowie auf der Frage, wie Ausstellungen Bedeutungen erzeugen und vermitteln.

Das Seminar ist projektbasiert angelegt. Im gemeinsamen Arbeitsprozess entwickeln die Studierenden eine Ausstellung im hochschuleigenen Projektraum Satellit und begleiten alle Phasen von der konzeptuellen Entwicklung über Planung und Umsetzung bis hin zur öffentlichen Präsentation. Ergänzend dazu werden praktische Übungen durchgeführt, die zentrale Aspekte des Ausstellens wie Raumdisposition, Display und Textproduktion erproben.

Gespräche mit Kuratorinnen, Ausstellungsbesuche und Exkursionen vertiefen die Auseinandersetzung mit zeitgenössischen kuratorischen Positionen. Kollektive Diskussionen und Reflexionen begleiten den Arbeitsprozess kontinuierlich und ermöglichen eine kritische Betrachtung von Entscheidungsprozessen und Formen der Zusammenarbeit.

Eine Anmeldung ist nicht möglich, da die Teilnehmer:innen bereits feststehen.

Im Seminar arbeiten die Studierenden an der organisatorischen, konzeptionellen und gestalterischen Umsetzung der CXI-Konferenz. Sie übernehmen reale Verantwortlichkeiten innerhalb eines komplexen, professionellen Projektkontexts. Dazu zählen Planung, Koordination, Gestaltung und Produktion sämtlicher relevanter Medien und Kommunikationskanäle einer internationalen Fachkonferenz. Bearbeitet werden visuelle Systeme, Inhalte, Texte sowie deren konsistente Anwendung in analogen und digitalen Formaten. Ziel ist es, strategische, gestalterische und operative Anforderungen unter realen Bedingungen zu verbinden.

Lernziele
Die Studierenden vertiefen ihre Fähigkeit, komplexe Marken- und Kommunikationsaufgaben ganzheitlich zu denken und umzusetzen. Sie lernen, gestalterische Entscheidungen aus Haltung, Strategie und Kontext abzuleiten und diese in funktionierende Systeme zu überführen. Zudem erwerben sie Erfahrung im Arbeiten unter realen zeitlichen, organisatorischen und qualitativen Rahmenbedingungen.

Prüfungsleistung
Die Prüfungsleistung besteht aus der aktiven Mitarbeit am Projekt sowie der dokumentierten gestalterischen und konzeptionellen Leistung innerhalb des Gesamtauftritts der CXI Konferenz. Bewertungskriterien sind konzeptionelle Klarheit, gestalterische Qualität, Systematik, Umsetzungsniveau und Verantwortungsübernahme.

Bestandteile des Moduls ist außerdem der 2-tägige Workshop und Vortrag Brand Purpose mit Cecilia Martin (London) am 19. und 20. Mai im Rahmen der International Week.

Expanded Photography Practice erweitert das herkömmliche Verständnis von Fotografie als Praxis in der Autor:innen der Wirklichkeit Bilder entnehmen. Wir möchten alles an dieser Vorstellung hinterfragen: Die Fotografie als Einbahnstraße der Bildproduktion, den Begriff der Wirklichkeit und den Status der Bilder in einer Welt, die Alternative Fakten zulässt.

Die Arbeit im Seminar gliedert sich in Recherche, Entwurf und Umsetzung zu einem Projekt. Dabei wird Gruppenarbeit als Arbeitsweise ermöglicht. Der Ausgangspunkt unseres Interesses ist das Medium der Fotografie. Diese kann aber im Laufe des Projekts verändert, ergänzt oder auch grundsätzlich hinterfragt werden. Das Seminar nimmt eine Perspektive ausgehend aus der Studienrichtung Fotografie ein. Es ist offen für Studierende aller Studienrichtungen. Den Abschluss bildet eine gemeinsame (hochul)öffentliche Präsentation, deren Form gemeinsam erarbeitet wird.

Die Lehrveranstaltung ist Teil des Forschungsprojekts „Postfotogafische Bilder. Generative Bildgebungsverfahren“

Es liegt nahe, es gemeinsam mit den anderen Veranstaltungen des Projekts zu besuchen:

• Prof. Dr. Kirsten Wagner, Jana Sehnert: Triennale der Photographie in Hamburg & Zentrum für Kunst und Medien Karlsruhe.
• Prof. Dr. Kirsten Wagner, Jana Sehnert: Kritische Perspektiven auf AI. Lektüreseminar

Bei Teilnahmewunsch bitte hier anmelden.

Wir untersuchen wie reale Situationen, Räume und Objekte mithilfe digitaler Werkzeuge erfasst, rekonstruiert und in simulierte Umgebungen überführt werden können. Ausgangspunkt ist die Beobachtung, dass zeitgenössische Medienpraktiken Realität zunehmend nicht nur dokumentieren, sondern technisch modellieren, erweitern und neu inszenieren. Mithilfe verschiedener Tools und Methoden darunter Gaussian Splats, Virtual Production, Motion Capture entwickeln die Studierenden digitale Modelle, die reale Bedingungen analysieren, abstrahieren oder transformieren. Der Prozess der Rekonstruktion dient dabei als Ausgangspunkt für eine weiterführende kreative Auseinandersetzung mit den erzeugten digitalen Szenarien.

Blocksemniar 21.05. - 23.05.2026

In Bezug auf das Master Gestaltungsseminar Post Physical, wird ein Workshop mit dem Thema Visuals Musik mit PFA Studios aus Berlin statt finden.
Das Berliner Studio realisiert Arbeiten in den Bereichen Motion Design, immersive Experiences, Stage Shows und visuelle Gestaltung und steht in der gestalterischen Tradition der Visual-Art-Formation Pfadfinderei.
Im Workshop beschäftigen sich die Studierenden mit dem Thema Visual Music und erforschen die Beziehung zwischen Klang, Bewegung, Rhythmus und Bild. Im Kontext des Seminars knüpft das Format an Fragen nach dem Verhältnis von physischer Präsenz, medialer Übersetzung und postphysischen Bild- und Erfahrungsräumen an und vertieft diese anhand einer gestalterisch-praktischen Auseinandersetzung mit audiovisuellen Kompositionen.

Praktischer Teil
Der praxisorientierte Teil der Workshops vermittelt Produktionsweisen zur Erstellung visueller Showcontents. Zentraler Aspekt hierbei ist neben der gestalterischen Konzeption die audiovisuelle Live Performance. Als Abschlussarbeit wird ein circa 10-15 minütiger visueller Mix entstehen, der während der Abschlussveranstaltung von den Studierenden live performt wird.

Ablauf
In Arbeitsgruppen von 3-5 Personen erstellen die Studierenden eine Live Performance zu einem selbstgewählten DJ-Mix. Dafür erstellen sie mit gängigen Gestaltungs Tools und basierend auf ihren gestalterischen Ideen Showcontent, der in ihrer Performance live miteinander composed und rhythmisiert wird. 
Die Wahl der Produktionsweise zur Contenterstellung steht den Beteiligten offen - von Coding bis hin zu Videoarbeiten, von CGI bis Graikdesign oder KI gestützter Gestaltung ist alles machbar, solange es sich in das zuvor für die Musik entwickelte Gestaltungskonzept einordnet.
Sollte es zu keiner generischen Konzepteion innerhalb einer Abeitsgruppe kommen, werden wir Themenfelder für die Contentproduktion vorgeben (Textur, Lichtrhytmik, abstrahiertes Realbild und „iconic motif“)

„Skin in the game“ steht für ein tiefes persönliches Engagement, das immer auch Risiko und Verantwortung umfasst. Philosophisch bedeutet es, sich nicht nur auf theoretischer Ebene einzubringen, sondern existenziell teilzuhaben: sich dem Prozess hinzugeben und Verwundbarkeit als schöpferische Ressource zu nutzen. In der künstlerischen Forschung wird so die Trennung von Theorie und Praxis aufgehoben, um zu transformativen Erkenntnissen zu gelangen.

Im Kolloquium beschäftigen wir uns mit Methodologien und Praktiken künstlerischer Forschung, mit besonderem Schwerpunkt auf practice-based research. Die Studierenden entwickeln ihre individuellen Themen zu künstlerischen Projekten weiter, erproben eigene Formen der Verschränkung von Theorie und Praxis und untersuchen deren Potenziale.

In diesem Seminar erlernen wir die Grundlagen der 3D-Animation in Cinema 4D und Blender. Dabei arbeiten wir mit zentralen Techniken und Werkzeugen wie Keyframes, Curves, Weight Paints, Simulationen, Rigs & Bones sowie Deformern. Darüber hinaus erhalten die Studierenden einen Einblick in die Postproduktions-Pipeline, insbesondere in die Arbeit mit AOVs in Redshift und After Effects. Als gemeinsames Semesterprojekt streben wir die Entwicklung einer öffentlichen Naked-Eye-Produktion an.

Gruppentermine
Lange: Mittwoch oder Donnerstag, 9.00 – 12.45 Uhr, 13.15 – 17.00 Uhr

Boes: Mittwoch oder Donnerstag, 9.00 – 12.45 Uhr, 13.15 – 17.00 Uhr

(alle 14 Tage Mi oder Do)

Vermittlung von praktischen Grundlagen für Studierende aller Studienrichtungen,
 besonders jedoch Fotografie. Inhalt des Kurses sind u. a. Eigenschaften und Wahrnehmung von Licht, Geräte- und Beleuchtungstechniken, analoge- digitale Farbsysteme, Grundlagen der optischen Abbildungen, Perspektive und perspektivische Verzerrungen in der Fotografie sowie weiterführende Themen. Alle Themen bewegen sich ausschließlich im Grundlagenbereich.

Der Kurs wird praktisch umgesetzt und teilt sich in vorgegebene Übungen und selbständiges Arbeiten auf. Der Kurs besteht aus Praktikum und Gruppensemesterarbeit.

Vorausgesetzt wird die Bereitschaft zur Gruppenarbeit sowie selbständiges Arbeiten und Eigeninitiative. Die Veranstaltung ist zweisemestrig und beginnt immer im Wintersemester. 
Eine Prüfung findet nach dem zweiten Semester statt.

Der Kurs richtet sich an Interessierte, die gerne analoge S/W_Prints von S/W_Negative erstellen. Im Kurs werden einige Techniken sowie Verfahren geübt.

Zur Prüfung soll das Ergebnis präsentiert werden.

Absolute Voraussetzung für den Kurs ist der abgeschlossenen Fotogrundkurs in der Studienrichtung FuB.

Die Teilnehmerzahl ist leider auf die Anzahl der Geräte im S/W-Labor begrenzt !

Gruppentermine
Lange: Mittwoch oder Donnerstag, 9.00–12.45 Uhr, 13.15–17.00 Uhr

Boes: Mittwoch oder Donnerstag, 9.00–12.45 Uhr, 13.15–17.00 Uhr


Vermittlung von praktischen Grundlagen für Studierende aller Studienrichtungen,
 besonders jedoch Fotografie Inhalt des Kurses sind u. a. Eigenschaften und Wahrnehmung von Licht, Geräte- und Beleuchtungstechniken, analoge- digitale Farbsysteme, Grundlagen der optischen Abbildungen, Perspektive und perspektivische Verzerrungen in der Fotografie sowie weiterführende Themen. Alle Themen bewegen sich ausschließlich im Grundlagenbereich.

Der Kurs wird praktisch umgesetzt und teilt sich in vorgegebene Übungen und selbständiges Arbeiten auf. Der Kurs besteht aus Praktikum und Gruppensemesterarbeit.

Vorausgesetzt wird die Bereitschaft zur Gruppenarbeit sowie selbständiges Arbeiten und Eigeninitiative. Die Veranstaltung ist zweisemestrig und beginnt immer im Wintersemester. 
Eine Prüfung findet nach dem zweiten Semester statt.

Dieser Technikkurs vertieft die Grundlagen zur Filmtechnik aus dem ersten Semester und legt dabei besonderen Fokus auf eigenständige kreative Entwicklung und Postproduktion. Über praktische Anwendungen, selbstorganisierte Arbeit und gemeinschaftliche Reflexion entwickeln und produzieren die Studierenden ein freies Filmprojekt.

Im ersten Teil stehen Pitch und Planung im Fokus. Die inhaltliche, technische und organisatorische Entwicklung eines Filmprojekts wird durch praktische Anwendung von Exposés, Storyboards, Drehplänen und weiteren Planungstools geübt und vertieft.

Beim Dreh selbst wird auf den Grundlagen des ersten Semester aufgebaut: Wie lassen sich die erlernten Fähigkeiten und das technische Wissen in ein selbst entwickeltes Produkt umwandeln? Welche neuen Ideen und Möglichkeiten ergeben sich?

In der Postproduktion schauen wir uns besonders den Schnitt und gegebenenfalls die Verbindung verschiedener Medien wie Filmmaterial und 2D/3D Animationen an. Wie lässt sich durch Schnitt eine Geschichte erzählen? Welchen Einfluss haben Tempo, Rhythmus und die richtige Auswahl des Material auf die Stimmung und Aussage des Endprodukts? Geschnitten wird in DaVinci Resolve, die Integration von Materials anderer Programme wie Blender, After Effects, usw. ist sehr erwünscht.

Teil des Seminars ist außerdem eine Einführung in Touch Designer durch die Node Institute Trainerin Belçim Yavuz. Mit TD lassen sich in Echtzeit anspruchsvolle Videoinstallationen, Compositing Methoden und Interaction Design erstellen und ausspielen.

Für Studierende der Studienrichtung Digital Media and Experiment ist das Programm ein Pflichtkurs im Level 1.

Der Kurs findet in Raum 204 und ggf. in Raum 205 statt. Erstes Treffen ist am 16. April 2026 um 09:00 in Raum 204.

Wie nehmen wir Bewegung wahr? Was sind die Grundprinzipien der Animation? Wie beeinflussen Material, Methode und Software die Wirkung bewegter Bilder? Der ästhetische und inhaltliche Kosmos des Animationsfilms ist unbegrenzt: jedes Objekt oder Material, jede Form visueller Information kann mit den Techniken der Animation belebt werden. Praktische Übungen mit digitalen und analogen Techniken der 2D Animation und des Motion Designs eröffnen den Zugang zur zeitgenössischen Gestaltung von bewegten Bildern. Begleitend dazu erforschen wir das vielseitige und intermediale Feld der Motion Graphics anhand von Analysen wegweisender Animationsfilme, Filmvorspänne und künstlerischer Bewegtbildarbeiten.

Als Ergebnis erarbeitet jede/r Teilnehmer*in ein eigenes Motion Design Projekt. Inhalte: Animationsprinzipien, Grundlagen Zeichentrick, Stop Motion, Rotoskopie, Umgang mit Keyframes, Expressions, Motion Graph Editor, Interpolationsarten.

Software: Adobe After Effects, Dragonframe Stop Motion

In diesem Seminar erkundet Ihr Coding aus gestalterischen Perspektive: Mit dem Baukastensystem P5.js, werdet Ihr Schritt für Schritt ausprobieren, wie sich kreative Ideen umsetzen lassen in Form, Farbe, Typografie, Animation, Sound und Interaktion. Die Ergebnisse sind dann im Browser betrachtbar und teilbar. Konzepte wie Variablen, Schleifen, oder Bedingungen werden erklärt und in kleinen Übungen und Projekten angewendet.

ZIELE:
Das Ziel von Creative Coding ist, die eigenen gestalterischen Skills im digitalen Spektrum zu erweitern. Im Mittelpunkt steht die gestalterische Praxis: Ihr arbeitet explorativ, probiert aus, experimentiert und ergänzt Eure Gestaltungs-Skills. Themen wie generative Gestaltung, parametrisches Design, Animation und interaktive Experimente eröffnen dabei neue Ausdrucksmöglichkeiten jenseits der klassischen Design-Software.

ERGEBNIS:
Am Ende des Semesters werden die Ergebnisse in einer gemeinsamen Präsentation gezeigt, von ersten Skizzen, über Experimente bis zu den erreichten individuellen Projekten.

VORAUSSETZUNGEN:
Das Seminar richtet sich auch an alle, die noch wenig Coding-Kenntnisse haben (zum Bsp. Web Development Grundlagen).

ANMELDUNG:
forms.gle/8h8sd17GeLqpP95VA

START:
Mittwoch 22.4.26 um 14:00 Uhr in Raum 202

Das Grundlagenmodul Creative Tools vermittelt experimentell und praktisch Technik-Grundlagen für zeitgemäße digitale Medien und Tools. Es erweitert so die gestalterischen Skills im digitalen Spektrum.

TEIL 1: IMMERSIVE MEDIEN:
Im ersten Teil lernt Ihr räumliches Illustrieren in Virtual Reality mit der VR App Quill kennen.
Ihr arbeitet dabei mit der VR-Brillle Meta Quest. In Kurzaufgaben werden 3D-Objekte und Räume analog konzipiert und digital umgesetzt und die Möglichkeiten und Grenzen dieser Illustrations-App erkundet.
Termine: Mittwochs 15.4. / 22.4. / 29.4. / 6.5. / 13.5. Kurzpräsentationen: 20.5.
Bei Elisabeth Berg mit Unterstützung der DMX-Labore

TEIL 2: INTERAKTIVES PROTOTYPING
Wir arbeiten mit einfachen Boards: dem Makey Makey und Touchboard von Bare Conductive.
Ihr gestaltet eine interaktive 2D-Grafik, deren Elemente bei Berührung und Nähe zum Leben erweckt werden: Wir arbeiten dabei mit Licht und selbst erstellten Sounds.
Termine: 27.5. / 3.6. / 10.6. Kurzpräsentationen: 17.6.

TEIL 3: GENERATIVE GESTALTUNG
Im dritten Teil erkundet Ihr die Möglichkeiten aktueller Tools für generative Gestaltung. Ihr lernt die Grundlagen im Umgang mit Bildgeneratoren (Firefly u.a.), Videogeneratoren (Runtime u.a.), Textgeneratoren (Claude) und Voice Cloning (Elevenlabs) kennen. Ihr testet und reflektiert, wie diese Tools die gestalterische Arbeit unterstützen, oder ergänzen können, welche Chancen sie bieten und welche ethischen Aspekte beachtet werden müssen.
Termine: 24.6. / 1.7. / 8.7. Kurzpräsentationen: 15.7.

ERSTER TERMIN
Wir sehen uns bereits in der zweiten Semesterwoche: Mi 15.4. um 9:30 Uhr, Raum 118.

Der Kurs vermittelt die technischen und gestalterischen Grundlagen des Drapierens als Methode der dreidimensionalen Schnittentwicklung im Modedesign. Kleidungsformen werden direkt am Körper bzw. an der Schneiderbüste mit Stoff modelliert und systematisch analysiert.

Zu Beginn werden körpernahe und körperferne Grundformen drapiert, um ein grundlegendes Verständnis für Proportion, Volumen, Passform und konstruktive Linienführung zu entwickeln. Ein zentraler Schwerpunkt liegt auf der Analyse von Stofffall, Materialverhalten und deren Einfluss auf die Formgebung.

Aufbauend darauf werden klassische Drapiertechniken angewendet, insbesondere zur Entwicklung von Kragenformen und grundlegenden Hemdkonstruktionen. Ergänzend werden die Grundlagen der Schnittabnahme, die Übertragung drapierter Formen in zweidimensionale Schnitte sowie ausgewählte industrielle Verarbeitungstechniken am Beispiel von Hemddetails vermittelt.

Vor dem Hintergrund seiner Geschichte und seiner Einbindung in den medialen und gesellschaftlichen Kontext führt die Veranstaltung in das selbstständige projektbezogene Arbeiten mit dem Medium Fotografie ein. Sie verschafft einen Einblick in verschiedene Anwendungsgebiete wie Dokumentar-, Werbe-, Mode-, und konzeptionelle/künstlerische Fotografie. Anhand konkreter Aufgabenstellungen werden Verfahren zum Erproben geeigneter technischer und künstlerischer Ausdrucksmittel geübt. Die Entwicklung von Konzepten zur Realisierung eigenständiger semesterübergreifender Projekte, die Erörterung und kritische Reflexion der Lösungsansätze, das Finden einer angemessenen Präsentationsform sind, ebenso wie deren organisatorische Planung, Teil der Seminararbeit. Die aktive und regelmäßige Teilnahme am Seminar – Zwischenpräsentation, Referat, Diskussion, Feedback – sowie die kontinuierliche Arbeit am Projekt und den Übungen und technischen Einführungen sind verbindliche Voraussetzungen für den erfolgreichen Abschluss des Moduls.

Dieses Grundlagenmodul vermittelt Euch Design Skills für interaktive Medien.
Wir starten mit der Analyse von Alltags-Interfaces und diskutieren Verbesserungsmöglichkeiten.
Danach schlagen wir die Brücke zu digitalen Interfaces und beginnen das Semesterprojekt: eine durchdetaillierte Website.

INHALTE:
Euer Arbeitsprozess wird typische Arbeitsschritte umfassen: Themenrecherche, User Research, Web-Konzeption, Experience Design, Content Creation.
Nach einer Zwischenpräsentation folgen Web Design Basics, Icon Design, Web-Typografie und interaktives Prototyping mit Figma und die professionelle Präsentation eines Projektes.
So schlagen wir den Bogen von der Analyse anderer Websites bis hin zum User Testing des eigenen Projekts.

Der Master-Student Felix unterstützt das Seminar mit zwei Figma-Workshop-Sessions.

ERGEBNIS:
Ihr setzt schrittweise ein erstes, individuelles Website-Projekt um, das Ihr am Semesterende detailliert und anschaulich präsentiert und dabei Feedbacktechniken übt.

ERSTER TERMIN
Bereits in der zweiten Semesterwoche: Di 14.4.26 um 9:00 Uhr, Raum 118.
Eine Woche vorher wird per Mail ein kleines Recherche-To-Do genannt.

The seminar Adagio explores how movement can be observed, recorded, and translated into visual, spatial, and technical systems. The seminar focuses on notation as a method of thinking motion. Students learn how to use Rokoko motion suits to capture subtle, everyday, or mechanical forms of movement.

Movement data is translated into images, diagrams, screen-based works, or physical outputs. During the international week, as part of the seminar, students also build and program a small robot as a notational instrument that mimics motion, responds to it, or deliberately negates it.

No previous knowledge is required. The course is open to students interested in experimental media, video, interaction, installation, robotics, or related fields. The seminar concludes with a joint exhibition at Satellit Bielefeld.
Please note that, despite the weekly seminar hours, additional mandatory dates apply as listed below.

International Week – Robotic Workshop:
18.5.-22.5 26 (Details follow)

Rokoko Motion Suits – Workshop:
28.5. 26, 10:00 – 17:00

Exhibition:
Setup: 7.7. to 13.7 26
Opening: 14.7.26
Duration: 15.7. to 3. 10. 26
Takedown: 5.10.26

***
To register, please send an email stating your study program and current semester to herwig.scherabon@hsbi.de by 10 April 2026.

Als zukünftige Künstler*innen, Designer*innen und Forscher*innen arbeiten wir in Räumen mit fließenden Grenzen. Die Grundlagen der Arbeit mit Immersion in Forschung und Lehre erfordern viele Stützpunkte, die wir im Seminar umsetzen werden: ein erster Kontakt mit Medieninstallationen, die sensorische Erfahrungen und aktive Beteiligung fördern; das Reflektieren und Überprüfen unseres Realitätskonzepts, von der Auseinandersetzung mit gesellschaftspolitischen Impulsen, die unsere Realität prägen, bis hin zur Analyse und Entstehung utopischer Konstrukte.

Ziel ist es, künstlerische Denkmethoden zu entwickeln und uns auf die Gestaltung multimedialer Installationen vorzubereiten. Wir erforschen wichtige Themen der Medienkunst: von Überwachung, transmediales Storytelling bis nicht-menschliche Perspektiven. Dies werden wir durch die Auseinandersetzung mit aktuellen künstlerischen Positionen und Projekten, das Anschauen von Filmen oder den Besuch von Ausstellungen tun.

Der Kurs ist modular aufgebaut und verbindet Reflexion mit praktischen Experimenten. Jede*r Studierende entwickelt einen eigenen Werkzeugkasten für gestalterische und künstlerische Herausforderungen. Wir fördern den Umgang mit technisch-vermittelten Erfahrungen und unterstützen selbstständiges, kritisches und fachübergreifendes Arbeiten im Bereich der Medienkunst.

Teil des Seminars ist ein geblockter Sound-Design-Workshop am 24.4. mit Herwig Scherabon. Die genauen Uhrzeiten werden noch bekannt gegeben.

In diesem Kurs steht die intensive Auseinandersetzung mit Modeanalyse und Gestaltung im Mittelpunkt. Durch praktische Recherchen und Experimente werden stilistische Besonderheiten von Kleidungsstücken untersucht und reflektiert. Diese Erkenntnisse dienen als Ausgangspunkt für eigene Formexperimente direkt an der Büste, die schließlich in individuelle Kleidungsstücke umgesetzt werden.

Im Kurs werden verschiedene kreative Methoden und Techniken vermittelt. Praktische Experimente und Recherchemethoden bilden die Grundlage für die Entwicklung eigener innovativer Designs.

Für die Umsetzung eigener gestalterischer Ideen im Printbereich sind Kenntnisse aus dem Bereich der Drucktechnik unabdingbar. Das Kennenlernen von Methoden und Techniken zur Herstellung von Printprodukten ermöglicht die Reflektion der eigenen kreativen Entwürfe in Hinblick auf die Möglichkeiten ihrer technischen Realisation. Die Vermittlung drucktechnischer Grundlagen ist daher elementarer Bestandteil dieses Seminars. Das Erlernte wird anhand praktischer Übungen und durch die Bearbeitung von Aufgaben gefestigt.

Um einen kontinuierlichen Lernprozess zu ermöglichen und die Qualität unserer gemeinsamen Seminararbeit zu sichern, wird ein gewisses Maß an Selbstorganisation und Eigenverantwortung vorausgesetzt. Dazu gehören die regelmäßige Teilnahme, das eigenständige Nacharbeiten versäumter Inhalte sowie die verbindliche und fristgerechte Abgabe der Aufgaben.

Das Seminar ist nach PO24 zweisemestrig und beginnt immer im Wintersemester.
Es gibt daher auch im zweiten Semester vier Seminartermine für die KD-Studierenden:
Gruppe KD-Printtechnik A1: Montags, 09:00–12:00 Uhr.
Gruppe KD-Printtechnik A2: Montags, 13:00–16:00 Uhr.
Gruppe KD-Printtechnik B1: Donnerstags, 09:00–12:00 Uhr.
Gruppe KD-Printtechnik B2: Donnerstags, 13:00–16:00 Uhr.

Die Prüfung erfolgt nach dem zweiten Semester.

Für die Umsetzung eigener gestalterischer Ideen im Printbereich sind Kenntnisse aus dem Bereich der Drucktechnik unabdingbar. Das Kennenlernen von Methoden und Techniken zur Herstellung von Printprodukten ermöglicht die Reflektion der eigenen kreativen Entwürfe in Hinblick auf die Möglichkeiten ihrer technischen Realisation. Die Vermittlung drucktechnischer Grundlagen ist daher elementarer Bestandteil dieses Seminars. Das Erlernte wird anhand praktischer Übungen und durch die Bearbeitung von Aufgaben gefestigt.

Um einen kontinuierlichen Lernprozess zu ermöglichen und die Qualität unserer gemeinsamen Seminararbeit zu sichern, wird ein gewisses Maß an Selbstorganisation und Eigenverantwortung vorausgesetzt. Dazu gehören die regelmäßige Teilnahme, das eigenständige Nacharbeiten versäumter Inhalte sowie die verbindliche und fristgerechte Abgabe der Aufgaben.

Das Seminar ist nach PO24 zweisemestrig und beginnt immer im Wintersemester.
Es gibt daher auch im zweiten Semester vier Seminartermine für die KD-Studierenden:
Gruppe KD-Printtechnik A1: Montags, 09:00–12:00 Uhr.
Gruppe KD-Printtechnik A2: Montags, 13:00–16:00 Uhr.
Gruppe KD-Printtechnik B1: Donnerstags, 09:00–12:00 Uhr.
Gruppe KD-Printtechnik B2: Donnerstags, 13:00–16:00 Uhr.

Die Prüfung erfolgt nach dem zweiten Semester.

Für die Umsetzung eigener gestalterischer Ideen im Printbereich sind Kenntnisse aus dem Bereich der Drucktechnik unabdingbar. Das Kennenlernen von Methoden und Techniken zur Herstellung von Printprodukten ermöglicht die Reflektion der eigenen kreativen Entwürfe in Hinblick auf die Möglichkeiten ihrer technischen Realisation. Die Vermittlung drucktechnischer Grundlagen ist daher elementarer Bestandteil dieses Seminars. Das Erlernte wird anhand praktischer Übungen und durch die Bearbeitung von Aufgaben gefestigt.

Um einen kontinuierlichen Lernprozess zu ermöglichen und die Qualität unserer gemeinsamen Seminararbeit zu sichern, wird ein gewisses Maß an Selbstorganisation und Eigenverantwortung vorausgesetzt. Dazu gehören die regelmäßige Teilnahme, das eigenständige Nacharbeiten versäumter Inhalte sowie die verbindliche und fristgerechte Abgabe der Aufgaben.

Das Seminar ist nach PO24 zweisemestrig und beginnt immer im Wintersemester.
Es gibt daher auch im zweiten Semester vier Seminartermine für die KD-Studierenden:
Gruppe KD-Printtechnik A1: Montags, 09:00–12:00 Uhr.
Gruppe KD-Printtechnik A2: Montags, 13:00–16:00 Uhr.
Gruppe KD-Printtechnik B1: Donnerstags, 09:00–12:00 Uhr.
Gruppe KD-Printtechnik B2: Donnerstags, 13:00–16:00 Uhr.

Die Prüfung erfolgt nach dem zweiten Semester.

Für die Umsetzung eigener gestalterischer Ideen im Printbereich sind Kenntnisse aus dem Bereich der Drucktechnik unabdingbar. Das Kennenlernen von Methoden und Techniken zur Herstellung von Printprodukten ermöglicht die Reflektion der eigenen kreativen Entwürfe in Hinblick auf die Möglichkeiten ihrer technischen Realisation. Die Vermittlung drucktechnischer Grundlagen ist daher elementarer Bestandteil dieses Seminars. Das Erlernte wird anhand praktischer Übungen und durch die Bearbeitung von Aufgaben gefestigt.

Um einen kontinuierlichen Lernprozess zu ermöglichen und die Qualität unserer gemeinsamen Seminararbeit zu sichern, wird ein gewisses Maß an Selbstorganisation und Eigenverantwortung vorausgesetzt. Dazu gehören die regelmäßige Teilnahme, das eigenständige Nacharbeiten versäumter Inhalte sowie die verbindliche und fristgerechte Abgabe der Aufgaben.

Das Seminar ist nach PO24 zweisemestrig und beginnt immer im Wintersemester.
Es gibt daher auch im zweiten Semester vier Seminartermine für die KD-Studierenden:
Gruppe KD-Printtechnik A1: Montags, 09:00–12:00 Uhr.
Gruppe KD-Printtechnik A2: Montags, 13:00–16:00 Uhr.
Gruppe KD-Printtechnik B1: Donnerstags, 09:00–12:00 Uhr.
Gruppe KD-Printtechnik B2: Donnerstags, 13:00–16:00 Uhr.

Die Prüfung erfolgt nach dem zweiten Semester.

In dem Seminar lernt ihr zwei Durchdrucktechniken, Siebdruck und Risografie, kennen. Nach einer Einführung in die jeweilige Werkstatt und einer kurzen Theorieeinheit zur jeweiligen Drucktechnik erproben wir die Drucktechniken anhand eigener Projekte.

Neben den technischen Grundlagen geht es dabei vor allem um die gestalterische Auseinandersetzung mit den Möglichkeiten und Vorgaben der jeweiligen Technik. Ziel ist die Erstellung eines Drucks vom Entwurf, über die Druckvorstufe, bis zur Produktion.

Je nach Interessengebiet besteht im Anschluss die Möglichkeit, eine (oder beide) Techniken zu vertiefen, komplexere Projekte umzusetzen und um experimentelle Techniken zu erweitern.

Aufbauend auf den Inhalten des Kurses Pattern Cutting Basics vermittelt dieser Kurs weiterführende Ansätze der Schnittgestaltung und Schnittkonstruktion im Modedesign. Im Fokus stehen die Entwicklung grundlegender Schnittmodifikationen und deren fertigungstechnische Umsetzung, insbesondere im Hinblick auf verschiedene Jacken- und Oberteilformen.

Ein weiterer Schwerpunkt liegt auf der Vertiefung der Arbeit in der 3D-Simulationssoftware CLO3D, die als technisches Werkzeug zur Visualisierung von Schnittideen und Bekleidungstypen genutzt wird. Dabei werden analoge Schnitte digital übersetzt und aufbereitet, um sie dreidimensional darzustellen.

Der Kurs unterteilt sich in zwei Gruppen:
Mittwochs, 9–14 Uhr
Freitags, 9–14 Uhr

Typografie ist eine visuelle Sprache, die wie eine Fremdsprache unterrichtet und intuitiv und spielerisch erlernt wird. Im zweiten Semester erweitern die Studierenden das im ersten Semester erworbene Grundlagenwissen, indem sie ihr Verständnis für die Funktion und Wirkung von Typografie anhand von praktischen Layoutübungen und theoretischer Auseinandersetzung vertiefen. Die praktischen Übungen beinhalten z.B. die Gestaltung eines Plakats, eines Flyers und eines Zines. Ein intensives Studium von grundlegender Fachliteratur und Kurzreferate begleiten die praktische Arbeit. Die Seminarergebnisse werden in Form einer typografischen Gestaltungsmappe dokumentiert und zum Semesterende präsentiert und geprüft. Grundkenntnisse eines Layoutprogramms (z.B. InDesign) sind von Vorteil, werden aber nicht vorausgesetzt.

Typografie ist eine visuelle Sprache, die wie eine Fremdsprache unterrichtet und intuitiv und spielerisch erlernt wird. Im zweiten Semester erweitern die Studierenden das im ersten Semester erworbene Grundlagenwissen, indem sie ihr Verständnis für die Funktion und Wirkung von Typografie anhand von praktischen Layoutübungen und theoretischer Auseinandersetzung vertiefen. Die praktischen Übungen beinhalten z.B. die Gestaltung eines Plakats, eines Flyers und eines Zines. Ein intensives Studium von grundlegender Fachliteratur und Kurzreferate begleiten die praktische Arbeit. Die Seminarergebnisse werden in Form einer typografischen Gestaltungsmappe dokumentiert und zum Semesterende präsentiert und geprüft. Grundkenntnisse eines Layoutprogramms (z.B. InDesign) sind von Vorteil, werden aber nicht vorausgesetzt.

Dieser zweiteilige Kurs (beide Teile innerhalb des Sommersemesters) richtet sich an Einsteigerinnen und Einsteiger ohne typografische Grundkenntnisse aus den Studienrichtungen DMX, Fotografie und Bildmedien sowie Mode. Im Kurs ist Platz für maximal 18 Leute. Sollten Plätze frei bleiben, können auch Studierende aus der Studienrichtung Kommunikationsdesign berücksichtigt werden.

Typografie ist sichtbare Sprache. Sie bewegt sich im Spannungsfeld zwischen Tradition und Experiment. Die effiziente Informationsvermittlung mit typografischen Mitteln erfordert Kenntnisse über das Seh- und Leseverhalten und die Bedeutung und den schlüssigen Einsatz von Zeichen. Sie bilden die Grundlage für den bewussten und richtigen Umgang mit typografischem Material. Der Kurs bietet die Möglichkeit, sich mit diesen Grundlagen intensiv auseinanderzusetzen. Ziel ist die sinnvolle Anwendung typografischer Instrumente.

Im Mittelpunkt des ersten Teils stehen einfache und komplexe Übungen zu Form und Wirkung von Buchstaben, Wörtern, Zeilen und längeren Texten; zum Umgang mit typografischen Mitteln, zu Fachterminologie, Schriftgeschichte und Satzregeln, die die Grundlagen für den zweiten Teil des Kurses schaffen.

Im zweiten Teil wird eine komplexere Aufgabe selbstständig bearbeitet und durch Einzelberatungen, die kursöffentlich sind, begleitet. Es handelt sich um den Entwurf einer Miniausstattung an begleitenden Medien für eine fiktive oder reale Ausstellung.

Es wird erwartet, dass die Studierenden neben der praktischen Tätigkeit intensiv lesen.

Für die Teilnahme am Kurs sind Kenntnisse in Gestaltungslehre erforderlich, Grundkenntnisse von Gestaltungssoftware (Adobe InDesign, Affinity Publisher) sind hilfreich. Ausdauer, Disziplin, Genauigkeit und ein dickes Fell können nicht schaden. Die Prüfung besteht aus der Vorlage der im Semester entstandenen Arbeiten mit Kolloquium.

Für die Absolvierung von Teil 1 oder Teil 2: Teil-Praxisschein (3 CP).

Für beide Teile: vollwertige Modulprüfung.

For international students: If requested, this seminar will be held bilingually in English/German.

All written seminar information is always in English and almost all recommended learning material is in English as well. Unless the majority of attendees calls for English as the main teaching language, everything will mostly be explained in German though, followed by English recaps of the most important sections.

Subject of this course is the deep foundational introduction to video production and postproduction for beginners and slightly advanced students using professional hardware, software and workflows in theory and practice.

Dieses Technik- Seminar richtet sich an alle Studierenden am Fachbereich Gestaltung ab Level 2, die einen fundierten Einstieg in die souveräne Nutzung moderner Kameras, Tontechnik und Software zur Postproduktion bekommen wollen. Dabei spielt es keine Rolle, ob ihr ganz am Anfang steht, oder schon etwas Wissen mitbringt, ob ihr euch für Hochglanz- Werbeclips, Musikvideos, Reportagen, Live- Video oder Medienkunst und Installationen interessiert. Ihr werdet in einem Semester mit viel Input aus Theorie und Praxis den Umgang mit professionellen Kameras, Mikrofonen, Audiorecordern, diversen Kabeltypen, Signalkonvertern und umfangreichem Zubehör aus dem Leihbestand des Fachbereichs kennenlernen und dabei schließlich auch eure eigenen „Videodevices“ souveräner nutzen können.

In der zweiten Hälfte des Kurses geht es in die Postproduktion. In mehreren Sitzungen bekommt ihr eine praxisnahe Einführung in DaVinci Resolve, Final Cut Pro und Premiere Pro. Darüber hinaus wird es um Formate, Codecs, Dateiorganisations- und Sicherungsstrategien, Exporteinstellungen und um die Entschlüsselung kryptischer Fachbegriffe gehen. Am Ende des Seminars sollt ihr in der Lage sein, möglichst schnell und sicher sinnvolle Einstellungen für eure Projekte in Hard- und Software zu setzen, um euch voll und ganz auf die Gestaltung eurer Werke konzentrieren zu können.

In diesem Grundlagenmodul baut Ihr eine Website und durchlauft dabei den ganzen Umsetzungsprozess.

Mit einer Software richten wir eine Entwicklungsumgebung ein und legen erste Dateien mit Hypertext Markup Language (HTML), Cascading Style Sheets (CSS) und JavaScript (JS) an.

Dabei übt Ihr, den Code zu formatieren und zu pflegen und wie Ihr eine Website für verschiedene Endgeräte optimiert. Danach lernt Ihr die nötige Infrastruktur kennen, um Eure Website zu veröffentlichen.

Ihr arbeitet mit unterstützender Betreuung an Eurem eigenen Projekt und lernt dadurch, die Website eigenständig zu gestalten, aber auch, welcher technische Unterbau nötig ist, um Website-Projekte als Kommunikationsdesigner:in versiert betreuen zu können.

INHALTE
– Einrichtung einer lokalen Entwicklungsumgebung mit Text-Editor, FTP-Client (File-Transfer-Protocol).
– Einführung in die Entwicklungswerkzeuge von Browsern.
– Einführung in die Verwendung der Frontend-Technologien HTML, CSS und JS und ihre Kombination.
– Grundlagen in der Gestaltung von Web Interfaces und die Optimierung für diverse Endgeräte (Responsive Webdesign).
– Behandlung von KI-Werkzeugen und ihrer Integration in den Entwicklungsprozess.
– Veröffentlichung von Websites via Hosting und Domain.

ERSTER TERMIN
Wir sehen uns bereits in der zweiten Semesterwoche: Mi 15.4. um 14:00 Uhr, Raum 118.

In diesem für alle KD-Studierenden in Level 1 verpflichtenden Grundlagenkurs werden über zeichnerische Darstellungstechniken hinaus vor allem grundlegende Zusammenhänge zwischen Bild und Sprache, Stil und Mittel, Form und Inhalt, sowie Kunst und Gestaltung vermittelt. Durch kleine praktisch-experimentelle Zeichenübungen und entsprechenden Lehreinheiten wird Woche für Woche kontinuierlich weiter gearbeitet. Am Ende des Semesters werden die Ergebnisse aller zeichnerischen Übungen in Einzelprüfungen präsentiert und diskutiert.

KD-Grundlagen Gruppe A

Donnerstags 9:00–13:00 Uhr in Raum 119

In diesem Seminar erarbeiten wir die Grundlagen von TouchDesigner praxisnah und projektorientiert. Mit Hilfe der TouchDesigner Fundamentals the 100 series schauen wir uns alle Grundlagen an und erarbeiten kleine Beispiele zu jedem Thema.

In diesem interdisziplinären Gestaltungsmodul werden Kenntnisse zu Konzeption, Interface Design und Umsetzung von Mobile Apps ausgebaut. Ergänzt durch ein AI-Feature und eine werbliche Darstellung des Projekts.

THEMA
Es geht in diesem Projekt darum, Austausch zu fördern und Menschen zu connecten. Also einen attraktiven und sicheren digitalen Raum für Meinungsfreiheit und die gemeinsamen Interessen einer selbst gewählten Community zu gestalten.

VORGEHEN
Phase 1: Wir starten mit Ideenfindung, Feldrecherche zu passendem App Design und werden den gemeinsamen analytischen Austausch im ganzen Seminar beibehalten.
Phase 2: Die App wird schrittweise erarbeitet: mit Ideenfindung, User Research, Konzeption, Moodboards, Designrecherche und prototypischer Umsetzung der wichtigsten Features in Figma. Gegen Ende des Seminars werden einfache User Tests geübt.
Phase 3: Zur App gehört ein Feature, das die Möglichkeiten von Generativer AI, bzw. Sprachmodellen sinnvoll und ethisch einsetzt.
Phase 4: Das App-Projekt wird ergänzt durch Digital Advertising: eine Landingpage, welche die App attraktiv und zielgruppengerecht bewirbt.

EXKURSION
Wir machen eine Tagesexkursion zu Agenturen für Digital Design in NRW.

ERGEBNIS
Ein ideenstarkes, durchdetailliertes Interface Design Projekt, prototypisch mit Figma umgesetzt. Ergänzt durch eine bewerbende Landingpage.

EMPFOHLENE ERGÄNZUNG
Ich empfehle, den Figma Workshop bei Sophie Kapteina zur Hälfte, oder komplett zu belegen.

VORAUSSETZUNGEN
Grundlagen Interaction Design.
Interessierte aus anderen Studienrichtungen: Bitte melden für ein kurzes Vorgespräch zu den Kenntnissen.

BITTE ANMELDEN: forms.gle/5pPHrLRR2bZAZgEt8

In diesem großen Gestaltungsmodul steht Interface Design im Fokus, jedoch nicht für Displays der langjährigen Mainstream Medien Website und Mobile App, sondern für aktuelle Formen: Interfaces auf Dingen und Flächen in unseren Lebensräumen, in Fahrzeugen und in Smart Glasses. Zum Beispiel Projektionen oder Leuchtanzeigen mit minimalistischen Remindern, Infos, Markierungen und Signalen, die in unseren Lebensräumen erscheinen. Oder unterstützende sichtbare und hörbare Infos in unseren smarten Brillen.

THEMA
Ihr gestaltet Interface Design Projekte, die unser alltägliches soziales Leben mit neuen Medienformen verbessern. Neben einem neugierigen, experimentellen Herangehen wird in diesem Seminar Wert auf Freude am gestalterischen, typografischen Detail gelegt.

VORGEHEN / META RAY BAN
Wir sehen uns zu Beginn neue Produkte und Projekte an und analysieren sie mit klassischen Kriterien für Experience Design und Interface Design. Ihr arbeitet im Seminar auch Hands-on mit den Smart Glasses Meta Ray Ban (Gen. 2) und wir untersuchen konzeptionell die Version »Meta Ray Ban Display« (Gen. 3) und ihre Gesten (Neural Band).

KOOPERATION / EXKURSION
Unser Seminar kooperiert zudem mit dem Unternehmen Miele: Es gibt einen Impulsvortrag zu Interface-Innovationen von Daniel Carsten (Dep. für Innovation und Smart Home). Und wir besuchen das UX und UI Department (Design Center) von Miele.

ERGEBNIS
Ein Gestaltungsprojekt für neue Medienformen mit ideenstarker Konzeption und punktuell ausdetailliertem Interface Design. Dargestellt als Präsentation mit Videosequenzen, idealerweise aber als Präsentation und Show Case Video (max. 2 Min.).

EMPFOHLENE ERGÄNZUNG
Als Ergänzung bitte ich, das halbe Motion-Design-Seminar bei Låif Kardelke zu belegen (Umfang: 2 SWS). Wer bereits After Effects Skills hat, bitte melden für eine andere hilfreiche Kombination.

VORAUSSETZUNGEN
Grundlagen Interaction Design.

BITTE ANMELDEN: forms.gle/42zeoMCiEymFxBr78

Ab und zu, hin und immer wieder wird in der Mode erkennbar auf vergangene Epochen zurückgegriffen. Historismus ist ein wiederkehrendes Phänomen der Stilgeschichte und einepopuläre eklektische Designstrategie. Die Mode scheint ein »Supermarket of Style« (Ted Polhemus (1996) zu sein – ein offenes Archiv an Formen, Silhouetten und Stilelementen, die darauf warten, neu gelesen und transformiert zu werden.

Ausgangspunkt der Recherche in diesem Entwurfsprojekt sind Stilfragmente historischer Silhouetten: Bruchstücke, Ausschnitte oder isolierte Details, die aus ihrem ursprünglichen Kontext gelöst und als eigenständige gestalterische Impulse untersucht werden. Das Fragment steht dabei für produktive Unvollständigkeit. Historische „Breaks“ der Kostümgeschichte sollen analog zu musikalischen Breaks neu montiert und aktualisiert in Kollektionskonzepte überführt werden.

Der Rückgriff in die Stilgeschichte nicht als rückwärtsgewandte Nostalgie, sondern als kreative Ressource. Innovation soll dabei nicht durch das originalgetreue Zitieren entstehen, sondern durch Encounter mit contemporary dressing in Form, Materialwahl, Konstruktion, Proportion, Verarbeitung und Komposition.

Ziel des Projekts ist die Entwicklung eines eigenständigen Kollektionskonzeptes auf der Grundlage der Auseinandersetzung mit historischen Stilfragmenten und aktuellen Stil- und Kleiderpraktiken. Die Entwurfskonzeption umfasst dabei sowohl die Recherche historischer Bekleidungsteile in Form, Fertigung und Funktion als auch die Auseinandersetzung mit Zeitgeist und der Untersuchung aktueller Styles, Materialien und Phänomene.

Im Projekt ist mindestens eine Exkursion zur Konzept-, Stil- und Materialrecherche nach Berlin geplant.

Outcome:
• Kollektionsentwicklung und Illustration von mind. 10 Silhouetten
• Realisation von mind. zwei ausgewählten Silhouetten

Bei Intersse gerne schon vorab melden: schreiber@udk-berlin.de

Dieses Seminar greift das Prinzip des Zirkeltrainings aus dem Sport auf und überträgt es auf künstlerische Prozesse. Im Mittelpunkt steht nicht körperliche Kondition, sondern die Stärkung kreativer Fähigkeiten und der Wahrnehmung. Die Teilnehmenden durchlaufen verschiedene Stationen, an denen unterschiedliche Techniken und Herangehensweisen erprobt werden: von experimentellen Materialstudien über Metall- und Holzverarbeitung, 3D-Druck und textile Gestaltung bis hin zu freiem Arbeiten in Material-Mischformen.

Neben dem praktischen Erlernen von künstlerischen und handwerklichen Techniken richtet sich der Blick auf den künstlerischen Prozess selbst: Wie beginne ich? Woher kommen Ideen? Welche Rolle spielen Material, Zufall, Zweifel oder das Ungewisse? Wann ist ein Werk „fertig“ und wie lässt es sich überzeugend präsentieren?

Kurze theoretische Inputs und künstlerische Positionen begleiten die Praxis. Dabei wird auch das Konzept des „Fit-Seins“ im künstlerischen wie im gesellschaftlichen Kontext reflektiert und kritisch befragt.

Interdisziplinäre Arbeit in der Kunst bedeutet die disziplinübergreifende Umsetzung von Ideen ohne Einschränkung auf bestimmte Medien. Jedes Vorhaben entwickelt sich frei und geht Wagnisse ein. Spannend sind die Bereiche, welche die eigene „Kompetenz“ überschreiten und die Scha!enden auf neue Wege führen. Hierbei beginnt ein Neu-Lernen oder auch ein Vernetzen. In diesem Kontext sind das Eingehen künstlerischer Allianzen, das Ausprobieren von Kooperationen, die Entdeckung unbekannter Materialien, das Ziehen von Querverbindungen zwischen den Disziplinen sowie ein hohes Maß an Neugierde vermutlich die wichtigsten Fundamente. „Try Again. Fail Again. Fail Better.“ - so formuliert es Samuel Beckett.

In diesem Seminar werden die nähere Umgebung, künstlerische Impulse und die individuellen Interessensgebiete der Studierenden erkundet. Der Fokus liegt auf dem eigenen, freien und praktischen künstlerischen Prozess. In Form von Rechercheaufgaben werden zusätzlich die Positionen zeitgenössischer Architekt:innen, Designer:innen, Fotograf:innen, Künstler:innen und Künstler:innenkollektive betrachtet und diskutiert.

Ausgehend von traditionellen analogen Entwurfs- und Darstellungsmethoden (Zeichnung, Malerei, Collage, Objekt und Modell) nähern sich die TeilnehmerInnen unbekannten Gestaltungsmitteln und erforschen mit experimentellen Ansätzen spezifische mediale, zeitbasierte Ausdrucksmöglichkeiten (Animation, Videomontage, mediale Rauminszenierung mit Projection Mapping).

Im Zentrum der Aufmerksamkeit steht bei allen Aufgaben der Atelierraum als Objekt und gestaltbares Volumen. Mit Methoden des künstlerischen Mappings und der Performance wird die unmittelbare Umgebung ästhetisch erkundet und dabei die eigenen Wahrnehmungskapazitäten im Spannungsfeld von Körper und Raum geschärft.

Inspiriert vom Zitat Coco Chanels – „Fashion fades, only style remains the same“ – steht im Seminar die Auseinandersetzung mit den eigenen stilistischen Vorlieben im Mittelpunkt.

Im Sinne von Coco Chanels Gedanken, dass Mode vergeht, während Stil bleibt, richtet sich der Blick auf Dynamik und Beständigkeit gestalterischer Prozesse: Stil wird dabei nicht nur als äußere Erscheinung verstanden, sondern als persönliche Haltung, die sich über konkrete gestalterische Aspekte vermittelt.

Die Reflexion eigener Präferenzen ist daher ein zentraler Bestandteil des Entwurfsprozesses im Seminar. Sie schärft die eigene Design-Identität, unterstützt nachvollziehbare Entscheidungen, fördert eine konsistente visuelle Sprache und ermöglicht die sichere Positionierung der eigenen Arbeit im professionellen Kontext.

Dazu werden praktisch unterschiedliche stilistische Positionen aus verschiedenen Phasen und Kontexten der Mode untersucht. Im Fokus stehen diverse gestalterische und formale Strategien sowie deren Wirkung. Ziel ist es, unterschiedliche Designansätze zu verstehen und bevorzugte Referenzen individuell weiterzuentwickeln.

Ein zusätzlicher Seminarschwerpunkt liegt auf der experimentellen Erforschung von Materialität. Materialien werden als aktive Entwurfsfaktoren verstanden, die Wahrnehmung, Form und Ausdruck prägen. Neben klassischen textilen Werkstoffen ist ausdrücklich auch die Arbeit mit unkonventionellen Materialien vorgesehen, um neue ästhetische und inhaltliche Möglichkeiten zu erschließen. Materialien können auch bearbeitet, transformiert oder im Experiment selbst entwickelt werden.

Bereits vorhandene Kenntnisse - etwa in Drapierung, Schnitt oder Detailarbeit - werden aktiv einbezogen und weiterentwickelt. Als Kursergebnis entsteht eine kleine Kollektion (1-2 Outfits gefertigt), die stilistisches Konzept, Form und Material zu einem stimmigen modischen Gesamtbild verbindet und eine klar erkennbare gestalterische Handschrift zeigt.

Im Kurs wird das Verständnis für klassische und experimentelle analoge Schnittgestaltungstechniken und das Erlernen kreativer Fertigungs- und Verarbeitungslösungen anhand von Sakkogrundformen vertieft.

Ein Schwerpunkt liegt auf dem analogen Erfassen komplexerer Sakkoschnitte über die Passformanalyse und der schnittgestalterischen Ausarbeitung verschiedener Sakkodetails, wie Revers- und Kragenvarianten anhand von Designer*innen Beispielen aus der aktuellen Mode.

Besonders aber auch das Fitting am Körper und die Übertragung von Passformveränderungen in die Schnittgestaltung, sowie die Fertigung und Verarbeitung typischer Sakkodetails und Futterverarbeitungen sind Teil des Kurses.

Im Kurs wird das Verständnis für verschiedene Schnittgestaltungstechniken vertieft und um innovative Fertigungs- und Verarbeitungslösungen erweitert. Ein besonderes Augenmerk liegt auf der detaillierten Analyse und Anpassung von Schnittkonstruktionen im Hinblick auf Passform, Proportion und Materialverhalten. Ein besonderer Fokus liegt auf materialgerechten Verarbeitungstechniken für Jersey im Bereich Sportswear sowie auf dem professionellen Einsatz entsprechender Maschinen. Ergänzend wird der Umgang mit der 3D-Simulationssoftware CLO3D vertieft und, aufbauend auf die Einführung, das Erstellen von Detaillösungen, Prints und Schnittmodifikationen erlernt.

Die Beschreibung der Veranstaltung folgt.

Am 18.5. abends hält Cecilia einen Vortrag. Da er in die Workshop-Thematik einleitet, ist die Teilnahme verpflichtend für die Teilnehmer:innen des Workshops..

Die Workshopleiterin:
Cecilia Martín (she/her) is an Arts and Culture Brand Strategist and Founder of Culture Connects (CC). With over 20 years of experience, she helps cultural organisations connect with audiences in innovative and purposeful ways. Her work spans orchestras, museums, and cultural institutions worldwide, always championing creativity, digital culture, technology, and the power of voice. Cecilia has been part of transformative brand strategies and campaigns for institutions such as the Art Fund – Art Assembly, National Museum of World Cultures, Geneva Museum of Ethnography, Museumvereniging, International Institute of Asian Studies, osloBIENNALEN, Wiener Konzerthaus, Philadelphia Museum of Art, LAS Art Foundation, King’s College Cultural Institute, British Council Creative Economy, CulturAL, Guggenheim UBS MAP Global Art Initiative, Berlin Philharmoniker, and Philharmonie Luxembourg, among many others.

Cecilia regularly teaches branding and audience engagement at universities, including the Royal College of Art, Central Saint Martins, University of Barcelona – IL3, and ICOM. A bold thinker and inspiring facilitator, she is a frequent innovation speaker and leads workshops at international forums such as VLOW!, Design Indaba, Sónar+D, CXI, Transform, Museum Forward, and Communicating the Arts. She is also the author of pioneering audience research, including “Millennials: The Driving Force of Innovation” and “#Staysocial @Museums.”

Donnerstags von 14-18 Uhr sind die Buchbinderei, die Bleisatzwerkstatt und die analogen Druckwerkstätten im Keller für Euch geöffnet. Es gibt ein wöchentlich wechselndes Programm, bei welchem ihr unterschiedliche Buchbinde- und Drucktechniken unter Anleitung erlernen könnt. Während in der einen Werkstatt ein angeleitetes Programm stattfindet, kann in den jeweils anderen Werkstätten frei gearbeitet werden.

Die Themen der einzelnen Termine findet ihr als Aushang an der Tür der Buchbinderei und den offenen Druckwerkstätten.

WICHTIG: Um in den Werkstätten arbeiten zu dürfen, ist die Teilnahme am ersten Termin (23.4., 14 Uhr) zwingend erforderlich, da hier die Sicherheitseinweisung in die Werkstätten erfolgt!

Nutzt den offenen Donnerstag gerne auch zur frühzeitigen Beratung Euerer Semesterprojekte und für die Dummyproduktion! Das Team der Buchbinderei und der Druckwerkstätten freut sich auf ein produktives und inspirierendes Semester mit Euch!

Die offene Modewerkstatt bietet Raum für Hilfestellungen bei Fragen zur schnittgestalterischen Umsetzung und Fertigung von Gestaltungsprojekten.
Darüber hinaus können in der offenen Werkstatt Aufgabenstellungen der Technikkurse vertieft und angewandt werden.

Zur Teilnahme hängen Listen am Werkstatteingang aus

Tech Packs (Technical Packages) sind ein zentrales Arbeitsinstrument im Modedesign und bilden die Grundlage für eine professionelle Kommunikation zwischen Designer*innen und Produzent*innen. Sie dienen dazu, gestalterische Entwürfe präzise zu dokumentieren und für die Produktion eindeutig nachvollziehbar zu machen.

Gerade für Praktika und den Berufseinstieg im Modedesign sind fundierte Kenntnisse in der Tech-Pack-Erstellung essenziell, da sie in vielen Labels und Mode-Unternehmen als grundlegende fachliche Kompetenz vorausgesetzt werden.

Der Workshop vermittelt die Grundlagen der Tech-Pack-Erstellung und zeigt, welche Bestandteile ein vollständiges Tech Pack enthalten muss sowie wie es strukturiert wird, damit Hersteller*innen die Designs exakt umsetzen können.

Der Workshop wird von der Modedesignerin Maike Lüer geleitet, die unter anderem für Labels wie GmbH und Michalsky tätig war. Weitere Informationen zu Ablauf, Terminen und organisatorischen Details folgen in Kürze.

Auch in diesem Semester gibt es ein offenes Angebot zum Aktzeichnen in entspannter Runde, bei dem alle Studierenden herzlich willkommen sind. Großformatige Blätter werden gestellt (solange der Vorrat reicht), weitere Materialien bitte selbst mitbringen. Es gibt ein paar Staffeleien und Zeichenbretter die genutzt werden können. Wir zeichnen männliche und weibliche Modelle im Wechsel. Jeweils auf der Hälfte der Einheit machen wir eine kleine Pause und können uns über die entstandenen Zeichnungen austauschen. Ich werde wie gewohnt ein wenig rumgehen und euch mit ein ein paar Ideen und Anregungen zu euren Arbeiten begleiten. Eigene Vorschläge für Posen/Requisiten Licht/Hintergrundmusik/ neue Modelle sind immer willkommen.

Die Raumnummer und das Datum des ersten Termins wird noch bekannt gegeben.

Bitte meldet euch an unter:
henry.schaper@hsbi.de

Die Offene 3D-Druckwerkstatt bietet Studierenden die Möglichkeit, eigene Projekte im Bereich 3D-Druck (FDM und Resin) umzusetzen und weiterzuentwickeln. Ob erste Experimente, konkrete Bauteile oder komplexere gestalterische Vorhaben – hier können Entwürfe besprochen, Druckdaten geprüft und praktische Fragen zur Umsetzung geklärt werden.

Vor Ort stehen die SHKs Thilo Wolf oder Jana Schlinke sowie der Werkstattleiter Jürgen Berger für Beratung, technische Unterstützung und Austausch zur Verfügung. Die Werkstatt versteht sich als offener Arbeits- und Lernraum, in dem Wissen geteilt und Projekte gemeinsam weitergedacht werden.

Voraussetzung ist eine grundlegende Vorbereitung des eigenen Projekts (z.B. 3D-Modell oder Skizze).

Im Seminar „Die Zukunft von gestern“ beschäftigen wir uns mit den Mitteln des künstlerischen Animationsfilms sowie mit Animation im virtuellen Raum (VR) und raumgreifenden Ausstellungsformaten, die mit den Mitteln der Animation visualisiert werden. Im Zentrum steht dabei das Thema der Remilitarisierung.

In Kooperation mit der Soziologin und Expertin für die Rochedale Barracks, Dr. Kerstin Große-Wöhrmann, untersuchen wir die gesellschaftlichen, politischen und räumlichen Dimensionen des Areals. Die Rochedale Barracks sind eine derzeit leerstehende militärische Liegenschaft, die ursprünglich in sozialen und ökologischen Wohnraum umgestaltet werden sollte. Aktuell wird jedoch erneut eine militärische Nutzung – etwa für Musterungen – diskutiert. Ausgehend von dieser Situation entwickeln wir eigene gestalterische und künstlerische Positionen.

Ziel ist es, das Thema sowohl inhaltlich zu recherchieren als auch ästhetisch zu reflektieren und in animierten Arbeiten zu verarbeiten. Die Arbeit kann im Wiintersemester fortgeführt werden und mündet perspektivisch in eine Ausstellung/Screening.

Der Schwerpunkt des Seminars liegt auf Recherche und vorbereitenden künstlerischen Maßnahmen. Studierende aller Studienrichtungen sind willkommen. Die Grundprinzipien der Animation werden aufgefrischt und im Kontext neuer Technologien – z.B. VR – experimentell weiterentwickelt. Darüber hinaus besuchen wir das European Media Art Festival in Osnabrück um Einblicke in aktuelle künstlerische Positionen zur Medienkunst und experimentellen Filmformen zu gewinnen.

Blockseminar an 7 Terminen/Semester:
montags, 14.30 bis 20:00 Uhr
Termine werden noch bekannt gebenen!

Das Portfolioseminar richtet sich an alle Studierenden aus Kommunikationsdesign, die unter der Prüfungsordnung 2019 studieren. Es unterstützt Euch bei der Konzeption und Gestaltung der Bewerbungsunterlagen für das Pflichtpraktikum und die spätere Designarbeit.

ARBEITSWEISE
Gemeinsam schauen wir auf Portfolio Websites, PDFs, Figma-Mockups und CVs und arbeiten daran, Inhalte klar, gestalterisch überzeugend und realistisch für den späteren Berufseinstieg aufzubereiten. Zuerst gemeinsam später auch gerne im 1:1. Ein wichtiger Teil des Seminars ist Feedback zu Web Design, Qualität bei Layout und Typografie, Auswahl der Projekte und zur Wirkung von Selbstbeschreibungen und Networking Accounts. Es wird wieder einen Workshop für Reprofotografie geben: In zwei Sessions werdet Ihr lernen, Eure analogen und digitalen Arbeiten zu inszenieren und professionell zu fotografieren.

THEMEN
Ihr arbeitet an: Bildauswahl, typografische Detailarbeit, mediengerechtes Layout, Blickführung, Icon Design, Mockups für analoge und digitale Projekte, fotografische Inszenierung von Projekten, Analyse von Web Design Details. Blickführung im CV-Layout, Scanbarkeit, aktive Sprache, Erinnerbarkeit, Darstellung der eigenen Person und Design-Persönlichkeit, eingängige Projektinfos, aktivierende Anschreiben.

BÜRO PASCHETAG
Der Kurs wird von Büro Paschetag, einem externen Designstudio, begleitet, das Einblicke in die Praxis und den Bewerbungsprozess gibt und die Arbeiten mit professionellem Blick von außen mit Euch bespricht.

ANMELDUNG
forms.gle/uK7kRAkNX1xxGhGJ7

Im Rahmen des Kurses beschäftigen wir uns mit der Präsentation deiner Arbeiten auf verschiedenen Kanälen: Wie unterscheiden sich Website und ein statisches PDF – und wie verbinden wir sie sinnvoll miteinander, sodass wir das meiste rausholen?

Auf den Grundlagen in Grafikdesign, Typografie und Layout aufbauend, entwickeln wir dein persönliches Branding, das deinen Arbeiten einen passenden Rahmen verleiht und für Konsistenz über alle Kanäle hinweg sorgt. Dafür schärfen wir unseren Blick auf stilistische, inhaltliche und strukturelle Elemente und übertragen diese in eine sinnvolle Website-Struktur und die entsprechende Aufbereitung deine Projekte.

Im zweitägigen Block Mitte Juni finalisieren wir gemeinsam deine Portfolio-Website und erstellen passend dazu ein PDF, das als Teaser Einblicke in die überzeugendsten Arbeiten zeigt.

Am Ende des Kurses veröffentlichst du dein eigenes, digitales Portfolio online und weißt, wie du auch künftige Arbeiten richtig aufbereitest und präsentierst, um als Freelancer:in, bei Bewerbungen oder Open Calls zu überzeugen.

Info: Keine Vorkenntnisse zu Websites oder Programmieren nötig, da wir mit No- bzw. Low-Code-Systemen arbeiten (WordPress oder Cargo).

Termine:
29.4. / 6.5. / 13.5. / 27.5. / 24.6. (14–17 Uhr)
12. + 13.6. (10–16 Uhr)

Prüfung:
8.7. (14–17 Uhr)

Figma ist ein kollaboratives Interface Design Tool, das ermöglicht, Interfaces für Websites, Mobile Apps, AR und VR-Apps effizient zu gestalten und prototypisch umzusetzen.

INHALTE
Im Seminar wird das eigene (echte oder erst mal fiktive) Portfolio konzipiert, gestaltet und als interaktiver Prototyp umgesetzt. Dabei wird auf den Grundlagen aus dem Grundlagenseminar Interaction Design aufgebaut. In kleinen Schritten werden diese Kenntnisse durch effiziente Arbeitsweisen und eine vertiefende Auseinandersetzung mit Figma ergänzt, sodass ein selbstbewusster Umgang mit dem Tool erreicht wird.

ERGEBNIS
Es wird eine Website für die typischen Devices Laptop (Desktop) und Smartphone (Mobile) prototypisch umgesetzt wird, um
– Interface Design (UI)
– Experience Design (UX, Nutzungserlebnis)
– und Usability
demonstrieren und testen zu können.

ZOOM
Der Workshop wird nur per Zoom gehalten, so dass er flexibler zugänglich ist für alle Interessierten. Bitte für gute Arbeitsumgebung sorgen, ein zweiter Monitor ist empfehlenswert. Die feste Zoom ID wird in der Vorbesprechung genannt.

Veranstaltungsinfos:
In diesem 2-tägigen Workshop-Format wechseln sich Vortrag und Übung ab: Wir schauen wir uns an, welche Skills und Fähigkeiten in der Berufswelt heute gebraucht werden und wie jede:r einzelne sich dementsprechend präsentieren kann. Wir üben zum Beispiel klassische Kommunikationssituationen im Bewerbungsprozess und welche No-Gos es gibt. – Die Studierenden lernen letztendlich, wie sie sich so präsentieren können, dass sie nach Abschluss des Studiums einen spannenden Job finden. Der Weg dorthin führt eben nicht nur über die Erstellung klassischer Unterlagen (CV + PDF) oder einer eigenen Website. Zunächst sollte geklärt werden, ob nicht durch Unterscheidung (von der Menge der Mitbewerber:innen), durch Individualität, Klarheit und Authentizität die Chance beträchtlich steigt, am richtigen Ort zu landen. Darüber hinaus gehört natürlich zu einer erfolgreichen Bewerbung eine professionelle Selbstdarstellung – Handwerkszeug, das im Seminar gemeinsam betrachtet wird.

Teilnahmevoraussetzung:
Die Veranstaltung ist begrenzt auf 20 Teilnehmer/innen aus dem BA (2./3. Level) und MA. Der Workshop findet in Präsenz statt. Um eine intensive Betreuung gewährleisten zu können, bitte ich um eine Voranmeldung für den Workshop per Mail: Bitte schicken Sie bis Fr 10. April eine kurze Biografie, Ihren beruflichen Focus/Wunsch und ein eigenes Lieblingsprojekt als Mini-PDF an: contact@ulrikemeyer.com. – Die Teilnahme an diesem Workshop kann mit 1 bis 2 CP kreditiert werden.

Dozentin:
Ulrike Meyer ist Designerin, Personalberaterin und Karriere-Coach. Mit ihrer Agentur „Connecting Talents“ in Berlin vermittelt sie seit über 20 Jahren zwischen DesignerInnen und Unternehmen. Darüber hinaus lehrt sie an verschiedenen Hochschulen zu Portfolio und Bewerbung und bringt ihre Erfahrungen aus Beratung, Netzwerk und Arbeitsmarkt in den Workshop ein. Siehe auch: www.ulrikemeyer.com

1. Termin: Freitag, 24.04.2026, 10–16:30 Uhr
2. Termin: Freitag, 08.05.2026, 10–16:30 Uhr

Im Rahmen der Offenen Werkstatt reFINE besteht die Möglichkeit, individuelle Fragen zur Designentwicklung und zur Realisation von Outfits zu besprechen und den Entwurfsprozess kontinuierlich und praxisnah zu begleiten.

Im Mittelpunkt stehen die Vervollständigung von Entwürfen zu präsentierfähigen Looks sowie die Entwicklung eines relevanten Stylings für die fotografische Inszenierung der Entwürfe. Dabei geht es nicht nur um handwerkliche Umsetzung, sondern auch um gestalterische Klarheit, Aussagekraft und ein sich stimmig ergänzendes Gesamtbild.

Das Angebot richtet sich insbesondere an Studierende des Kurses STYLEremains, ist aber grundsätzlich offen für alle, die an der Finalisierung und Präsentation ihrer Projekte im Bereich Modedesign arbeiten möchten.

Der Workshop vermittelt Grundlagen und weiterführende Ansätze im Bereich Accessory-Design. Im Mittelpunkt stehen Entwurfsprozesse, Materialrecherche, Formentwicklung sowie die gestalterische Ausarbeitung von Accessoires im Kontext von Modekollektionen. Die Teilnehmenden entwickeln eigene Konzepte und setzen diese prototypisch um.

Der Workshop wird von der Modedesignerin Leonie Barth geleitet, die unter anderem im Accessory-Design für Labels wie COS und GmbH tätig war. Weitere Informationen zu Ablauf, Terminen und organisatorischen Details folgen in Kürze.

In diesem Workshop-Format geht es um eine Einführung ins Typedesign. Ausgehend von gefundenen Inspirationen gestalten die Teilnehmer*innen Display-Fonts mit einem überschaubaren Zeichensatz.

Zu den Inhalten gehört das konzeptionelle Aufsetzen eines Fontprojekts, das Ausloten des Designspaces durch Variation von Schriftparametern sowie das handwerklich saubere Zeichnen von interpolationsfähigen Kurven.

Zum Abschluss gestalten die Studierenden ein Plakat mit ihrem selbstentwickelten Font.

Das Angebot findet überwiegend online statt mit einigen wenigen Terminen in Präsenz und richtet sich an Studierende aus dem Bereich KD ab Level 2.

Zeit: mittwochs 14:00 bis 15:30
Ort: online, Raum bei Präsenz n. N.