Die Teilnehmer:innen stehen bereits fest.

Im Rahmen dieses zweiwöchentlich stattfindenden Kolloquiums werden die Konzeption und Entwicklung der BA-Abschlussarbeit behandelt.

Der erste Termin findet statt am 29. September 2026 um 14:00 Uhr in Raum 114.

Termine:
29.09. R 114 (14:00-15:30) | 13.10. R 114 (13:30-15:00) | 27.10. R 114 (13:30-15:00) | 10.11. R 114 (13:30-15:00) | 24.11. R 114 (13:30-15:00) | 08.12. R 114 (13:30-15:00) | 22.12. R 114 (13:30-15:00) | 05.01. R 114 (13:30-15:00) | 19.01. R 114 (13:30-15:00) | 26.01. R 114 (13:30-15:00)

Diskurs im Plenum über die gestalterische und konzeptionelle Weiterentwicklung der Abschlussarbeiten: recherchieren, fotografieren, reflektieren, editieren, präsentieren, argumentieren. Die Veranstaltung findet alle 14 Tage statt.

Work in Progress

Die Kolloquien unterstützen die kontinuierliche Entwicklung Eures Bachelor-Projekts und bieten Raum für Austausch und Feedback.

THEMA
Euer Abschlussprojekt sollte aus diesen Bereichen sein:
Kommunikationsdesign, Interface Design, Interaction Design und Experience Design für interaktive Medien, AI-enhanced Design.

Gestaltungsmedium kann sein:
Website und App, Intelligente vernetzte Objekte und Räume, Immersive Medien (AR, VR und alles dazwischen = XR), Voice Interaction und Chatbots, Interactive Advertising, künstlerische und experimentelle Projekte mit interaktiven Anteilen, interdisziplinäre Projekte.

ARBEITSWEISE
Gemeinsame Diskussion der Zwischenstände, Einzelgespräche, Prototyping-Workshops, Peer Teaching, Agentur-Exkursion und Design-Konferenzen. Ihr konkretisiert Idee und Konzeption, schärft die Forschungsfrage, richtet Eure Recherche und Evaluation aus, verfeinert den Schreibstil der Thesis, detailliert die Gestaltung und plant die Werkschau-Ausstellung.

VORAUSSICHTLICHE TERMINE
05.11.26 Kurzpräsentationen und Austausch
19.11.26 Strategien für Konzeption und Idee. Recherchetools ohne/mit AI
03.12.26 Prototyping Ausstellung (für Raumvergabe)
17.12.26 Design Must-Haves
07.1.27 Design und Ausstellung
Danach Einzelgespräche Designdetails,
Schreibstil, Gliederung, Abstract

ANFRAGE
Für eine Betreuung bitte frühzeitig mit ersten Ideen, danach dann einem Exposé bei mir melden.
Tipps: bit.ly/ps-cheat-expose.

Inhalt:
Dieses zweiwöchentlich stattfindende Kolloquium widmet sich der Besprechung und Korrektur von Bachelor- und Masterabschlussarbeiten, die sich schwerpunktmäßig mit Themenfeldern wie Typografie, Buchgestaltung, Editorial Design, Publishing, Information Design, Ausstellungsdesign, sowie Wissensgestaltung auseinandersetzen.

Hinweise zur Betreuung von B.A.- und M.A.-Arbeiten:
Vor einer Betreuungszusage erwarte ich die Zusendung von einem (Haupt-) Thema und möglichst zwei weiteren Alternativthemen. Bei allen Leuten, die ich nicht gut aus dem Studium kenne, setze ich zudem eine Präsentation der wichtigsten Studienarbeiten (Portfolio) und ein persönliches Gespräch als Betreuungsbedingungen voraus. Themenvorschläge (Haupt- und Alternativthemen) für den B.A.- oder M.A.-Abschluss sollten je auf etwa einer halben oder ganzen A4 Seite kurz beschrieben werden, reine Überschriften sind schwer zu beurteilen.

Für einen Themenvorschlag (Kurzexposee):
reicht eine Beschreibung der wesentlichen Punkte bzw. eine Beantwortung der zentralen Fragestellungen (Wer? Was? Wem? Warum? Wie? Wo? Wann?) aus. Für eine selbständige Abschlussarbeit ist die Klärung der Fragen ›Warum?‹ und ›Wie?‹ von zentraler Bedeutung, weil es dabei um die persönliche Motivation (Haltung) und die gestalterische Umsetzbarkeit der Idee (Darstellung) geht. Ich bitte um die Zusendung von mind. einem ausführlicher beschriebenen Themenvorschlag (Hauptthema, ca. 1 A4 Seite), die möglichen Alternativthemen können etwas kürzer beschrieben werden (ca. 1/2 A4 Seite). Gerne übernehme ich die Betreuung von B.A.- und M.A.-Arbeiten, wenn das Thema passt, d.h. ich das Thema auch gut betreuen kann.

Die Betreuung der M.A.-Abschlussarbeiten:
findet abhängig von der Gruppengröße ggf. in einer Extrarunde statt.

Der erste Termin:
findet am Mo 5. Oktober um 15 Uhr online statt.
https://hsbi-de.zoom-x.de/j/947466421
Meeting-ID: 947 466 421

Die Veranstaltung findet alternierend alle zwei Wochen statt und sollte von allen Studierenden besucht werden, die ihren BA-Abschluss im Wintersemester von mir betreuen lassen.

Reguläre gemeinsame Besprechungstermine:
13.10.2026
27.10.2026
10.11.2026
24.11.2026
08.12.2026
12.01.2027
26.01.2027

Weitere Einzeltermine per Zoom nach Vereinbarung.

Termine:
13.10. R 118 | 27.10. R 118 | 10.11. R 118 | 24.11. R 118 | 08.12. R 118 | 12.01. R 118 | 26.01. R 118

Im Kolloquium Drafts & Dialogs stehen die Bachelorarbeiten als laufende Prozesse im Mittelpunkt. In wöchentlichen Treffen diskutieren wir Arbeitsstände, geben uns gegenseitig konstruktives Feedback und begleiten die individuelle Entwicklung der Projekte. Entwürfe werden so im Dialog geschärft und Schritt für Schritt zur finalen Arbeit weitergeführt.

Teilnahme bitte bis zum 23. September 2026 per Email anfragen.
Wir starten gemeinsam am 14. Oktober 2026.

Die Module Betriebswirtschaft und Existenzgründung sind miteinander verzahnt, können aber auch getrennt absolviert werden. Die Veranstaltung ist eine Kooperation mit Prof. Dr. Tim Kampe und dem Center for Entrepreneurship.

INHALTE BWL (2 SWS)
Grundkenntnisse für Kreativunternehmer:innen in Unternehmen oder für die Existenzgründung.
– Grundlagen BWL und ökonomisches Prinzip
– Rechtsformwahl und Gesellschaftsformen
– Marketing und Vertrieb
– Steuerliche Grundlagen (Umsatzsteuer, Ertragsteuer)
– Sozialversicherung und Künstlersozialkasse
– Grundlagen des Rechnungswesens: Einnahmen-Überschussrechnung vs. Buchführung/Bilanzierung
– Kostenrechnung, insbes. Kostenträgerrechnung (Kalkulation)
– Grundlagen Investition und Finanzierung
– Selbst- und Projektmanagement

INHALTE EXISTENZGRÜNDUNG (2 SWS)
Mitglieder des CFE und externe Expert:innen. Existenzgründung und Arbeitsalltag Festanstellung.
– Grundlagen der Existenzgründung
– Grundlagen des Business Model Canvas
– Business Plan
– Gründen in OWL
– Ökosystem und Fördermöglichkeiten
– Rechtliche Aspekte der Existenzgründung
– Absolvent:innen des Fachbereichs berichten: So haben wir gegründet.

Ob Audi, Nike oder der Bäcker von nebenan – jedes Unternehmen, das visuell kommuniziert, braucht ein funktionierendes Corporate Design. Doch was genau macht ein »gutes« Corporate Design aus? Und wie entsteht es?

Im Seminar »DeReconstruct« blicken wir hinter die Kulissen erfolgreicher Erscheinungsbilder – und setzen sie neu zusammen. Dafür dekonstruiert jede:r Teilnehmer:in ein bestehendes CD-Projekt, analysiert dessen visuelle Elemente und testet deren Potenziale in zahlreichen gestalterischen Experimenten. Aus diesen Erkenntnissen entsteht am Ende ein neues, eigenes Designsystem: reduziert oder komplex, still oder laut – aber in jedem Fall systemisch gedacht.

Ablauf und Inhalte:
– Agentur-Referat und Projektvorstellung
– Analyse und vollständige Zerlegung der visuellen Elemente
– Erstellung experimenteller Serien (1er-, 2er-, 3er- und 4er-Kombinationen)
– Beobachtung, Ableitung und Formulierung von Gestaltungssystemen
– Entwicklung eines neuen CD-Systems auf Basis der vorgefundenen Elemente
– Gestaltung exemplarischer Anwendungen (z. B. Poster, Editorial, Digital)
– Dokumentation des Prozesses in einem strukturierten Werkbericht
– Abschlusspräsentation als Modulprüfung

Lernziele:
– Verständnis für Aufbau und Funktion systemischer Markenidentitäten
– Analysefähigkeit und konzeptionelle Tiefe in der Gestaltung
– Sicherheit im Umgang mit visuellen Codes und Designprinzipien
– Fähigkeit, experimentelle Ansätze in funktionale Systeme zu überführen

Was du brauchst:
Neugier, Mut zum Experiment – und Lust, dich in visuelle Systeme zu vertiefen.

Bei Interesse bitte HIER anmelden – und natürlich zur Einführungsveranstaltung am 5. Oktober (abweichend am Montag) um 10 Uhr in Raum 114 kommen.

Die CXI-Konferenz verfügt über eine Identität die sich über die letzten Jahre gefestigt und durchgesetzt hat: Ihre Haltung, ihre Zielgruppe, ihr inhaltliches Profil sind gesetzt. Was sich jedoch jedes Jahr verändert, ist ihr visuelles Erscheinungsbild.

Ziel des Seminars ist es, auf Basis dieser bestehenden Identität ein eigenständiges, konzeptbasiertes Erscheinungsbild für die nächste CXI am 11. Juni 2027 zu entwickeln. Dabei steht im Vordergrund die Formulierung eines Designprinzips, das die Geschichte der CXI erzählt – typografisch, formal, rhythmisch, visuell.

Der gestalterische Prozess beginnt mit einer Verdichtung: Welche Aspekte der Marke sollen betont, aktualisiert oder weitergedacht werden? Welche neuen Storylines lassen sich aus dem Markenkern ableiten? Und wie lassen sich diese Geschichten in systemische Gestaltung überführen? Über mehrere Iterationsschleifen werden so Prinzipien entwickelt, getestet und in konkrete Anwendungen übertragen: von Social Assets über Konferenzmaterialien bis hin zu Bewegtbildkonzepten für Website und den Event.

Zusätzliche Bestandteile:
– Agentur-Exkursion nach Hamburg (26./27.10.)
– Motion Design Workshop mit Lucas Hesse vom 2.–4.11.

Bei Interesse bitte HIER anmelden – und natürlich zur Einführungsveranstaltung am 5. Oktober um 12:15 Uhr in Raum 114 kommen.

Zwei Befunde:

1
Die Agentur Siegel+Gale zeigt in ihrer Studienreihe »World’s Simplest Brands«: Einfachheit ist ein wesentliches Merkmal erfolgreicher Marken. Das gilt für Geschäftsmodelle, Kommunikation und das visuelle Erscheinungsbild.

2
Rund neun von zehn Brand-Identity-Projekten gelten bestehenden Marken (Auswertung: Brand-New-Archive, underconsideration.com, 2026). Branding bedeutet in der Praxis daher selten die Entwicklung komplett neuer Erscheinungsbilder, sondern meistens die Transformation bestehender Auftritte, als Rebranding oder Refresh.

Das Seminar folgt dieser Realität: Ihr arbeitet in Zweierteams an bestehenden, in die Jahre gekommenen Marken. Ihr seziert sie und entscheidet dann: Was trägt zur Wiedererkennung bei? Was ist verzichtbar? Was widerspricht sich? Was trägt, entscheidet dabei nicht euer Geschmack, sondern ein spezifisches Verfahren und eure begründete Auswertung. Jede Streichung braucht ein Argument, jedes verbleibende Element eine Funktion.

KI nutzt ihr als Werkzeug für Recherche, Analyse und Varianten. Die Entscheidungen bleiben bei euch. Ziel ist ein fokussiertes und zeitgemäßes Identitätssystem. Reduktion ist dabei kein Stilmittel, sondern das Ergebnis nachvollziehbarer Entscheidungen.

Optional:
– Agentur-Exkursion nach Hamburg (26./27.10.)
– Teilnehmer:innen des Seminars erhalten prioritär Zugang zum Motion Design Workshop von Lucas Hesse vom 2.–4.11. (begrenzte Teilnehmeranzahl!).

Bei Interesse bitte HIER anmelden – und natürlich zur Einführungsveranstaltung am 5. Oktober (abweichend am Montag) um 11 Uhr in Raum 114 kommen.

Liebe Studierende,
die genaue Uhrzeit werden gerade noch mit dem Team des Sprachenzentrums abgestimmt. Bitte daher diesen Eintrag im Blick behalten.

Die ersten beiden Sitzungen bei diesem Seminar finden zusammen statt, so dass Ihr entscheiden könnt, an welcher Gruppe Ihr danach teilnehmen möchtet.

GRUPPE 1: GRUNDLAGEN
Hier liegt der Schwerpunkt auf einfacher fachlicher Alltagskommunikation wie sie zum Bsp. in einem Praktikum stattfindet, oder bei der Kommunikation mit englisch sprechenden Gestalter:innen in Workshops und bei Exkursionen.

GRUPPE 2: FORTGESCHRITTENE
Hier wird das überzeugende Präsentieren gestalterischer Themen und eigener Projekte geübt.

ARBEITSWEISE
Mit verschiedenen kurzen Textarten wird Sprechen, Diskutieren und Präsentieren zu gestalterischen Themen geübt. Das Seminar wird in einem unterstützenden Setting gelehrt, so dass Ihr Euch mit dem Üben der Sprache wohlfühlt. Mit interaktiven Übungen wird die Sprache im Team geübt, Grammatik aufgefrischt, typische Fehler beim Übersetzen aus dem Deutschen besprochen und interkulturelle Kompetenz geübt.

ANMELDUNG
Bei Interesse bitte hier anmelden:
tally.so/r/VLV4ll

Liebe ist eine universelle Erfahrung, und doch erzählt jede Geschichte von Liebe etwas anderes. Wie lässt sich Liebe fotografieren? Woran wird sie sichtbar, und wo entzieht sie sich dem Bild?

Liebe ist ein zutiefst persönliches Gefühl und zugleich eine gesellschaftliche Kraft. Sie kann Nähe schaffen, Vertrauen stiften und Solidarität ermöglichen. Sie kann Hass, Gewalt und Ausgrenzung etwas entgegensetzen. Liebe begegnet uns in vielen Formen: zwischen Partnerinnen und Partnern, Freundinnen und Freunden oder Familienmitgliedern, in der Fürsorge für andere Menschen oder Tiere, in der Verbundenheit mit einem Ort oder einer Idee. Sie ist alltäglich und außergewöhnlich zugleich. Im Mittelpunkt des Kurses steht die Entwicklung einer eigenen fotografischen Arbeit. Ob dokumentarisch, inszeniert oder konzeptionell: Entscheidend ist die intensive Auseinandersetzung mit dem Thema und die Suche nach einer eigenen Bildsprache. Das Thema lädt dazu ein, Nähe und Distanz, Intimität und Öffentlichkeit sowie persönliche und gesellschaftliche Perspektiven zu erkunden und fotografisch zu verhandeln.

Der Kurs ist Teil eines gemeinsamen Projekts der Hochschulen in Hamburg, Bremen, Krefeld und Bielefeld. Parallel beschäftigen sich Studierende unter der Leitung von Linn Schöder in Hamburg, Paula Markert in Krefeld und Andrea Diefenbach in Bremen mit demselben Thema. Zu Beginn des Semesters treffen sich alle Beteiligten online zu einem gemeinsamen Kick-off. Die entstandenen Arbeiten werden am 9. und 10. April 2027 an der Hochschule in Bielefeld gemeinsam mit den Lehrenden und Studierenden diskutiert. Eine Auswahl der Arbeiten wird im Sommer 2027 im Satellit ausgestellt.

Neben der Entwicklung der eigenen Arbeit werden Referate zum Thema gehalten, eine Werksdokumentation erstellt, das zweitägige Treffen für April 2027 geplant und organisiert sowie an dem Workshops von dem Docks Collective teilgenommen.

Diskurs im Plenum über die gestalterische und konzeptionelle Fortentwicklung der jeweiligen mitgebrachten, freien und seminarungebundenen Projekte. Da das Seminar auf zwei Semester angelegt ist und erst dann zur Prüfung führt, sollten auch die Projekte längerfristig ausgelegt sein. Die Veranstaltung versteht sich zudem als offenes Seminar und als Anlaufstelle für alle weiteren gestalterischen sowie organisatorischen Fragen (z. B. Portfolio, Studienplanung, Praxissemester usw.).

Für das Training von KI-gestützten Bildgeneratoren sind Bilddatensätze eine unabdingbare Voraussetzung. Während KI-generierte Bilder allgegenwärtig geworden sind, bleiben die Bildarchive, auf denen diese Modelle beruhen, meist unsichtbar. Genau diese Archive bilden den Ausgangspunkt des Seminars. Im Rahmen des interdisziplinären Seminars wird mit eigenen oder gemeinfreien Bildarchiven sowie gegebenenfalls mit größeren institutionellen Bildarchiven gearbeitet. Im Zentrum stehen die visuellen Strukturen, die sich aus dem gesamten Bildarchiv ergeben, sowie die Frage, welche verborgenen Strukturen in Bildarchiven angelegt sind und wie sich diese gestalterisch sichtbar machen lassen. Im von Darius Bange ausgerichteten gestaltungspraktischen Teil des Seminars wird in den Aufbau und die Kuration von Bilddatensätzen eingeführt. Darauf aufbauend werden gestalterische Konzepte entwickelt, die Modellbilder und die verborgenen Strukturen von Bildarchiven mithilfe generativer KI in gestalterische Arbeiten übersetzen. Im begleitenden Theorieteil wird es um Bildarchive, ihre Entstehung und Nutzung, aber auch ihre gesellschaftspolitischen Kontexte gehen. Am Ende des Seminars soll mit den entstandenen Arbeiten eine Ausstellung konzipiert werden, die über das kommende Sommersemester umgesetzt und in der HSBI Galerie Satellit gezeigt werden kann. Das Seminar steht im Zusammenhang mit dem Forschungsprojekt zu generativen Bildgebungsverfahren.

Die Zahl der Teilnehmenden ist auf 15 beschränkt.

Dieses Seminar beschäftigt sich mit dem Ort, an dem unser Studium stattfindet. Unseren Fachbereich als einen Ort zu zeigen, an dem gelernt, gelehrt, geforscht, gefeiert und gelebt wird. Das kann aus unterschiedlichen Perspektiven gesehen. Im Fokus steht dabei die Fotografie. Wie ist unser Gebäude gestaltet und warum ist das so? Welche Funktionen ermöglichen es uns hier zu arbeiten? Welche Personen prägen den Alltag am Fachbereich? Wie bilden wir aus unzähligen täglichen Interaktionen unseren Studienort.

Als Medium steht die Fotografie hier im Mittelpunkt. Sie kann aufzeichnen, inszenieren, dokumentieren und darstellen. Es geht dabei aber nicht nur um das Gebäude und die repräsentativen Momente. Es geht auch darum, über die Arbeit ein Bewusstsein für unser Wirken an diesem Ort und unsere Wirkung auf diesen Ort zu schaffen. Es geht um die Menschen, die hier in unterschiedlichen Rollen und immer wieder neuen Konstellationen zusammenkommen.

Das Seminar findet in enger Kooperation mit der Theorie-Veranstaltung: Der Fachbereich bei Prof. Dr. Andreas Beaugrand statt.

Geplant ist eine gemeinsame Veröffentlichung der Ergebnisse.

Es scheint einfach: coole Klamotten, coole Location und coole Models – und ab zur Vogue.
Aber ist es das?

Dieses Seminar ist eine Einführung in die Welt der Modefotografie. Von der Entwicklung der Modefotografie und des Modefilms bis heute, anhand von Beispielen und Übungen.

Was macht eine gute Modestrecke aus? Was sind die wesentlichen Elemente? Was bedeutet Zeitgeist im Modekontext? Ideen – und Konzeptentwicklung stehen im Vordergrund dieses Moduls. Wöchentliche Übungen sind ein wichtiger Teil des Unterrichts und eine Hinführung zu einer Modestrecke: dem Editorial, alternativ kann hier auch im Bewegtbild (Modefilm) gearbeitet werden.

In dieser Veranstaltung werden Verfahren erlernt und angewendet, die Fotografie räumlich zu verstehen. Fotografie wird hier einerseits genutzt, um dreidimensionale Daten zu erzeugen. Andererseits erweitern wir die ansonsten "flache" Fotografie um eine dritte Dimension.

Das Seminar nimmt die Perspektiven der Technik und der Gestaltung in den Blick. Es werden die nötigen technischen Fähigkeiten zur Aufnahme und Verarbeitung erlernt. Gleichzeitig wird ein eigenes gestalterisches Projekt entwickelt.

Alle Sitzungen finden im Team-Teaching-Format mit Alexander Trattler-Hilgenböcker und Adrian Sauer statt.

Eingesetze Software:
Blender/Octane (auf Hochschulrechnern vorhanden)

Voraussetzungen:
Eigenes Gerät zum Fotografieren (digitale Kamera oder Smartphone)
FIND SLACK CHANNEL

The seminar explores the relationship between physical objects, virtual environments and non-human perspectives. Starting from questions around multispecies relations, animal perception, technological mediation and the increasing transformation of living beings into data, we will investigate how sculpture can become an interface between physical and computational space.
Animals today are not only represented through digital media. Through tracking technologies, sensors, machine vision and other forms of data collection, their bodies, movements and behaviours become datasets: measurable and computationally readable. In this process, the animal can simultaneously be a living body, a source of data and a model within a technological system. Bolinski describes this shift from Tierdaten to Datentieren, in which animals themselves become generators of data and information rather than merely objects of media representation. The seminar takes this unstable relationship between body, object and data as a starting point.
Students will develop 3D-printed, laser-cut or otherwise digitally fabricated sculptural objects that function as physical interfaces for an additional augmented-reality layer. Using for example, AR tools in game engines such as Unity as well as WebXR approaches, these objects can be extended, transformed or contradicted through virtual elements, animation, sound, data and interaction. We will research the idea of “augmentation” to approach it as a possibility to add layers of meaning and not exclusively intended as AR.
The sculptures may act as specimens, sensors, prostheses, traces, or communication devices, while their virtual layers reveal hidden scales, behaviours, movements, or data.
Mandatory part of the seminar is a block workshop (2SWS) with the artist Jiha Jeon, with WebXR as a framework for spatializing and experiencing a personal archive produced during the workshop.

Wo begegnen uns Schönheitsnormen und Idealbilder? Welche Erwartungen werden an Körper und Aussehen gestellt – und wie unterscheiden sie sich im Hinblick auf Geschlecht, Alter und gesellschaftliche Rollen?

Während weibliche Körperbilder seit Langem öffentlich und wissenschaftlich diskutiert werden, bleiben Erfahrungen männlich sozialisierter Personen häufig weniger sichtbar. Wie erleben Männer ihren eigenen Körper? Welche Bilder prägen ihre Selbstwahrnehmung? Wo entstehen Druck und Unsicherheit?

Das Seminar knüpft an zwei Workshops des vergangenen Semesters an und führt die dort begonnene künstlerisch-partizipative Forschung weiter. Im Zentrum stehen die Ausarbeitung und Präsentation der entwickelten Beiträge im gemeinsamen Ausstellungs- und Forschungszusammenhang.

Das Projekt „Männer. Körper. Bilder.“ entsteht am Fachbereich Gestaltung der Hochschule Bielefeld (HSBI) in Kooperation mit der Psychosomatik der Ruhr-Universität Bochum (RUB) und verbindet künstlerische Auseinandersetzung mit wissenschaftlicher Forschung zu Ess- und Körperbildstörungen.

Vom 14. Oktober bis 21. November 2026 wird das Projekt im Satelliten im Rahmen der GENIALE präsentiert. Eröffnung ist am 13. Oktober um 18 Uhr. Unter dem Motto „Wie geht’s uns?“ widmet sich die GENIALE 2026 dem Thema körperliche und mentale Gesundheit.

Die interaktive Ausstellung gibt Einblicke in Erfahrungswelten rund um Körperbilder, Normendruck und Selbstwahrnehmung und lädt Besuchende ein, eigene Gedanken anonym einzubringen.

Da die Ausstellung bereits zu Semesterbeginn eröffnet, findet ein wesentlicher Teil der praktischen Projektarbeit im September statt. Die Teilnehmenden stehen aufgrund der vorausgegangenen Workshops bereits fest. Das Seminar begleitet anschließend die Reflexion und Weiterentwicklung des Projekts.

Begleitend entsteht eine Publikation, die künstlerische und forschungsbezogene Prozesse und Ergebnisse dokumentiert und weiterführt.

https://wissenswerkstadt.de/geniale

Wie werden Dinge sichtbar? Wie verändern räumliche, kuratorische und kommunikative Entscheidungen die Wahrnehmung eines Werks? Und wie entsteht im Zusammenspiel von Werk, Raum, Text und Publikum eine Ausstellung?

Das Seminar untersucht Präsentieren und Ausstellen als aktive, prozessuale Praxis. Im Zentrum steht die Frage, wie Ausstellungen durch Auswahl und Anordnung, Raum, Display, Licht, Text, Wegeführung und Vermittlung Bedeutungen erzeugen.

Zu Beginn des Semesters besuchen und analysieren wir aktuelle Ausstellungen in Bielefeld und Nordrhein-Westfalen. Ausstellungsbesuche, Gespräche mit Kurator:innen, Kurzreferate und gemeinsame Diskussionen bilden den Ausgangspunkt für die Entwicklung eigener kuratorischer Konzepte und Präsentationsformen.

Das Seminar wird durch „Curating with Care“ von Dr. Anna-Lena Wenzel ergänzt, das Fragen von Fürsorge, Verantwortung und Zusammenarbeit innerhalb kuratorischer Prozesse vertieft. Beide Veranstaltungen bilden zusammen ein 4-SWS-Modul. Bei erfolgreicher Teilnahme an beiden Seminaren werden insgesamt 6 CP vergeben.

Im Januar findet eine gemeinsame Exkursion nach Berlin statt. Eine vertiefende Vorbereitung führt in die dort untersuchten Ausstellungsorte und kuratorischen Fragestellungen ein. Die Zahl der Plätze ist begrenzt; bei größerem Interesse erfolgt die Auswahl anhand einer vorbereitenden Aufgabenstellung.

Die Veranstaltungen finden teilweise in unregelmäßigen bzw. kompakten Formaten statt. Die genauen Termine und der Ablauf werden bei einer gemeinsamen vertiefenden Vorbesprechung um 10.00 Uhr in Raum 119 besprochen.

Im Zentrum des Projekts steht eine etwa zweiwöchige Exkursion auf die chinesische Insel Hainan. Die Studierenden untersuchen und dokumentieren aktuelle Entwicklungen in den Bereichen Klimaschutz, erneuerbare Energien, Elektromobilität, autonomes Fahren und nachhaltige Stadtentwicklung. Im Fokus stehen die Maßnahmen, mit denen Hainan das Ziel der Klimaneutralität verfolgt, sowie mögliche Impulse für die deutsche und europäische Transformationsdebatte. Die Exkursionsteilnehmer erhalten einen Reisekostenzuschuss und ein Honorar für ihre Mitarbeit am Nachhaltigkeitsbericht. Damit können voraussichtlich rund zwei Drittel der Reisekosten finanziert werden.

Im Wintersemester bereiten sich die Studierenden inhaltlich und organisatorisch auf die Exkursion vor. Dazu gehören Recherche und Themenentwicklung, Kontakte zu chinesischen Institutionen und Stakeholdern sowie die Planung von Interviews, Reportagen und fotografischen Dokumentationen. Angestrebt wird eine Zusammenarbeit mit der Hainan Bielefeld University of Applied Sciences (BiUH) und weiteren Partnern vor Ort. Thematisiert werden außerdem die Hochschulgründung, der deutsch-chinesische Austausch und die Bedeutung internationaler Zusammenarbeit bei globalen Herausforderungen.

Betreut wird das Projekt von Prof. Roman Bezjak im Bereich Fotografie und Prof. Dirk Fütterer in den Bereichen Typografie und Editorial Design. Während der Exkursion im Februar 2027 entstehen Bildmaterial, Interviews, Beobachtungen und Textentwürfe. Sie bilden die Grundlage für einen englisch-chinesischen Nachhaltigkeitsbericht über die Klimaschutzprojekte auf Hainan. Konzeption, Gestaltung und Produktion des Berichts folgen in einem Projekt im Sommersemester 2027.

Das Kernteam bilden Studierende der Studienrichtungen Fotografie und Kommunikationsdesign aus B.A. L3 und M.A. Interessierte bewerben sich bitte über das Online-Formular: https://tally.so/r/vG6kqg

MA Kolloquium in Kollaboration mit der international tätigen NGO Drip by Drip, die über die negativen Auswirkungen des Modesystems auf Wasserressourcen sowie deren Folgen für die menschliche und planetare Gesundheit, Geschlechter- und soziale Gerechtigkeit aufklärt.

Dass die Mode-und Textilindustrie globale Wasserressourcen belastet, ist bekannt: Hinter einer einzigen Jeans stecken bis zu 9.000 Liter Wasser. Doch der wahre Preis ist höher: Giftige Farbstoffe und ungeklärte Abwässer vergiften Flüsse, Ozeane und Grundwasser. Maßnahmen zur Reduzierung von Wasserrisiken sind rar und greifen oft zu kurz.

Hier setzt das Projekt an, die Expertin Shirin Araghi widmet sich in einer Serie von Vorträgen explizit dem Thema der Meeresverschmutzung durch die Textil-und Modeindustrie, ausgehend von folgenden Fragen:

Wie ist der aktuelle Stand der Meeresverschmutzung? Inwieweit wird sie durch die Modeindustrie verursacht? Was ist Mikroplastik? Warum ist es für Mikroorganismen gefährlich? Kann Plastik aus den Ozeanen wieder zu Kleidungsstücken oder Accessoires werden?

Ausserdem werden Alternativen zu Kunstfasern und innovative Meeresressourcen für Mode thematisiert. Geplant ist, das Teilnehmende angedockt an ihre individuellen MA Themen kleine Entwurfsserien entwickeln, die sich thematsich auf den Kursinhalt beziehen.

Dazu werden sie Zugang zu ausgewählten Stoffen erhalten: recycelten Kunstfasern aus den Ozeanen oder alternativen Biofasern, deren Komponenten aus dem maritimen Ökosystem geerntet wurden.

Das Kolloquium versteht sich als interdisziplinär ausgerichtet, Studierende aller Studienrichtungen sind willkommen, Aufgaben können entsprechend modifiziert werden.

Darüber hinaus werden individuelle Themen, Konzepte und Inspirationsquellen der Master Projekte in Einzelgesprächen und Gruppenpräsentationen diskutiert und weiterentwickelt.

Der ästhetische und inhaltliche Kosmos der Animation ist nahezu unbegrenzt: Jedes Objekt, jedes Material und jede Form visueller Information kann durch Animation in Bewegung versetzt werden. Ausgangspunkt des Kurses ist die Bewegung selbst – ihre physikalischen Grundlagen, ihre Wahrnehmung und ihre Möglichkeiten als künstlerisches Ausdrucksmittel. Anhand praktischer Übungen untersuchen wir, wie Bewegung entsteht, wahrgenommen und gestaltet wird: Wie funktionieren Timing und Spacing? Wie wirken Schwerkraft, Gewicht, Beschleunigung und Momentum? Wie bewegt sich der menschliche Körper, und welche Rolle spielen Schwerpunkt, Balance, Anticipation, Arcs und Overlapping Action? Ausgehend von der Beobachtung realer Bewegungen üben wir, Bewegung zu analysieren, zu animieren, zu überzeichnen und gezielt für eine bestimmte Wirkung einzusetzen.

Inhalte: Grundlagen der analogen und digitalen Animationstechniken und -methoden; Timing und Spacing; physikalische Grundlagen von Bewegung; Straight Ahead und Pose to Pose; Zeichentrick; analoge 3D-Stop-Motion-Verfahren; digitale 2D- und 2½D-Animation; Keyframes, Interpolationsarten, Graph Editor und Expressions; Animation Workflow mit Storyboards und Animatics. 
Im Zentrum steht dabei die Frage, wie Bewegung nicht nur reproduziert, sondern als eigenständiges Mittel der Gestaltung und Kommunikation eingesetzt werden kann.

Ein Teil des Programmes wird in englischer Sprache abgehalten.

Termine:
11.11. R 205 + 203 | 18.11. R 205 + 203 | 25.11. R 205 + 203 | 02.12. R 205 + 203

Die auf zwei Semester angelegte Veranstaltung vermittelt die Grundlagen des projektbezogenen Arbeitens mit Fotografie im historischen, medialen und gesellschaftlichen Kontext. Sie gibt Einblicke in dokumentarische, werbliche, modische sowie konzeptionelle Ansätze und fördert den bewussten Einsatz fotografischer Ausdrucksmittel.

Im Wintersemester steht die Erarbeitung verschiedener Fotoserien nach vorgegebenen Themen im Mittelpunkt, ebenso die Umsetzung und Reflexion der jeweiligen Konzepte und deren angemessene Präsentation und organisatorische Planung.

Aktive Teilnahme am Seminar, einschließlich Präsentationen, Referaten, Diskussionen und Feedback, sowie die kontinuierliche Arbeit an Projekten, Übungen und technischen Einführungen sind verbindliche Voraussetzungen für den erfolgreichen Abschluss des Moduls.

Bitte beachten: Die Seminare für L1 fangen in der zweiten Woche (ab Mo 5.10.) an.

Dieses Grundlagenmodul vermittelt Design Skills für interaktive Medien. Wir starten mit der
Analyse von Alltags-Interfaces und entwerfen Verbesserungsmöglichkeiten. Danach schlagen wir die Brücke zu digitalen Interfaces und beginnen das Semesterprojekt:
eine durchdetaillierte Mobile App.

INHALTE:
Euer Arbeitsprozess wird typische Arbeitsschritte umfassen: Themenrecherche, App Recherche, User Research, Konzeption, Experience Design und Content Creation. Nach einer Zwischenpräsentation folgen App Design, Icon Design, Typografie und interaktives Prototyping mit Figma.
Durch die kontinuierlich dokumentierte Aufbereitung in Slides üben wir die professionelle Präsentation eines Projektes.
So schlagen wir den Bogen von der Analyse verwandter Apps bis hin zum User Testing des eigenen Projekts.
Das Seminar wird mit einem studentisch geleiteten Figma-Workshop (2 Sessions) unterstützt.

ERGEBNIS:
Ihr setzt schrittweise ein erstes, individuelles App-Projekt um, das am Semesterende detailliert und anschaulich präsentiert wird, begleitet von Feedbacktechniken.

ERSTER TERMIN
Wir beginnen in der zweiten Semesterwoche: Di 6.10.26 um 9:00 Uhr in Raum 118.

Wie entsteht Mode? Wer sind Designer*innen ikonischer Mode-Momente? Was hat sie zu ihren Kollektionen bewegt und inspiriert? Wie setzen sie im Arbeitsprozess Inspiration und Recherche ein? Wie transformieren sie mit ihrer Arbeit den natürlichen Körper in einen Mode-Körper?

Teilnehmende des Seminars lernen Modedesigner*innen und ihre Arbeitsprozesse kennen, analysieren relevante Modekollektionen und ihre Inspirationsquellen.

Das neu erworbene modischen Wissen bildet die Grundlage für eigene erste experimentelle Entwürfe.

In diesem Kurs steht die intensive Auseinandersetzung mit Modeanalyse und Gestaltung im Mittelpunkt. Durch praktische Recherchen und Experimente werden stilistische Besonderheiten von Kleidungsstücken untersucht und reflektiert. Diese Erkenntnisse dienen als Ausgangspunkt für eigene Formexperimente direkt an der Büste, die schließlich in individuelle Kleidungsstücke umgesetzt werden.

Im Kurs werden verschiedene kreative Methoden und Techniken vermittelt. Praktische Experimente und Recherchemethoden bilden die Grundlage für die Entwicklung eigener innovativer Designs.

Dieser zweiteilige Kurs (beide Teile innerhalb des Wintersemesters) richtet sich an Einsteigerinnen und Einsteiger ohne typografische Grundkenntnisse aus den Studienrichtungen DMX, Fotografie und Bildmedien sowie Mode. Im Kurs ist Platz für maximal 18 Leute. Sollten Plätze frei bleiben, können auch Studierende aus der Studienrichtung Kommunikationsdesign berücksichtigt werden.

Typografie ist sichtbare Sprache. Sie bewegt sich im Spannungsfeld zwischen Tradition und Experiment. Die effiziente Informationsvermittlung mit typografischen Mitteln erfordert Kenntnisse über das Seh- und Leseverhalten und die Bedeutung und den schlüssigen Einsatz von Zeichen. Sie bilden die Grundlage für den bewussten und richtigen Umgang mit typografischem Material. Der Kurs bietet die Möglichkeit, sich mit diesen Grundlagen intensiv auseinanderzusetzen. Ziel ist die sinnvolle Anwendung typografischer Instrumente.

Im Mittelpunkt des ersten Teils stehen einfache und komplexe Übungen zu Form und Wirkung von Buchstaben, Wörtern, Zeilen und längeren Texten; zum Umgang mit typografischen Mitteln, zu Fachterminologie, Schriftgeschichte und Satzregeln, die die Grundlagen für den zweiten Teil des Kurses schaffen.
Im zweiten Teil wird eine komplexere Aufgabe selbstständig bearbeitet und durch Einzelberatungen, die kursöffentlich sind, begleitet. Es handelt sich um den Entwurf einer Miniausstattung an begleitenden Medien für eine fiktive oder reale Ausstellung. Es wird erwartet, dass die Studierenden neben der praktischen Tätigkeit intensiv lesen.

Für die Teilnahme am Kurs sind Kenntnisse in Gestaltungslehre erforderlich, Grundkenntnisse von Gestaltungssoftware sind hilfreich. Ausdauer, Disziplin, Genauigkeit und ein dickes Fell können nicht schaden. Die Prüfung besteht aus der Vorlage der im Semester entstandenen Arbeiten mit Kolloquium.
Für die Absolvierung von Teil 1 oder Teil 2: Teil-Praxisschein (3 CP). Für beide Teile: vollwertige Modulprüfung

Die Ziffern des Weckers am Morgen, die Müslipackung, das Plakat an der Haltestelle, die Dots auf den Folien des Dozenten, die Anzeige in der Mensa, der Post der Freundin auf Instagram, die Eintrittskarte des Schwimmbads, das Buch neben dem Bett: Schrift begleitet uns durch das Leben und durch die Welt. Dabei erscheint sie in stets unterschiedlichen Formen, folgt unterschiedlichen Zwecken, Ansichten und Absichten. Die Teilnehmer·innen dieses Kurses erhalten einen Überblick über die verschiedenen Arten, mit Schrift zu gestalten. In einer Reihe von Übungen beschäftigen sie sich mit typografischen Parametern und erschließen sich die handwerklichen Grundlagen. Zentrale Bausteine des Kurses sind analoge Übungen wie Schriftschreiben und Bleisatz. Am Ende des Kurses entsteht aus den Übungen eine Mappe.

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— Kurszeiten: Gruppe A vormittags von 9 bis 12 Uhr, Gruppe B nachmittags von 13 bis 16 Uhr.
— Die Einteilung in Gruppe A und B wird per E-Mail bekanntgegeben.
— Der Kurs ist ein Pflichtmodul für alle KD-Erstsemester.

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Literaturempfehlungen:
Jost Hochuli, Das Detail in der Typografie, Sulgen/Zürich: Verlag Niggli AG, 2005.
Kurt Weidemann, Wo der Buchstabe das Wort führt, Ostfildern: Hatje Cantz, 2006 (4).
Hans Peter Willberg & Friedrich Forssmann, Lesetypographie, Mainz: Verlag Hermann
Schnmidt, 1997 (1).

In diesem für alle KD-Studierenden in Level 1 verpflichtenden Grundlagenkurs werden über zeichnerische Darstellungstechniken hinaus vor allem grundlegende Zusammenhänge zwischen Bild und Sprache, Stil und Mittel, Form und Inhalt, sowie Kunst und Gestaltung vermittelt. Durch kleine praktisch-experimentelle Zeichenübungen und entsprechenden Lehreinheiten wird Woche für Woche kontinuierlich weiter gearbeitet. Am Ende des Semesters werden die Ergebnisse aller zeichnerischen Übungen in Einzelprüfungen präsentiert und diskutiert.
Der Kurs kann auf Anfrage auch von Interessierten aus allen anderen Studienrichtungen sowie Gaststudierenden besucht werden.

Interdisziplinäres Gestaltungsseminar mit Fokus auf praxistauglichem Web Design.

THEMA:
Wir gestalten eine Website für ein selbst gewähltes Event.
Dabei betrachten wir den kompletten Prozess, wie die Interessierten das Event finden, explorieren, buchen, sharen, daran teilnehmen und dokumentieren.
Abschließend wird auch ein Bereich aus dem Bereich digital Advertising behandelt und das Projekt damit abgerundet.

ABLAUF:
Nach einer Recherchephase zu Events und ihrer Präsentation und Bewerbung, werden wir in die Ideenfindung einsteigen.
Nach einem Recap zu gutem innovativem Web Design entstehen Konzeption Design und Umsetzung der Website Interfaces mit Figma, welches mit Feedback und Zwischenpräsentation ausgearbeitet wird.
Das Endergebnis soll das eigene Portfolio bereichern im Bereich interaktives Kommunikationsdesign.

ERGEBNIS:
Eine Präsentation mit Screenrecordings des Figma Prototype, welche die Website in Nutzungsszenarien darstellt.

VORAUSSETZUNGEN:
Grundlagen Interaction Design.

ANMELDUNG:
Bei Interesse bitte hier eintragen:
tally.so/r/LZYz01
und zur vertiefenden Vorbesprechung kommen.

In modernen Gesellschaften dienen Kleidung und Mode dazu, sich selbst auszudrücken und andere zu deuten. Die Betrachtung von Menschen und ihrem Kleidungsstil, ihrer Haltung und Selbstinszenierung ist für Modeschaffende eine zentrale Inspirationsquelle.

Subkulturen, modische Gruppen, Menschen in alltäglicher Kleidung und scheinbar Unauffällige prägen mit ihren charakteristischen Stilen, Verhaltensweisen und Einstellungen das visuelle Bild von urbanen Räumen. Modedesigner:innen entschlüsseln diese sich immer wandelnden visuellen Phänomene, erkennen ihre gestalterischen Potenziale, kombinieren Elemente und übersetzen sie in Neuinterpretationen.

Ausgangspunkt sind eigene Recherchen und Analysen von Outfits und modischen Stilen unterschiedlicher Gruppen. Welche Kleidungsstücke, Accessoires und Kombinationen sind für den jeweiligen Stil typisch? Wodurch zeichnen sie sich aus (Materialität, Verarbeitung, Proportionen)? Welches Potenzial bieten sie für neue Interpretationen?

Die gesammelten Beobachtungen bilden die Basis für eigene Entwürfe. Aus Skizzen entstehen Prototypen, die in einen einzigen Werkstoff übersetzt werden: Nessel.

Ein besonderer Fokus des Projekts liegt auf dem textilen Gestalten mit verschiedenen Techniken und Oberflächenbearbeitungen, die in individuellen Experimenten entwickelt werden. Was entsteht Neues bei der Transformation in einen einzigen Werkstoff? Wie lassen sich die Qualitäten und Eigenschaften des Originals in Nessel übertragen? Welche Elemente werden übernommen und welche bewusst weggelassen? Wie wird das Material bearbeitet, um die Anmutung des Ursprungsbildes zu imitieren?

Ziel ist die Entwicklung von zwei komplett gefertigten Outfits sowie einer kompakten abschließenden Inszenierung. Im Rahmen des Seminars ist eine Recherchereise nach Berlin geplant, bei Interesse bitte direkt melden : philipp.rupp@hsbi.de

Vorlesungsreihe zur Geschichte der Schrift, der Drucktechniken und der Printmedien.

Die Vorlesungen finden im Rahmen des Kurses Grundlagen Typografie I statt und gehören für Erstsemester integral zu diesem Pflichtmodul.

Darüber hinaus stehen sie allen Studierenden der HSBI offen. Ein Leistungsnachweis kann nicht erworben werden.

01 — [Termin n.N.]
Schreiben. Ursprünge der Schrift
bis zu den Griechen

02 — [Termin n.N.]
Schrift & Buch. Römer, Spätantike,
Frühmittelalter

03 — [Termin n.N.]
Kalligrafie & Typografie.
Renaissance bis Klassizismus

04 — [Termin n.N.]
Lettering & Fancy Fonts.
Öffentlicher Raum und Werbung

05 — [Termin n.N.]
Modern Style & Moderne.
Experiment, Komposition, Raster

06 — [Termin n.N.]
Revolutionen. Postmoderne,
Jugendkulturen, Digitalisierung

Dieses Seminar greift das Prinzip des Zirkeltrainings aus dem Sport auf und überträgt es auf künstlerische Prozesse. Im Mittelpunkt steht nicht körperliche Kondition, sondern die Stärkung kreativer Fähigkeiten und der Wahrnehmung. Die Teilnehmenden durchlaufen verschiedene Stationen, an denen unterschiedliche Techniken und Herangehensweisen erprobt werden: von experimentellen Materialstudien über Metall- und Holzverarbeitung, 3D-Druck und textile Gestaltung bis hin zu freiem Arbeiten in Material-Mischformen.

Neben dem praktischen Erlernen von künstlerischen und handwerklichen Techniken richtet sich der Blick auf den künstlerischen Prozess selbst: Wie beginne ich? Woher kommen Ideen? Welche Rolle spielen Material, Zufall, Zweifel oder das Ungewisse? Wann ist ein Werk „fertig“ und wie lässt es sich überzeugend präsentieren? Kurze theoretische Inputs und künstlerische Positionen begleiten die Praxis.

Ausgehend von traditionellen analogen Entwurfs- und Darstellungsmethoden wie Zeichnung, Malerei, Collage, Objekt und Modell erschließen sich die Teilnehmer:innen neue Gestaltungsmittel. In experimentellen Prozessen erproben sie insbesondere mediale und zeitbasierte Ausdrucksformen wie Animation, Videomontage und räumliche Inszenierungen mit Projection Mapping.

Im Zentrum der Aufmerksamkeit steht der Atelierraum als Gegenstand der Untersuchung und als gestaltbares Volumen. Mithilfe künstlerischer Mapping-Verfahren und performativer Methoden wird die unmittelbare Umgebung ästhetisch erforscht. Dabei werden die eigene Wahrnehmung sowie das Verhältnis von Körper und Raum geschärft und als Ausgangspunkt gestalterischer Prozesse genutzt.

Interdisziplinäres Arbeiten in der Kunst bedeutet, Ideen disziplinübergreifend und ohne Festlegung auf bestimmte Medien zu entwickeln und umzusetzen. Künstlerische Vorhaben dürfen sich dabei frei entfalten, Wagnisse eingehen und unerwartete Wege eröffnen. Gerade dort, wo vertraute Verfahren verlassen werden, entstehen neue Lernprozesse, Verbindungen und Formen der Zusammenarbeit. Künstlerische Allianzen, Kooperationen, die Erprobung unbekannter Materialien, Querverbindungen zwischen unterschiedlichen Disziplinen und eine grundsätzlich neugierige Haltung bilden daher zentrale Grundlagen ästhetischer und künstlerischer Forschung.

Im Seminar untersuchen wir künstlerische Strategien anhand aktueller und historischer Positionen aus Kunst und Gestaltung. Über verschiedene praktische Aufgaben nähern wir uns dem Raum, dem eigenen Umfeld und individuellen künstlerischen Impulsen. Ziel ist es, die persönlichen Interessensfelder der Studierenden zu erkunden, neue Materialien und Techniken kennenzulernen und daraus eigene künstlerische Methoden zu entwickeln. Im Mittelpunkt steht ein freier, individueller und praxisorientierter Arbeitsprozess. Ergänzend diskutieren wir Positionen zeitgenössischer Architekt:innen, Designer:innen, Fotograf:innen, Künstler:innen und Künstler:innenkollektive

Dieses Seminar greift das Prinzip des Zirkeltrainings aus dem Sport auf und überträgt es auf künstlerische Prozesse. Im Mittelpunkt steht nicht körperliche Kondition, sondern die Stärkung kreativer Fähigkeiten und der Wahrnehmung. Die Teilnehmenden durchlaufen verschiedene Stationen, an denen unterschiedliche Techniken und Herangehensweisen erprobt werden: von experimentellen Materialstudien über Metall- und Holzverarbeitung, 3D-Druck und textile Gestaltung bis hin zu freiem Arbeiten in Material-Mischformen.

Neben dem praktischen Erlernen von künstlerischen und handwerklichen Techniken richtet sich der Blick auf den künstlerischen Prozess selbst: Wie beginne ich? Woher kommen Ideen? Welche Rolle spielen Material, Zufall, Zweifel oder das Ungewisse? Wann ist ein Werk „fertig“ und wie lässt es sich überzeugend präsentieren? Kurze theoretische Inputs und künstlerische Positionen begleiten die Praxis.

Ergänzend zum Seminar Style Samples widmet sich der angegliederte Workshop der Umsetzung der enststehenden Entwürfe. Darüber hinaus sind Fragen zu Styling und Inszenierung der entstehenden Entwürfe zentral.

Wie lassen sich die Outfits durch Accessoires und Styling erweitern? An wem und in welchem Kontext werden die Entwürfe inszeniert? Wie werden sie fotografisch dokumentiert ?

Der Kurs vermittelt zentrale Methoden der dreidimensionalen Entwurfsentwicklung und richtet sich an Studierende des 2. und 3. BA-Levels sowie an Masterstudierende.

Der erste Themenbereich behandelt Drapage als zentrales Werkzeug der dreidimensionalen Formfindung. Ausgangspunkt sind Looks und Bekleidungsarchetypen, die analysiert, hinterfragt und neu interpretiert werden. Unterschiedliche Drapagetechniken sowie die Dekonstruktion und Rekombination bestehender Kleidungsstücke führen zu eigenständigen zeitgenössischen Entwürfen. Die Vermittlung erfolgt je nach Erfahrungsstand grundlegend oder vertiefend.

Für Studierende mit fortgeschrittenen Drapagekenntnissen ergänzt "Material Matters" den Kurs als zweiter Themenbereich. Ausgehend von einer kulturellen Narration werden experimentelle Materialstudien mit Fragen von Silhouette, Archetyp, Konstruktion und Prototyping verbunden. Material wird nicht als dekorative Oberfläche, sondern als eigenständiges Entwurfswerkzeug verstanden, das Form, Konstruktion, Körperbild und modische Bedeutung mitbestimmt.

Die Anforderungen unterscheiden sich entsprechend dem Erfahrungsstand:
_Studierende im Grundlagenbereich Drapage entwickeln ein vollständiges Outfit mit dem Schwerpunkt Drapage.
_Fortgeschrittene Studierende entwickeln zwei Entwurfspositionen: einen Entwurf mit dem Schwerpunkt Drapage sowie einen materialbasierten Entwurf im Rahmen von "Material Matters".

Der Kurs ist als workshopbasierte Atelierarbeit angelegt. Die dreidimensionale Arbeit an der Büste und analoge Bekleidungsexperimente liefern konkrete gestalterische Studien und Impulse für die eigenen Entwürfe. Feedback und digitale Entwurfskollagen überführen die experimentellen Ansätze in konsistente Bekleidungskonzepte.

Die Entwurfsprozesse und Ergebnisse werden in einer Projektdokumentation visualisiert. Die entwickelten Arbeiten sollen im Rahmen der Modenschau 2027 präsentiert werden. Der Kurs findet in Kooperation mit dem Bereich Drapiertechniken statt.

Im Rahmen der Offenen Werkstatt reFINE besteht die Möglichkeit, individuelle Fragen zur Designentwicklung und zur Realisation von Outfits zu besprechen und den Entwurfsprozess kontinuierlich und praxisnah zu begleiten.

Im Mittelpunkt stehen die Vervollständigung von Entwürfen zu präsentierfähigen Looks sowie die Entwicklung eines relevanten Stylings für die fotografische Inszenierung der Entwürfe. Dabei geht es nicht nur um handwerkliche Umsetzung, sondern auch um gestalterische Klarheit, Aussagekraft und ein sich stimmig ergänzendes Gesamtbild.

Das Angebot richtet sich insbesondere an Studierende des Kurses FINDING FORM_MATERIAL MATTERS ist aber grundsätzlich offen für alle, die an der Finalisierung und Präsentation ihrer Projekte im Bereich Modedesign arbeiten möchten.

Ich biete Studierenden aus der PO 2024 Coaching an, um ein aussagekräftiges Portfolio für die Bewerbung zum Praxissemester* zu erarbeiten. Typischerweise für ein Praktikum, oder eine Hochschule im Ausland.

ABLAUF
Wir starten mit Zielfindung und Self Assessment: Welche Ziele und Skills gehören zum Profil? Welche Tätigkeiten kommen in Frage?
Daraus wird ein aussagekräftiger CV entwickelt, der eingängig formuliert, übersichtlich gegliedert und attraktiv und professionell gestaltet ist.
Ihr vergleicht Darstellungsmedien und ihre Möglichkeiten und Nachteile (Cargo, Figma, PDF)
Ihr testet Projektdarstellungen und diskutiert deren Wahrnehmung durch die Zielgruppe.

TERMINE
Do 15.10.26 Goals, Skills, Self Description
Do 29.10.26 CV, Profile auf Behance und LinkedIn
Do 12.11.26 Workshop Portfolio: Cargo, Figma, PDF
Do 26.11.26 Workshop Projektdarstellung
Do 10.12. Kurzpräsentationen

Es wird auch wieder einen Fotografie-Workshop durch Patrick Pollmeier angeboten. Bitte unabhängig dafür anmelden.

ANRECHNUNG:
Diese Termine sind Vorbereitung für das Praxissemester, sie werden nicht angerechnet.

ANMELDUNG:
https://tally.so/r/vGV7L0

Infos zum Praxissemester:
Bitte Modulhandbuch und PO lesen: hsbi.de --> Studierende --> Formulare
Kurzinfos: hsbi.de/gestaltung/praxissemester

* Ein Praxissemester kann sein:
A/ Praktikum zum Bsp. bei Agentur --> Bewerbung mit Portfolio, CV (LinkedIn, Behance)
B/ Freies Projekt --> Bewerbung mit Exposé bei Professur. Bei KD Ausnahmen.
C/ Auslandssemester --> Früh informieren beim International Office
D/ Auslandspraktikum --> Früh informieren beim International Office

Termine:
15.10. R 173 | 29.10. R 173 | 12.11. R 173 | 26.11. R 173 | 10.12. R 173

Die offene Modewerkstatt bietet Raum für Hilfestellungen bei Fragen zur schnittgestalterischen Umsetzung und Fertigung von Gestaltungsprojekten. Darüber hinaus können in der offenen Werkstatt Aufgabenstellungen der Technikkurse vertieft und angewandt werden.

Zur Teilnahme hängen Listen am Werkstatteingang aus

Die offene 3D-Druckwerkstatt und das neue FabLab 0100 bieten Studierenden die Möglichkeit, eigene Projektideen mit 3D-Druckverfahren umzusetzen. Im FabLab stehen mehrere Filamentdrucker (FDM/FFF) zur Verfügung, die sich besonders für robuste Modelle, größere Bauteile und schnelle Prototypen eignen. In einem weiteren Raum kann zudem mit Resindruck (SLA/MSLA) gearbeitet werden, der vor allem bei kleineren Formen, feinen Strukturen und detaillierten Oberflächen interessant ist.

Die Werkstatt wird von den SHK Jana Schlinke und Thilo Wolf betreut. Studierende sind eingeladen, mit ihren Projektideen vorbeizukommen, Fragen zu besprechen und gemeinsam Möglichkeiten der Umsetzung zu entwickeln.

Eine vorherige Kontaktaufnahme ist gern möglich:

thilo.wolf@hsbi.de
jana.scholz@hsbi.de (korrekte Mailadresse)

Vorkenntnisse sind nicht erforderlich. Die Nutzung erfolgt im Rahmen der offenen Werkstattzeiten und nach entsprechender Einweisung.

Um Filme zu erstellen, muss man auf der Basis eines Drehbuchs oder Scripts Text in Bilder übersetzen. Blocking und Staging sind grundlegende Methoden, um szenische Dynamiken unter Berücksichtigung räumlicher Gegebenheiten in Sequenzen, also die Abfolge von Bildern unterschiedlicher Einstellungsgrößen, zu übertragen. So eine Sequenz nennt man auch Auflösung. Dies ist beim szenischen Film traditionell die Arbeit von Regie und Kamera und wesentlicher Teil des Erzählens. Doch wie macht man das genau? Wie entstehen aus Scripts Bildideen und welche Gesetze und Regeln müssen dabei beachtet werden? Aus welcher Perspektive erzähle ich? Brauche ich immer ein Storyboard? Wie entsteht emotionaler Fokus auf eine Figur und wie kommuniziere ich diese Arbeit am Set mit dem Team und den Darstellern und Darstellerinnen? Und was ist ein Lined Script und wieso ist das sinnvoll beim Dreh?

Wir arbeiten ausgehend von selbst verfassten Kurzdrehbüchern mit Blocking und Staging sowie mit dem sog. Lined Script. Wir lernen die unterschiedlichen Erzählformen von Handkamera oder statischen Einstellungen kennen und wie Bilder angelegt werden sollten, damit man sie gut schneiden kann, ohne dass es zu Continuityproblemen, Irritationen oder ungewollten Achsensprüngen kommt. Wir werden außerdem immer wieder mit Filmlicht experimentieren und damit das atmosphärisches Erzählen erproben. In diesem Seminar wollen wir bei unseren Übungen ganz ohne Dialoge auskommen und uns auf Bilder konzentrieren.

Für die Teilnahme an diesem Seminar sind grundlegende technische Vorkenntnisse erforderlich. Es wird dringend empfohlen, das Videotechnik Einführungsseminar bei Frank Spreen-Ledebur oder Benjamin Rohde besucht zu haben.

Ich bitte von Anmeldungen zum Seminar im Vorfeld abzusehen. Die Plätze werden nach der Vorbesprechung vergeben.

Im Seminar erkunden wir Mythen, Märchen und hybride Wesen. Im Zentrum steht das Entwickeln einer eigenen Arbeit aus dem Bereich Animationsfilm und angrenzender Medien, sowie das Experimentieren mit diesen.

Welche Mythen und Märchen brauchen wir Heute?

Ausgehend von der Analyse oder Dekonstruktion klassischer Erzählungen entwickeln die Teilnehmenden individuelle zeitgenössische Märchen und Mythen – von Character-Development und World Building bis zu Narration, Illustration und Animation. Weiterhin beschäftigen wir uns auch auf theoretischer Ebene mit psychologischen oder philosophischen Betrachtungsweisen von Märchen und Mythen.

Das Seminar ist als experimentelles Labor angelegt. Ein Schwerpunkt liegt auf digitalem Zeichentrick. Wir werden jedoch auch mit anderen Techniken experimentieren. Analoge und digitale Techniken werden spielerisch miteinander kombiniert – von Sandanimation und bearbeitetem Analogfilm, klassischem Zeichen- oder Legetrickanimation, Motion Design, bis hin zu VR-Animation und mehr. Es kann auch im Team gearbeitet werden und ein Studio Workflow erprobt werden. Wer eine Zeichentrick Animation plant kann ergänzend den Workshop von Riyaaz Roy besuchen.

Weiterhin vertiefen wir die Mittel und 12 Prinzipien der Animation, sowie die Bildgestaltung und Vorbereitung der Illustrationen für Bewegtbild. Ausserdem werden wir uns mit Sound Design für Animation beschäftigen. Im Mittelpunkt steht das Ausprobieren: Welche Technik passt zu welcher Geschichte? Welche Ästhetik transportiert welche Bedeutung?

Ziel ist es, eine eigene visuelle Sprache zu entwickeln und Form und Inhalt zu unserem eigenständigen künstlerischen Märchen zu verbinden. Für das Interesse an der Veranstaltungsteilnahme schickt mir gerne eine Mail mit ein paar Arbeitsproben.

Ein überzeugendes Portfolio ist der Schlüssel zum erfolgreichen Einstieg in die Modebranche – sei es für Bewerbungen für Wettbewerbe, Praktika oder den Berufseinstieg.

In diesem Seminar beschäftigen wir uns mit den zentralen Elementen einer professionellen Portfolioerstellung: vom überzeugenden Anschreiben über einen klar strukturierten Lebenslauf bis hin zur Auswahl und wirkungsvollen Präsentation eigener Projekte.

Das Seminar vermittelt praxisnah, worauf es bei der Gestaltung eines aussagekräftigen Portfolios im Bereich Modedesign ankommt und bietet Raum für Feedback und gestalterische Weiterentwicklung.

Das Angebot findet statt in Kooperation mit Dinara Nenortaite.

Ein überzeugendes Portfolio ist der Schlüssel zum erfolgreichen Einstieg in die Modebranche - sei es für Bewerbungen für Wettbewerbe, Praktika oder den Berufseinstieg.
In diesem Seminar beschäftigen wir uns mit den zentralen Elementen einer professionellen Portfolioerstellung: vom überzeugenden Anschreiben über einen klar strukturierten Lebenslauf bis hin zur Auswahl und wirkungsvollen Präsentation eigener Projekte.

Das Seminar vermittelt praxisnah, worauf es bei der Gestaltung eines aussagekräftigen Portfolios im Bereich Modedesign ankommt und bietet Raum für Feedback und gestalterische Weiterentwicklung.