Gruppentermine
Lange: Mittwoch oder Donnerstag, 9.00 – 12.45 Uhr
, 13.15 – 17.00 Uhr
Boes: Mittwoch oder Donnerstag, 9.00 – 12.45 Uhr
, 13.15 – 17.00 Uhr
(im Wechsel))
Fotogrundkurs für alle Studienrichtungen ausgenommen FuB

Vermittlung von praktischen Grundlagen für Studierende aller Studienrichtungen ausser Fotografie,

Der Kurs richtet sich an alle Studierende ausserhalb der Studienrichtung Fotografie.

Der Inhalt ist gleich dem Grundkurs für Fotografie im ersten Semester.
Nach dem ersten Semester kann eine Prüfung abgelegt und der Kurs als einsemestriger Technikkurs abgeschlossen werden.

Inhalt des Kurses sind u. a. Eigenschaften und Wahrnehmung von Licht, Geräte- und Beleuchtungstechniken, analoge- digitale Farbsysteme, Grundlagen der optischen Abbildungen, Perspektive und perspektivische Verzerrungen in der Fotografie sowie weiterführende Themen. Alle Themen bewegen sich ausschließlich im Grundlagenbereich.
Der Kurs wird praktisch umgesetzt und teilt sich in vorgegebene Übungen und selbständiges Arbeiten auf.
Der Kurs besteht aus Praktikum und Gruppensemesterarbeit.
Vorausgesetzt wird die Bereitschaft zur Gruppenarbeit sowie selbständiges Arbeiten und Eigeninitiative.

Großformat

Der Kurs richtet sich an Interessierte, die eigenständiger mit der Großformatkamera arbeiten möchten.
Im Kurs werden einige weitere praktische Übungen vertieft und geübt.

Innerhalb des Kurses sollen die Teilnehmer sich ein anspruchsvolleres Thema selbst stellen und erarbeiten.
Weiterhin werden die technischen Voraussetzungen vermittelt, das Ergebnis druckfertig aufzubereiten.
Zur Prüfung soll das Ergebnis gedruckt werden.

Absolute Voraussetzung für den Kurs ist der abgeschlossenen Fotogrundkurs.

Schwarzweiß Fotolabor

Der Kurs richtet sich an Interessierte, die gerne analoge S/W_Prints von S/W_Negative erstellen.
Im Kurs werden einige Techniken sowie Verfahren geübt.

Zur Prüfung soll das Ergebnis präsentiert werden.

Absolute Voraussetzung für den Kurs ist der abgeschlossenen Fotogrundkurs in der Studienrichtung FuB.

Im Rahmen dieses zweiwöchentlich stattfindenden Kolloquiums werden die Konzeption und Entwicklung der BA-Abschlussarbeit behandelt. Die Teilnehmer:innen stehen bereits fest.

Der erste Termin findet statt am 23.9. um 15:30 Uhr in Raum 114. Die folgenden BA-Termine starten jeweils um 13:30 Uhr.

Betreuung der Abschlussarbeiten mit einem Schwerpunkt im Bereich Zeichnung & Illustration.

Erstes Treffen: 30. September, 14:00 Uhr
Das Kolloquium findet alle zwei Wochen zu folgenden Terminen statt:
30.9.2025
14.10.2025
28.10.2025
11.11.2025
25.11.2025
9.12.2025
13.12.2025

Inhalt:
Dieses zweiwöchentlich stattfindende Kolloquium widmet sich der Besprechung und Korrektur von Bachelor- und Masterabschlussarbeiten, die sich schwerpunktmäßig mit Themenfeldern wie Typografie, Buchgestaltung, Editorial Design, Publishing, Information Design, Ausstellungsdesign, sowie Nachhaltigkeitskommunikation und Transformation Design auseinandersetzen.

Hinweise zur Betreuung von B.A.- und M.A.-Arbeiten:
Vor einer Betreuungszusage erwarte ich die Zusendung von einem (Haupt-) Thema und möglichst zwei weiteren Alternativthemen. Bei allen Leuten, die ich nicht gut aus dem Studium kenne, setze ich zudem eine Präsentation der wichtigsten Studienarbeiten (Portfolio) und ein persönliches Gespräch als Betreuungsbedingungen voraus. Themenvorschläge (Haupt- und Alternativthemen) für den B.A.- oder M.A.-Abschluss sollten je auf etwa einer halben oder ganzen A4 Seite kurz beschrieben werden, reine Überschriften sind schwer zu beurteilen.

Für einen Themenvorschlag (Kurzexposee) reicht eine Beschreibung der wesentlichen Punkte bzw. eine Beantwortung der zentralen Fragestellungen (Wer? Was? Wem? Warum? Wie? Wo? Wann?) aus. Für eine selbständige Abschlussarbeit ist die Klärung der Fragen ›Warum?‹ und ›Wie?‹ von zentraler Bedeutung, weil es dabei um die persönliche Motivation (Haltung) und die gestalterische Umsetzbarkeit der Idee (Darstellung) geht. Die Kurzexposees sind wichtig für eine objektive Entscheidungsfindung bei der Themenwahl. Es hilft nicht zuletzt dabei die passenden Betreuer:innen/Prüfer:innen zu finden. Ich bitte um die Zusendung von mind. einem ausführlicher beschriebenen Themenvorschlag (Hauptthema, ca. 1 A4 Seite), die möglichen Alternativthemen können etwas kürzer beschrieben
werden (ca. 1/2 A4 Seite). Gerne übernehme ich die Betreuung von B.A.- und M.A.-Arbeiten, wenn das Thema passt, d.h. ich das Thema auch gut betreuen kann.

Die Betreuung der M.A.-Abschlussarbeiten:
findet abhängig von der Gruppengröße ggf. in einer Extrarunde statt.

In diesem Gruppenkolloquium werden Bachelorarbeiten der Studienrichtung DMX begleitet. Das Format orientiert sich an den zentralen Meilensteinen des Bachelorsemesters. Die Studierenden bringen – je nach individuellem Entwicklungsstand – ihre Themenrecherche und Projektarbeiten ein und diskutieren diese im Austausch mit der Gruppe. Im Fokus steht die kritische Reflexion des eigenen Projekts im Kontext des jeweiligen Forschungsfelds sowie die gemeinsame Klärung der nächsten Arbeitsschritte.

Im Kolloquium Drafts & Dialogues stehen die Bachelorarbeiten als laufende Prozesse im Mittelpunkt. In wöchentlichen Treffen diskutieren wir Arbeitsstände, geben uns gegenseitig konstruktives Feedback und begleiten die individuelle Entwicklung der Projekte. Entwürfe werden so im Dialog geschärft und Schritt für Schritt zur finalen Arbeit weitergeführt.

Für die kontinuierliche Entwicklung Eures Bachelorprojektes biete ich regelmäßige Kolloquien an.

Eure Abschlussprojekt sollte aus diesen Bereichen sein:
– Kommunikationsdesign
– Interface Design, Interaction Design und Experience Design für interaktive Medien. Zum Bsp:
. Websites und Apps
. Intelligente vernetzte Objekte oder Räume
. Immersive Medien (AR, VR, XR)
. Voice Interaction und Chatbots
. AI-unterstützte Tools
. Advertising

– Künstlerische und experimentelle Projekte mit interaktiven Anteilen
– Interdisziplinäre Projekte

FORM:
Gemeinsame Diskussion der Zwischenstände, Einzelgespräche, Prototyping-Workshops

THEMEN:
Idee und Konzeption konkretisieren
Fragestellung schärfen mit Design Thinking
Recherche ausrichten
Gestaltung ausdetaillieren und evaluieren
Werkschau-Ausstellung mit Rapid Prototyping entwerfen und mediale Umsetzung planen
Feedback zur wissenschaftlichen Schreibweise

EXPOSÉ:
Bitte mit ersten ausformulierten Ideen melden für ein Vorgespräch.
Tipps für Exposés: bit.ly/ps-cheat-expose

SLACK WORKSPACE:
bachelorprojekt-stolz.slack.com
Bitte mit der HSBI-Mailadresse beitreten.

Die Module Betriebswirtschaft und Existenzgründung werden im Wintersemester 2025/26 im Wechsel angeboten. Beide Module sind inhaltlich miteinander verzahnt, aber auch so angelegt, dass sie einzeln bzw. getrennt absolviert werden können. Die Veranstaltung wird in Kooperation mit Prof. Dr. Tim Kampe und dem Center for Entrepreneurship durchgeführt.

Betriebswirtschaft (2 SWS)
Das Modul Betriebswirtschaft vermittelt die notwendigen Grundkenntnisse und -fertigkeiten, die Kreativunternehmer:innen in Unternehmen oder im Rahmen einer Existenzgründung benötigen. Die Veranstaltung wird als Seminar gehalten, d.h. es bleibt neben der Vermittlung von Inhalten ausreichend Raum für Diskussionen und Fragen.

– Grundlagen BWL und ökonomisches Prinzip
– Rechtsformwahl und Gesellschaftsformen
– Marketing und Vertrieb
– Steuerliche Grundlagen (Umsatzsteuer, Ertragsteuer)
– Sozialversicherung und Künstlersozialkasse
– Grundlagen des Rechnungswesens: Einnahmen-Überschussrechnung vs. Buchführung/Bilanzierung
– Kostenrechnung, insbes. Kostenträgerrechnung (Kalkulation)
– Grundlagen Investition und Finanzierung
– Selbst- und Projektmanagement

Existenzgründung (2 SWS)
Das Modul Existenzgründung wird als Workshopreihe vorrangig von Mitarbeitenden des Center for Entrepreneurship der Hochschule Bielefeld (CFE), aber auch externen Expert:innen gehalten. Aktive Mitarbeit und rege Beteiligung ist auch hier ausdrücklich erwünscht. Es werden Fertigkeiten, Techniken und Methoden vermittelt, die eine konkrete Unternehmens- oder Existenzgründung ermöglichen. Aber auch Detailfragen aus dem Arbeitsalltag einer Festanstellung werden geklärt.

– Grundlagen der Existenzgründung
– Grundlagen des Business Model Canvas
– Business Plan
– Gründen in OWL
– Ökosystem und Fördermöglichkeiten
– Rechtliche Aspekte der Existenzgründung
– Absolvent:innen des Fachbereichs berichten: So haben wir gegründet.

Ob Audi, Nike oder der Bäcker von nebenan – jedes Unternehmen, das visuell kommuniziert, braucht ein funktionierendes Corporate Design. Doch was genau macht ein »gutes« Corporate Design aus? Und wie entsteht es?

Im Seminar »DeReconstruct« blicken wir hinter die Kulissen erfolgreicher Erscheinungsbilder – und setzen sie neu zusammen. Dafür dekonstruiert jede:r Teilnehmer:in ein bestehendes CD-Projekt, analysiert dessen visuelle Elemente und testet deren Potenziale in zahlreichen gestalterischen Experimenten. Aus diesen Erkenntnissen entsteht am Ende ein neues, eigenes Designsystem: reduziert oder komplex, still oder laut – aber in jedem Fall systemisch gedacht.

Ablauf und Inhalte:
– Agentur-Referat und Projektvorstellung
– Analyse und vollständige Zerlegung der visuellen Elemente
– Erstellung experimenteller Serien (1er-, 2er-, 3er- und 4er-Kombinationen)
– Beobachtung, Ableitung und Formulierung von Gestaltungssystemen
– Entwicklung eines neuen CD-Systems auf Basis der vorgefundenen Elemente
– Gestaltung exemplarischer Anwendungen (z. B. Poster, Editorial, Digital)
– Dokumentation des Prozesses in einem strukturierten Werkbericht
– Abschlusspräsentation als Modulprüfung

Lernziele:
– Verständnis für Aufbau und Funktion systemischer Markenidentitäten
– Analysefähigkeit und konzeptionelle Tiefe in der Gestaltung
– Sicherheit im Umgang mit visuellen Codes und Designprinzipien
– Fähigkeit, experimentelle Ansätze in funktionale Systeme zu überführen

Was du brauchst:
Neugier, Mut zum Experiment – und Lust, dich in visuelle Systeme zu vertiefen.

Bei Interesse bitte HIER anmelden – und natürlich zur Einführungsveranstaltung am 29. September (abweichend am Montag) um 10 Uhr in Raum 114 kommen.

Im Seminar Reframing CXI wird nicht eine neue Marke entwickelt, sondern eine bestehende Marke visuell neu interpretiert. Die CXI-Konferenz verfügt über eine gefestigte Identität: Ihre Haltung, ihre Zielgruppe, ihr inhaltliches Profil sind gesetzt. Was sich jedes Jahr verändert, ist ihr visuelles Erscheinungsbild.

Ziel des Seminars ist es, auf Basis dieser bestehenden Werte ein eigenständiges, konzeptbasiertes Erscheinungsbild für die nächste CXI zu entwerfen. Dabei steht im Vordergrund die Formulierung eines Designprinzips, das die diesjährige Geschichte der CXI erzählt – typografisch, formal, rhythmisch, visuell.

Der gestalterische Prozess beginnt mit einer Verdichtung: Welche Aspekte der Marke sollen betont, aktualisiert oder weitergedacht werden? Welche neuen Storylines lassen sich aus dem Markenkern ableiten? Und wie lassen sich diese Geschichten in systemische Gestaltung überführen?

Über mehrere Iterationsschleifen werden so Prinzipien entwickelt, getestet und in konkrete Anwendungen übertragen: von Social Assets über Konferenzmaterialien bis hin zu Bewegtbildkonzepten für Website oder Event.

Zielsetzung:
– Entwicklung eines gestalterischen Konzepts für die kommende CXI
– Übertragung in Print, Digital, Raum und Motion
– Konzeption eines flexiblen, systemisch verständlichen Designs

Methodischer Fokus:
– Strategische Neuinterpretation durch Storyfinding, visuelle Prinzipienbildung und Systemdenken
– Iteratives, experimentelles Arbeiten an Form und Bedeutung
– Reflexion des eigenen gestalterischen Handelns im Kontext einer realen Marke

Abschlussergebnisse:
– Visuelles Gesamtsystem mit Anwendungen (Plakat, Ticket, Beutel, Website-Snippet, Motion, Sound, Social Media …)
– Präsentation des Systems und der Idee dahinter
– Vorbereitung für das Sommersemester (Realisierung)

Die Teilnehmer:innen, die diese Veranstaltung als 12CP-MA-Gestaltungsprojekt besuchen müssen zusätzlich den Lucas-Hesse-Workshop sowie die Agentur-Exkursion besuchen.

Bei Interesse bitte HIER anmelden – und natürlich zur Einführungsveranstaltung am 29. September um 12 Uhr in Raum 114 kommen.

Wie entsteht ein visuell überzeugendes, strategisch fundiertes Corporate Design? In diesem Seminar geht es darum, wie man die Identität einer Marke erkennt – und daraus eine präzise, eigenständige Gestaltung entwickelt.

Ausgangspunkt ist nicht das Logo, sondern ein breites Verständnis für Haltung, Herkunft und Ambition der Marke. In einem iterativen Prozess analysiert ihr den kulturellen und organisatorischen Kontext, verdichten eine zentrale Idee und übersetzen diese schrittweise in ein medienübergreifendes Corporate Design.

Dabei geht es nicht nur um Form, sondern auch um Verantwortung: Corporate Design ist kein neutrales Werkzeug – es schafft Sichtbarkeit, prägt Narrative und beeinflusst Wahrnehmung. Wer an der Identität einer Organisation arbeitet, gestaltet immer auch deren gesellschaftliche Wirksamkeit. Deshalb wählt ihr euer Projekt bewusst: entscheidet euch für eine Organisation, Initiative oder ein Unternehmen, bei dem ihr durch die Bearbeitung der Corporate Identity etwas Relevantes verstärken, hinterfragen oder neu denken wollt.

Das Seminar verbindet strategische Methoden mit explorativen Arbeitsphasen und Peer-Feedback. Als Unterstützung wird ein Workbook zur Verfügung gestellt. Neben einer realistischen Ausarbeitung sind auch experimentelle und ungewöhnliche Ansätze ausdrücklich erwünscht. Ergebnis ist ein vollständiges Designsystem, das am Ende in einer Präsentation, einem Brand Book und einem Case Reel vorgestellt wird.

Voraussetzungen: Interesse an strategischem Denken, Bereitschaft zur Reflexion und Lust auf gestalterisches Wagnis sowie die vorherige Teilnahme am Seminra „DeReconstruct“.

Bei Interesse bitte HIER anmelden – und natürlich zur Einführungsveranstaltung am 29. September (abweichend am Montag) um 11 Uhr in Raum 114 kommen.

Das Seminar vermittelt die Grundlagen von Motion Design mit After Effects. Die Inhalte sind dabei ausgerichtet auf die Tätigkeitsfelder von Kommunikationsdesign: Reels (oder Show Case Videos) sind ein wichtiges Präsentationsmedium für Ideen und Projekte in Portfolios und für Pitches und Awards.

Das Seminar zeigt, wie sie konzipiert, layoutet werden und Inhalte mit Motion prägnant und attraktiv dargestellt werden. Im Laufe des Seminars werden verschiedene grafische Assets in Bewegung gebracht und diskutiert, wie Motion bei Marken bzw. Corporate Designs funktionieren und warum es im Brand Design essenziell geworden ist.

Der Schwerpunkt liegt auf Konzeption, Kreation und Umsetzung von Motion Reels (oder Show Case Videos), um:
_ Ideen
_ Prototypes
_ Projekte
_ Corporate Designs oder
_ Marken
filmisch-animiert zu präsentieren, attraktiv und emotional zu verpacken, sodass sie nicht in der Schublade verschwinden, sondern gesehen werden.

NÖTIGE VORKENNTNISSE
Das Seminar ist primär für Teilnehmer:innen des Seminars »Wenn Haltung zu Gestaltung wird« (Prof. Paulmann), sowie für Bachelor-Studierende in den höheren Semestern, oder Master-Studierende.
Es ist wichtig, dass Kenntnisse vorhanden sind zu:
_ Illustrator
_ InDesign
_ Photoshop
_ Figma
Die Kenntnisse können nicht on the fly vermittelt werden in diesem Seminar!

ANMELDUNG
forms.gle/uhNchibduoesFAFv8

TERMINE
Fr, 17.10.25: Vorlesung 1 (Raum 205)
Fr, 24.10.25: Vorlesung 2 (Remote)
Fr, 07.11.25: Vorlesung 3 (Raum 205)
Fr, 21.11.25: Vorlesung 4 (Remote)
Fr, 28.11.25: Vorlesung 5 (Raum 205)

Projektphase
Fr, 12.12.25: Support Slot 01
Fr, 09.01.26: Support Slot 02
Fr, 16.01.26: Support Slot 03

Fr, 23.01.26: Modulprüfung

In diesem Seminar erkunden wir die Grundlagen des Programmierens aus gestalterischen Perspektive. Mit Processing, einer für visuelle Gestaltung entwickelten Programmiersprache, wird Schritt für Schritt gelernt, wie sich kreative Ideen mit Code umsetzen lassen.

ZIELE
Im Mittelpunkt steht die gestalterische Praxis: Wir arbeiten explorativ, probieren aus, experimentieren und entwickeln die eigene Gestaltungs-Skills weiter. Themen wie generative Gestaltung, parametrisches Design, Animation und interaktive Experimente eröffnen dabei neue Ausdrucksmöglichkeiten jenseits der klassischen Design-Software.
Das Seminar richtet sich auch an alle, die kaum Vorerfahrung im Coding haben. Grundlegende Konzepte wie Variablen, Schleifen oder Bedingungen werden erklärt und in kleinen Übungen und Projekten angewendet.
Das Ziel von Creative Coding ist, die eigenen gestalterischen Skills im digitalen Spektrum zu erweitern.

ERGEBNIS
Am Ende des Semesters werden die Ergebniss in einer gemeinsamen Präsentation gezeigt, von ersten Skizzen, über Experimente bis zu den erreichten individuellen Projekten.

ANMELDUNG
forms.gle/qA6VieNNdDHc14gt8

SLACK WORKSPACE
creativecoding-w25.slack.com, bitte mit der HSBI-Mail beitreten.

Figma ist ein »collaborative interface design tool«, das wir in diesem Seminar vertiefend erkunden.
Wir steigen mit Grundlagenwissen ein und betrachten weiterführend die Möglichkeiten, Interfaces für Websites und Apps interaktiv zu gestalten.

ZIEL
Es werden Prototypes entwickelt, die für ein User Testing genutzt werden können, um die Gestaltung (Interface Design), das Nutzungserlebnis/Experience (UX) und die Führung der Nutzer:innen (Usability) zu bewerten.
Bewertet wird am Seminarende der entstandene Prototype, dessen konzeptioneller Inhalt den Teilnehmer:innen überlassen wird und in dem bestimmte Methoden von Figma umgesetzt werden.

TERMINE
Das Seminar findet an fünf Terminen, jeweils von 14 bis 18 Uhr, statt:
Mi 22.10.25
Mi 05.11.25
Mi 19.11.25
Mi 03.12.25
Mi 17.12.25

ANRECHUNG
2 CP für das Praxismodul

ANMELDUNG
figma.michels.studio

Im Rahmen des Talent-Programms nehmen wir gemeinsam mit acht weiteren europäischen Hochschulen erneut am Wettbewerb des BredaPhoto Festivals teil.
Drei Studierende aller Hochschulen werden schließlich ausgewählt, um ihre Arbeiten vor Ort beim Festival zu präsentieren.

Das diesjährige Festivalthema lautet: Trost.

Trost in Zeiten der Krise: Die Kraft der kleinen Dinge
In einer Welt voller Unsicherheiten und globaler Krisen sind es oft die kleinen, scheinbar unscheinbaren Dinge, die Halt geben: eine vertraute Melodie, eine berührende Erinnerung oder ein gemeinsames Essen mit geliebten Menschen. Diese Momente spenden Trost – keine Lösung für große Probleme, aber eine Kraftquelle im Alltag. Trost zeigt sich in der Nähe zu Familie und Freunden, in der gegenseitigen Fürsorge, im Rückzug in die Natur oder in einfachen Ritualen. Auch Spiritualität und gesellschaftliches Engagement können Zuflucht bieten. Sie erinnern uns an unsere Menschlichkeit – und daran, dass Hoffnung selbst in dunklen Zeiten lebendig bleiben kann.

Das Seminar widmet sich der Frage, was Trost heute bedeutet – wann und wo man ihn erfahren oder spenden kann. Dies auszuloten, ist eine reizvolle Aufgabe. Wir als Hochschule sind selbstverständlich eingeladen, dieses Thema auf unsere Weise zu reflektieren. Und damit sind auch all jene eingeladen, denen das Thema zu inwendig und verzagt erscheint – die vielmehr von der Untröstlichkeit selbst sprechen wollen. Eingeladen sind auch Studierende, die bereits an einem Thema arbeiten, das sich in das diesjährige Konzept integrieren lässt.

Teilnehmende Hochschulen
• St. Joost, Breda, NL
• KABK, Den Haag, NL
• MOME, Budapest, H
• Lahti Institute of Design and Fine Arts, FIN
• HfK Bremen, D
• Hochschule Bielefeld, D
• Royal Academy of Fine Arts, Antwerpen, B
• LUCA School of Arts – Campus Sint Lukas, Brüssel, B
• LUCA School of Arts – Campus Narafi, Brüssel, B

Termine (vorläufig)
• Kick-off-Meeting (via Zoom): Anfang Oktober 2025
• Schulterblick – Besuch der Kurator*innen: 14. Januar 2026
• Abgabe der Arbeiten: voraussichtlich Anfang März 2026
• Pitch (5 Studierende pro Hochschule): Termin folgt
• Eröffnung des BredaPhoto Festivals: Anfang September 2026

Modedesign lebt von der Verbindung zwischen kreativer Idee und technischer Umsetzung. In diesem Seminar steht die Drapiertechnik als praxisorientiertes Werkzeug im Fokus, mit dem komplexe Formen und innovative Entwürfe entwickelt werden können.
Ausgehend von experimentell gestalteten Silhouetten werden Schnittkonstruktionen erarbeitet, angepasst und weiterentwickelt. Der Schwerpunkt liegt dabei auf der Umsetzung individueller Formideen durch Drapage, Schnittanalyse und konstruktives Arbeiten am Modell. Technische Präzision und gestalterischer Ausdruck gehen dabei Hand in Hand.
Ziel des Seminars ist es, textile Volumina, Proportionen und Details so umzusetzen, dass sie sowohl in der gestalterischen Aussage als auch in der Passform überzeugen. Neben der praktischen Arbeit mit Nesselmaterial liegt ein Fokus auf der Analyse von Formverläufen und deren Übertragung in funktionale Schnittsysteme.

Das Seminar richtet sich an Studierende des 2.und 3. Levels BA sowie Masterstudierende, die ihre technischen Kompetenzen im Bereich Modedesign ausbauen und kreative Entwurfsprozesse in eigenständige, professionell umgesetzte Modelle überführen möchten. Die Verbindung von Intuition, Materialverständnis und Konstruktionswissen bildet dabei die Grundlage für ein zeitgemäßes, individuelles Designverständnis.

Das Seminar findet in Kooperation mit dem Gestaltungsseminar reFORM von Prof. Meiken Rau statt; eine parallele Belegung beider Seminare ist vorgesehen.

Part A:

English for the arts - 14 hours - B1 (9:30 - 11:00)
- level check
- Tips for improving English
- Grammar overview, refresh
- building up vocab,
- listening, reading, speaking, writing

Business English for the arts - 14 hours - B1/ B2 (11:15 - 12:45)
- Emails
- Phone calls
- using AI for emails and translation
- International networking (live and online)
- International small talk, project manager jargon
- getting work as a freelancer
- CV, applications, visas & portfolio

Part B:

Creative writing & field-specific English - 14 hours - B2/C1 (14:00 - 15.30)
- Show, don't tell
- Poetry
- Visuals and narrative
- Storytelling for branding and Social Media
- Current events in your field
- English-speaking artists in your field
- Write your artist statement and profile

Describing & presenting art - 14 hours - B2/C1 (15:45 - 17:15)
- Alt text & art descriptions for the blind
- Art reviews
- Presentation skills, Interview skills
- Closing session: present your work in English to students and guests
- The importance of Art for social development in society

Dieses Seminar ist eine erweiterte Einführung in das Bewegtbild.

Welche kreativen Prozesse gibt es, in der Drehbuch-, Regie- und der Kameraarbeit.
Der Kurs beinhaltet Vorlesungen mit Beispielen aus dem Genre Bewegtbild
und führt durch den kreativen Prozess eines filmischen Projektes: vom ersten Konzept über die Entwicklung eines Storyboards bis hin zur finalen Präsentation des Bewegtbildes. Der Schwerpunkt liegt auf der kreativen Arbeit und der praktischen Umsetzung. Ihr werdet individuell oder in kleinen Gruppen eine eigene filmische Arbeit entwickeln, drehen und schneiden, und die gestalterischen, narrativen und organisatorischen Aspekte des Projekts selbstständig umsetzen. Technische Vorkenntnisse sind Voraussetzung.

Es ist ein kleiner Kurs (4 SWS).

Die Beschreibung der Veranstaltung folgt.

The Restless Eye: From Static Image to Spatial Storytelling

EN
In this teaching design module, we will research and experiment with different approaches to discover how images can transform into spatial narrative devices through diverse materials, tools, and basic animation techniques.

We will learn to shift our gaze - looking at scenes from multiple perspectives, discovering how a single illustration can expand into a multitude of media formats. This opens doors to performance, stage design, and room-scale storytelling installations.

By directing our attention beyond the main character to the secondary elements in the scene - the forgotten objects, ambient details, and background elements - we uncover how these seemingly minor components can drive powerful narratives of their own. Through this lens, we discover that reality is more textured than it first appears. Working across different emotional and stylistic registers, students learn to embrace the contradictions that emerge when we look closely at things.

Through hands-on experimentation in extended workshop sessions, students will complete mini-projects that demonstrate how static images can migrate across different storytelling territories and construct entire worlds from a single illustrative act.

DE
In diesem Gestaltungsmodul erforschen und experimentieren wir mit verschiedenen Ansätzen, um herauszufinden, wie Bilder durch den Einsatz unterschiedlicher Materialien, Werkzeuge und grundlegender Animationstechniken zu räumlichen Erzählgeräten werden können.

Wir lernen, unseren Blick zu verschieben - Szenen aus verschiedenen Perspektiven zu betrachten und zu entdecken, wie sich eine einzelne Illustration in eine Vielzahl von Medienformaten erweitern lässt. Dies öffnet Türen zu Performance, Bühnengestaltung und raumgreifenden Storytelling-Installationen.

Indem wir unsere Aufmerksamkeit nicht nur auf die Hauptfigur, sondern auch auf die Nebenelemente der Szene richten - die vergessenen Objekte, atmosphärischen Details und Hintergrundelemente - entdecken wir, wie diese scheinbar nebensächlichen Komponenten ihre eigenen kraftvollen Erzählungen vorantreiben können. Durch diese Betrachtungsweise erkennen wir, dass die Realität strukturierter ist, als sie zunächst erscheint. Durch die Arbeit

Mehr Infos zu Alessandros Arbeit findet Ihr unter folgenden Links:
https://www.atelierperela.com
https://badaboom.berlin

Anmeldungen für das Seminar bitte an:
ale@badaboom.berlin, alessandro.maggioni@hsbi.de

Inhalt der Veranstaltung: Der Kurs richtet sich an Studierende, die sich schwerpunktmäßig mit dem Genre der Portraitfotografie befassen möchten. Jede*r Studierende soll innerhalb des Kurses eine Bildstrecke erarbeiten, die sich mit einem Menschen, einem Paar oder einer Gruppe, etc. auseinandersetzt. (Es geht nicht um repräsentative Studiofotografie.) Die Herangehensweise und die Erzählform kann dabei sehr unterschiedlich sein und von Reportage, über serielles Arbeiten bis hin zu inszenierter Fotografie reichen. I
n vielen Arbeitsbeispielen wird Sibylle Fendt unterschiedlichste Umgangsformen mit der Portraitfotografie vorstellen und Portraitfotograf*innen aus unterschiedlichen Epochen und v.a. aktuelle Positionen präsentieren.

Die Studierenden setzen sich unter anderem mit folgenden Fragen auseinander: „Wie nähere ich mich einer Person, die ich fotografieren möchte?“, „Welches Verhältnis besteht zwischen mir und meinen Protagonist:innen?“, „Wie spiegelt sich dieses in meiner Arbeit wieder?“, „Welche fotografischen Ansätze verfolge ich?“, Wie finde ich die passende Sprache, um mein fotografisches Thema zu verdeutlichen?“ und letzten Endes: „Was möchte ich erzählen und wie?“
In regelmäßigen Projektpräsentationen lernen die Teilnehmenden über ihre Arbeit zu sprechen und ihre Projekte hinsichtlich Bildsprache, Technik und Herangehensweise zu analysieren.

Das Seminar findet teilweise im Blockunterricht statt, näheres dazu bei der vertiefenden Einführung am 29.9. 12 Uhr über Zoom.
Es findet eine Exkursion nach Berlin statt (15.-17.12.)

Thema: Portrait
Zeit: 29.Sept. 2025 12:00 AM Amsterdam, Berlin, Rom, Stockholm, Wien
An Zoom-Meeting teilnehmen
https://us05web.zoom.us/j/86291204970?pwd=oX8DXlbUa7XfsVfjtahazc8Qm4obhb.1

Meeting-ID: 862 9120 4970
Kenncode: n3XNX1

Beitreten – So geht's
https://us05web.zoom.us/meetings/86291204970/invitations?signature=YXQytKRlqXy6ZgxnIfNq0I97uPJoAHa-CqxmyL3Xu2g

Der Seminartitel »Exploring the Vast Poetic « ist inspiriert vom Untertitel des neuen Buchs »Internet Phone Book«, internetphonebook.net.
Ein Telefonbuch zu Websites??

INHALTE
Ähnlich wie im Buch geht es in diesem Seminar um Websites und und was sie eigentlich sein könnten, abseits des Kommerziellen.
Alle Teilnehmer:innen werden in den Gestaltungsprozess einer kollektiven Website eingebunden und erlernen fundamentales Verständnis für Internet, um eigenständig daran teilhaben zu können:
Als »HTML-Architekt:innen« legen wir ein Gebilde an, in dem Räume (HTML-Dateien) gestaltet, über Türen und Gänge (Links) miteinander verbunden und somit zu einem eigenen kleinen Internet (verknüpfte HTML-Dateien) werden.
Gemeinsam gehen wir der Frage nach, was für ein Raum eine Website sein kann.

VORGEHEN
Es werden Ideen und Inhalte erarbeitet, Konzeption und Gestaltung ausgearbeitet und schnelle technische Umsetzung ausprobiert.
Wir arbeiten mit Text-, Bild- und Ton,
wir konvertieren und komprimieren,
wir schreiben Befehle und Code (HTML, CSS und JS),
wir interagieren mit Servern und Providern.
Alles ist dabei ein Experimentierfeld, auf dem wir Fehler und Imperfektion feiern.

Wir emanzipieren uns dabei von üblichen Plattformen und von begrenzenden Frameworks und machen uns unsere Rolle als Designer:innen bewusst:
Wir erkunden die Potenziale von Web und experimentieren mit diesen.

WARUM
»Today more than ever, we need individuals rather than corporations to guide the web’s future.
The web is called the web because its vitality depends on just that —
an interconnected web of individual nodes breathing life into a vast network.
This web needs to actually work for people instead of being powered by a small handful of big corporations […]«
– Laurel Schwulst, thecreativeindependent.com/essays/laurel-schwulst-my-website-is-a-shifting-house-next-to-a-river-of-knowledge-what-could-yours-be

VORAUSSETZUNGEN:
Nur die ersten Vorkenntnisse aus den Grundlagen, ein Laptop und Smartphonekamera.
Wir verwenden vorinstallierte oder kostenlose Software wie Terminal, Text-Editor, FTP-Client, …
Und Software zur Bearbeitung von Bild-, Ton- und Videodateien.

FÜR WEN
Studierende mit PO 24:
Dieses Seminar ist ein großes Gestaltungsmodul (6 SWS, 12 CP).
Dieser Teil hat 4 SWS und wird zusammen mit dem Workshop »Arduino Prototyping« (2 SWS) belegt.
Studierende mit PO 19:
Bitte kommt auf uns zu, wir finden eine angepasste Lösung.

Große Transformationsprozesse erfordern ›Zukunftsgestalter:innen‹, die dazu in der Lage sind, große Veränderungen aktiv mitzugestalten und diese zu verstehen, zu erklären und zu kommunizieren. Auch die Hochschulen sind gefordert, einen Beitrag zum Wandel zu leisten, indem sie Expert:innen für nachhaltige Kommunikation ausbilden. Im Rahmen des Studiums müssen sich Masterstudierende das notwendige Wissen und Können aneignen können, das sie dazu befähigt, sich in Wandel befindliche gesellschaftliche, wirtschaftliche, kulturelle, ökologische und politische Prozesse partizipativ einzubringen.

Inhalt:
Zu Beginn dieses Seminars geht es darum, mittels verschiedener theoretischer und praktischer Übungen in das Thema Transformation Design und Nachhaltigkeitskommunikation einzusteigen. Neben der Vermittlung und Aneignung grundlegender theoretisch-praktischer Inhalte sollen die Teilnehmenden auch eine eigene Haltung zum Thema Transformation entwickeln. Im zweiten Teil des Seminars arbeiten wir an einem realen Case mit einer an Transformation und Nachhaltigkeit interessierten Institution zusammen. 


Format:
Dieses Pilot-Seminar im Bereich Transformation Design wird unterstützt von der Vizepräsidentin (für Transfer und gesellschaftliche Wirkung) Prof. Dr. Natalie Bartholomäus und findet in Form eines Team-Teachings statt. Dabei wird der erste Part vom Transformation Designer M.A. Marius Förster (www.operative.space) und der zweite Part vom Sozialwissenschaftler M.A. Joshua Kuckherm (Social Transformation Studies) und Prof. Patricia Stolz mitbetreut. Die Arbeit in Kleingruppen ist erwünscht.

Teilnahmevoraussetzung:
Das Seminar ist als 12 CP M.A.-Seminar konzipiert. Fortgeschrittene B.A.-Studierende (im 3. Level) können am Seminar teilnehmen, sofern noch Plätze verfügbar sind. Bei Interesse an einer Teilnahme bitte ich um ein kurzes Statement zur persönlichen Motivation per E-Mail.

Vorbesprechungen:
Die zentrale Vorbesprechung findet am Di 23. September ab 12:30 Uhr (für B.A.-Studierende, Audimax) und ab 18:00 Uhr (für M.A.-Studierende, Videostudio) in Präsenz statt. Die vertiefende Vorbesprechung ist vorgesehen für Mi 1. Oktober um 10 Uhr (Zoom).

Entering the 3rd Dimension bietet einen praxisnahen Einstieg in das Arbeiten mit 3D-Tools und richtet sich an Anfänger*innen.
Anhand der Software Cinema 4D oder Blender lernen wir die grundlegende Terminologie des CGI kennen und erkunden zentrale Bereiche wie Interface, Modeling, Shading, Lighting, Texturing und Rendering.
Vorkenntnisse in Cinema 4D sind nicht erforderlich; Erfahrungen mit anderer 3D-Software können jedoch hilfreich sein. Cinema 4D überzeugt durch seine benutzerfreundliche Oberfläche, den klaren Fokus auf Motion Design sowie durch reibungslose Schnittstellen zu Programmen wie After Effects oder Unreal Engine.
Ziel der Lehrveranstaltung ist es, ein fundiertes Grundverständnis für die Möglichkeiten der Software zu entwickeln und die erlernten Techniken gezielt in den eigenen künstlerischen Workflow zu integrieren.
Im Kurs nutzen wir die englische Benutzeroberfläche der Software. Auch die geteilten Ressourcen, wie YouTube-Tutorials, sind in englischer Sprache – so gewöhnt ihr euch direkt an die internationalen Fachbegriffe.
Das Seminar ist in 2 Gruppen geteilt

Das Seminar ist in zwei Gruppen geteilt:
Gruppe A, mittwochs von 9:30 bis 12:30 Uhr
Gruppe B, donnerstags von 9:30 bis 12:30 Uhr

ADDON
Houdini 101 mit Tobias Bongartz TERMINE: 07.11. & 05.12. - 12:00 bis 18:00 Uhr

Der zweitägige Workshop führt in die Grundlagen von Houdini ein, eine der führenden Software-Lösungen für prozedurale 3D-Generierung. Dabei lernen Teilnehmende wie sich das prozedurale Arbeiten von traditioneller Modellierung unterscheidet, und wie sich diese Denkweise für kreative und technische Lösungen nutzen lässt.
Aufbauend auf den Grundprinzipien der Houdini-Benutzeroberfläche vermittelt der Workshop das Node-basierte Arbeiten sowie die Grundprinzipien der prozeduralen Geometrie-Erstellung.
Konkrete Schmuckprojekte dienen als praktische Beispiele. Von einfachen Ringen über Armreifen bis hin zu komplexen Halsketten sollen druckbare 3D-Modelle durch prozedurale Techniken entstehen.
Der Workshop vermittelt die Grundlagen der prozeduralen Modellierung in Houdini und befähigt zur eigenständigen Erstellung prozeduraler 3D-Objekte. Teilnehmende verstehen, wie komplexe Formen durch einfache Parameter steuerbar werden und können diese Methodik auf andere Projekte übertragen.
Es sind keine Vorkenntnisse in Houdini erforderlich. Grundlegende 3D-Software-Kenntnisse sind von Vorteil, aber nicht zwingend notwendig.

Gruppentermine
Lange: Mittwoch oder Donnerstag, 9.00 – 12.45 Uhr, 13.15 – 17.00 Uhr

Boes: Mittwoch oder Donnerstag, 9.00 – 12.45 Uhr, 13.15 – 17.00 Uhr

(alle 14 Tage Mi oder Do)

Vermittlung von praktischen Grundlagen für Studierende aller Studienrichtungen,
 besonders jedoch Fotografie
Inhalt des Kurses sind u. a. Eigenschaften und Wahrnehmung von Licht, Geräte- und Beleuchtungstechniken, analoge- digitale Farbsysteme, Grundlagen der optischen Abbildungen, Perspektive und perspektivische Verzerrungen in der Fotografie sowie weiterführende Themen. Alle Themen bewegen sich ausschließlich im Grundlagenbereich.
Der Kurs wird praktisch umgesetzt und teilt sich in vorgegebene Übungen und selbständiges Arbeiten auf.
Der Kurs besteht aus Praktikum und Gruppensemesterarbeit.
Vorausgesetzt wird die Bereitschaft zur Gruppenarbeit sowie selbständiges Arbeiten und Eigeninitiative.
Die Veranstaltung ist zweisemestrig und beginnt immer im Wintersemester.
Eine Prüfung findet nach dem zweiten Semester statt.

Gruppentermine
Lange: Mittwoch oder Donnerstag, 9.00 – 12.45 Uhr, 13.15 – 17.00 Uhr

Boes: Mittwoch oder Donnertag, 9.00 – 12.45 Uhr, 13.15 – 17.00 Uhr

(alle 14 Tage im Wechsel)

Vermittlung von praktischen Grundlagen für Studierende aller Studienrichtungen,
 besonders jedoch Fotografie
Inhalt des Kurses sind u. a. Eigenschaften und Wahrnehmung von Licht, Geräte- und Beleuchtungstechniken, analoge- digitale Farbsysteme, Grundlagen der optischen Abbildungen, Perspektive und perspektivische Verzerrungen in der Fotografie sowie weiterführende Themen. Alle Themen bewegen sich ausschließlich im Grundlagenbereich.
Der Kurs wird praktisch umgesetzt und teilt sich in vorgegebene Übungen und selbständiges Arbeiten auf.
Der Kurs besteht aus Praktikum und Gruppensemesterarbeit.
Vorausgesetzt wird die Bereitschaft zur Gruppenarbeit sowie selbständiges Arbeiten und Eigeninitiative.
Die Veranstaltung ist zweisemestrig und beginnt immer im Wintersemester.
Eine Prüfung findet nach dem zweiten Semester statt.

Gruppentermine
Lange: Mittwoch oder Donnerstag, 9.00 – 12.45 Uhr
 und 13.15 - 17.00 Uhr
Boes: Mittwoch oder Donnerstag, 9.00 – 12.45 Uhr
 und 13.15 - 17.00 Uhr
(im Wechsel))
Fotogrundkurs für alle Studienrichtungen ausgenommen FuB

Vermittlung von praktischen Grundlagen für Studierende aller Studienrichtungen ausser Fotografie,

Der Kurs richtet sich an alle Studierende ausserhalb der Studienrichtung Fotografie.

Der Inhalt ist gleich dem Grundkurs für Fotografie im ersten Semester.
Nach dem ersten Semester kann eine Prüfung abgelegt und der Kurs als einsemestriger Technikkurs abgeschlossen werden.

Inhalt des Kurses sind u. a. Eigenschaften und Wahrnehmung von Licht, Geräte- und Beleuchtungstechniken, analoge- digitale Farbsysteme, Grundlagen der optischen Abbildungen, Perspektive und perspektivische Verzerrungen in der Fotografie sowie weiterführende Themen. Alle Themen bewegen sich ausschließlich im Grundlagenbereich.
Der Kurs wird praktisch umgesetzt und teilt sich in vorgegebene Übungen und selbständiges Arbeiten auf.
Der Kurs besteht aus Praktikum und Gruppensemesterarbeit.
Vorausgesetzt wird die Bereitschaft zur Gruppenarbeit sowie selbständiges Arbeiten und Eigeninitiative.

Dieser Technikkurs bietet den Einstieg in den professionellen Umgang mit Videoequipment. Basiswissen zur Video-, Ton- und Lichttechnik wird über Vorlesungen und praktische Anwendungen vermittelt. Studierende erlangen durch dieses Technikmodul das Basiswissen für selbständiges Arbeiten mit dem Filmequipment der Videoausleihe des Fachbereichs Gestaltung.

Im Plenum sowie in Kleingruppen wird das Produktions-Equipment des Fachbereichs Gestaltung vorgestellt und in Praxisübungen der Umgang damit geübt. Wie behalte ich z.B. den Durchblick im Dschungel der zahllosen Formate und Schnittstellen, die mir im Video- und Audiobereich begegnen?

Unterschiede diverser Kameratypen samt Zubehör werden im Hinblick auf ihre Einsatzvor- und -nachteile erörtert. Bei der Bildgestaltung spielt die Nutzung von „Available Light“ und Filmlicht gleichermaßen eine Rolle. Wie nutze ich vorhandenes Licht, wie setze ich unterschiedliche Scheinwerfertypen ein?

Welche Möglichkeiten der Bewegung gibt es bei der Filmgestaltung? Generiere ich Bewegung in der Aufnahme selbst oder besser später im Filmschnitt? Wie bewege ich die Kamera ruhig und sicher? Wie benutze ich Stative und Grip sicher und ohne Verletzungsgefahr?

Besonderes Augenmerk wird auf den guten Ton gelegt. Welche Mikrofontypen gibt es? Wann und wie setze ich sie ein? Wie nehme ich einen Sprechertext so auf, dass er professionell klingt?

Thema ist auch die Wahl des richtigen Schnittprogramms mit Einblick in deren Bedienung. Das Seminar befasst sich auch mit Fragen zur Veröffentlichung von Beiträgen – was ist nötig um einen Live-Stream zu erstellen?

Für Studierende der Studienrichtung Digital Media and Experiment ist das Programm ein Pflichtkurs im Level 1.

Der Kurs findet in Raum 201 und ggf. in Raum 204 statt. erstes Treffen ist am 07.10. um 09:15 in Raum 201.

Wie nehmen wir Bewegung wahr? Was sind die Grundprinzipien der Animation? Wie beeinflussen Material, Methode und Software die Wirkung bewegter Bilder? Der ästhetische und inhaltliche Kosmos des Animationsfilms ist unbegrenzt: jedes Objekt oder Material, jede Form visueller Information kann mit den Techniken der Animation belebt werden. Praktische Übungen mit digitalen und analogen Techniken der 2D Animation und des Motion Designs eröffnen den Zugang zur zeitgenössischen Gestaltung von bewegten Bildern. Begleitend dazu erforschen wir das vielseitige und intermediale Feld der Motion Graphics anhand von Analysen wegweisender Animationsfilme, Filmvorspänne und künstlerischer Bewegtbildarbeiten.

Als Ergebnis erarbeitet jede/r Teilnehmer*in ein eigenes Motion Design Projekt.

Inhalte: Animationsprinzipien, Grundlagen Zeichentrick, Stop Motion, Rotoskopie, Umgang mit Keyframes, Expressions, Motion Graph Editor, Interpolationsarten.
Software: Adobe After Effects, Dragonframe Stop Motion

Das Modul Creative Tools bietet einen Mix aus Technik-Skills an, um das eigene gestalterische Spektrum experimentell, künstlerisch oder anwendungsorientiert zu erweitern.
Wir werden uns in mehren Phasen verschiedenen Tools und Themen widmen:

Tools für 2D Interface Design: Figma
Mit Figma können digitale, interaktive Gestaltungsprojekte prototypisch umgesetzt werden.
NN

Tools für 3D Interface Design: Interaktive Objekte mit Physical Computing
Wir arbeiten mit einfachen Boards, zum Bsp. Arduino Uno.
Florian Gubernator

Tools für immersives Design: 3D Illustration in Virtual Reality
Wir erkunden das räumliche Arbeiten mit Apps wie Tilt Brush und Quill.
Dabei erkunden wir, wie Interfaces in VR funktionieren
Elisabeth Berg

Tools für generative AI: Bilder, Videos, Text und Sounds
Verschiedene Tools, die neue Möglichkeiten bieten für visuelle und auditive Gestaltung.
Dabei ist der Ansatz experimentell: Wir suchen nach ungesehenen, surrealen, innovativen Ergebnissen.
Patricia Stolz

Genaue Zeiten und Räume für die einzelnen Phasen werden in der Ankündigung vorgestellt.

Der InDesign-Workshop vermittelt Grundlagen der Layout-Software Adobe InDesign in zwei Stufen, die getrennt oder nacheinander besucht werden können.

In Workshop 1 in der ersten Semesterhälfte geht es um die Basics: Konzept und Arbeitsweise des Programms, Anlegen von Dokumenten, Arbeiten mit Text und Bildern, »korrekte« Farben, druckfähige PDF-Ausgabe.

Der nahtlos anschließende Workshop 2 in der zweiten Semesterhälfte behandelt dann komplexere Dokumente und Methoden der Systematisierung mit Formaten und Variablen. Workshop 2 baut unmittelbar auf Workshop 1 auf, kann aber mit entsprechenden Vorkenntnissen auch unabhängig besucht werden.

Wichtig: Studierende der Prüfungsordnung 19 haben die Möglichkeit, entweder einen oder beide Teile zu belegen und unterschiedliche Scheine zu erwerben.
– Teil 1 oder Teil 2: 3CP-Praxisschein
– Beide Teile: 5/6CP-Technik- bzw. 5CP-Praxisschein
– Studierende der Prüfungsordnung 13 und 16 können nur beide Teile zusammen als 6CP-Technik- bzw. 5CP-Praxismodul belegen.

Die Vorbesprechung findet vor Ort und parallel via Zoom statt.

In diesem Kurs werden die Grundlagen des Drapierens vermittelt – einer Technik, bei der Kleidungsformen direkt am Körper mit Stoff modelliert und dreidimensional erfasst werden.
Zu Beginn liegt der Fokus auf dem Drapieren einfacher, körpernaher und körperferner Grundformen, um ein grundlegendes Verständnis für Schnittentwicklung und die Umsetzung von Bekleidungsdetails zu schaffen.
Ein besonderer Schwerpunkt liegt auf der Analyse des Stofffalls und der Materialeigenschaften. Im weiteren Kursverlauf werden klassische und freie Drapiertechniken angewendet, um Kragenformen und Hemdendetails zu gestalten.
Begleitend dazu lernen die Teilnehmenden die Grundlagen der Schnittabnahme sowie die Umsetzung industrieller Verarbeitungstechniken am Beispiel von Hemddetails.

Vor dem Hintergrund seiner Geschichte und seiner Einbindung in den medialen und gesellschaftlichen Kontext führt die Veranstaltung in das selbstständige projektbezogene Arbeiten mit dem Medium Fotografie ein. Sie verschafft einen Einblick in verschiedene Anwendungsgebiete wie Dokumentar-, Portrait-, inszenierende, und konzeptionelle/künstlerische Fotografie. Anhand konkreter Aufgabenstellungen werden Verfahren zum Erproben geeigneter technischer und künstlerischer Ausdrucksmittel
geübt.
Die Entwicklung von Konzepten zur Realisierung eigenständiger semesterübergreifender Projekte, die Erörterung und kritische Reflexion der Lösungsansätze, das Finden einer angemessenen Präsentationsform sind, ebenso wie deren organisatorische Planung, Teil der Seminararbeit. Die aktive und regelmäßige Teilnahme am Seminar – Zwischenpräsentation, Referat, Diskussion, Feedback – sowie die kontinuierliche Arbeit am Projekt und den Übungen und technischen Einführungen sind verbindliche Voraussetzungen für den erfolgreichen Abschluss des Moduls.

Vor dem Hintergrund seiner Geschichte und seiner Einbindung in den medialen und gesellschaftlichen Kontext führt die Veranstaltung in das selbstständige projektbezogene Arbeiten mit dem Medium Fotografie ein. Sie verschafft einen Einblick in verschiedene Anwendungsgebiete wie Dokumentar-, Werbe-, Mode-, und konzeptionelle/künstlerische Fotografie. Anhand konkreter Aufgabenstellungen werden Verfahren zum Erproben geeigneter technischer und künstlerischer Ausdrucksmittel geübt.
Die Entwicklung von Konzepten zur Realisierung eigenständiger semesterübergreifender Projekte, die Erörterung und kritische Reflexion der Lösungsansätze, das Finden einer angemessenen Präsentationsform sind, ebenso wie deren organisatorische Planung, Teil der Seminararbeit.
Die aktive und regelmäßige Teilnahme am Seminar – Zwischenpräsentation, Referat, Diskussion, Feedback – sowie die kontinuierliche Arbeit am Projekt und den Übungen und technischen Einführungen sind verbindliche Voraussetzungen für den erfolgreichen Abschluss des Moduls.

THEMEN:
Wir arbeiten in diesem Seminar an digitalen und interaktiven Medien im Bereich Kommunikationsdesign. Dafür beginnen wir mit einer Analyse von Alltagsinterfaces und gestalten erste Verbesserungsmöglichkeiten.
Danach schlagen wir die Brücke zu digitalen Interfaces und beginnen das Semesterprojekt: eine umfangreiches Website-Projekt. Der Arbeitsprozess wird alle typischen Arbeitsschritte umfassen: Themenrecherche, User Research, Ideenfindung, Web-Konzeption, Experience Design, Content Creation, Designdetails, Icons, Typografie und interaktives Prototyping mit Figma.
Wir steigen ein mit der Analyse von Benchmark-Websites und wir beenden das Semesterprojekt mit User Testing und dem Ausblick auf aufkommende technische Möglichkeiten.
So setzen wir schrittweise ein umfangreiches Website-Projekt mit selbst gewähltem Thema um, das als interaktiver Prototype mit Figma präsentiert wird.

PLUGINS:
Das Seminar profitiert von den Coding Skills, die im Modul Web Development vermittelt werden und den Prototyping-Grundlagen aus dem Workshop für Figma.

ERGEBNIS:
Am Ende des Semesters wird in einer gemeinsamen Abschlusspräsentation das Website-Projekt und seine Entstehung präsentiert.

START:
Das Seminar startet am Dienstag 30.9. um 9:30 im Raum 143.
Ein To-Do für den Start wird im Vorfeld per Mail genannt.

SLACK WORKSPACE:
ixd-basics-w25.slack.com, bitte mit der HSBI-Mail beitreten.

Als zukünftige Künstler*innen, Designer*innen und Forscher*innen arbeiten wir in Räumen mit fließenden Grenzen. Die Grundlagen der Arbeit mit Immersion in Forschung und Lehre erfordern viele Stützpunkte, die wir im Seminar umsetzen werden: ein erster Kontakt mit Medieninstallationen, die sensorische Erfahrungen und aktive Beteiligung fördern; das Planen, Organisieren und Verstehen, was Konzeptentwicklung und künstlerische Forschung bedeuten – von der ersten Idee bis zur Umsetzung; das Reflektieren und Überprüfen unseres Realitätskonzepts, von der Auseinandersetzung mit gesellschaftspolitischen Impulsen, die unsere Realität prägen, bis hin zur Analyse und Entstehung utopischer Konstrukte.
Ziel ist es, künstlerische Denkmethoden zu entwickeln und uns auf die Gestaltung multimedialer Installationen vorzubereiten. Wir erforschen wichtige Themen der Medienkunst: von Avatare, transmediales Storytelling bis nicht-menschliche Perspektiven. Wir reflektieren über das Anthropozän, Themen des Neuen Materialismus, die Politics of Care, den Ökofeminismus und Antirassismus. Dies werden wir durch die Auseinandersetzung mit aktuellen künstlerischen Positionen und Projekten, das Anschauen von Filmen oder den Besuch von Ausstellungen tun.
Der Kurs ist modular aufgebaut und verbindet theoretische Reflexion mit praktischen Experimenten. Jede*r Studierende entwickelt einen eigenen Werkzeugkasten für gestalterische und künstlerische Herausforderungen. Wir fördern den Umgang mit technisch-vermittelten Erfahrungen und unterstützen selbstständiges, kritisches und fachübergreifendes Arbeiten im Bereich der Medienkunst.

Zum Seminar gehört eine ganztägige Blockveranstaltung mit Herwig Scherabon zum Thema Sound Installation, Field Recording und Ableton am Fr. 24.10 im Raum 201 und 205

Wie entsteht Mode? Wer sind Designer*innen ikonischer Mode-Momente? Was hat sie zu ihren Kollektionen bewegt und inspiriert? Wie setzen sie im Arbeitsprozess Inspiration und Recherche ein? Wie transformieren sie mit ihrer Arbeit den natürlichen Körper in einen Mode-Körper?

Teilnehmende des Seminars lernen Modedesigner*innen und ihre Arbeitsprozesse kennen, analysieren relevante Modekollektionen und ihre Inspirationsquellen.
Das neu erworbene modischen Wissen bildet die Grundlage für eigene erste experimentelle Entwürfe.

In diesem Kurs steht die intensive Auseinandersetzung mit Modeanalyse und Gestaltung im Mittelpunkt.
Durch praktische Recherchen und Experimente werden stilistische Besonderheiten von Kleidungsstücken untersucht und reflektiert.
Diese Erkenntnisse dienen als Ausgangspunkt für eigene Formexperimente direkt an der Büste, die schließlich in individuelle Kleidungsstücke umgesetzt werden.

Im Kurs werden verschiedene kreative Methoden und Techniken vermittelt. Praktische Experimente und Recherchemethoden bilden die Grundlage für die Entwicklung eigener innovativer Designs.

Für die Umsetzung eigener gestalterischer Ideen im Printbereich sind Kenntnisse aus dem
Bereich der Drucktechnik unabdingbar. Das Kennenlernen von Methoden und Techniken
zur Herstellung von Printprodukten ermöglicht die Reflektion der eigenen kreativen Ent-
würfe in Hinblick auf die Möglichkeiten ihrer technischen Realisation. Die Vermittlung
drucktechnischer Grundlagen ist daher elementarer Bestandteil dieses Seminars.
Die erworbenen Kenntnisse dienen dem fachlichen Austausch in der fachbereichseigenen
Druckwerkstatt aber auch mit externen Druckereien. Sie unterstützen einen strukturierten
Arbeitsablauf und ermöglichen somit die erfolgreiche Umsetzung von Printprojekten. Das
Erlernte wird anhand praktischer Übungen und durch die Bearbeitung von Aufgaben ge-
festigt. Eigeninitiative und Bereitschaft zur Gruppenarbeit wird vorausgesetzt.
Das Seminar ist nach PO24 zweisemestrig.
Es gibt daher auch im zweiten Semester vier Seminartermine für die KD-Studierenden.
Gruppe KD-Printtechnik A1: Montags, 09:00–12:00 Uhr.
Gruppe KD-Printtechnik A2: Montags, 13:00–16:00 Uhr.
Gruppe KD-Printtechnik B1: Donnerstags, 09:00–12:00 Uhr.
Gruppe KD-Printtechnik B2: Donnerstags, 13:00–16:00 Uhr.

Für die Umsetzung eigener gestalterischer Ideen im Printbereich sind Kenntnisse aus dem
Bereich der Drucktechnik unabdingbar. Das Kennenlernen von Methoden und Techniken
zur Herstellung von Printprodukten ermöglicht die Reflektion der eigenen kreativen Ent-
würfe in Hinblick auf die Möglichkeiten ihrer technischen Realisation. Die Vermittlung
drucktechnischer Grundlagen ist daher elementarer Bestandteil dieses Seminars.
Die erworbenen Kenntnisse dienen dem fachlichen Austausch in der fachbereichseigenen
Druckwerkstatt aber auch mit externen Druckereien. Sie unterstützen einen strukturierten
Arbeitsablauf und ermöglichen somit die erfolgreiche Umsetzung von Printprojekten. Das
Erlernte wird anhand praktischer Übungen und durch die Bearbeitung von Aufgaben ge-
festigt. Eigeninitiative und Bereitschaft zur Gruppenarbeit wird vorausgesetzt.
Das Seminar ist nach PO24 zweisemestrig.
Es gibt daher auch im zweiten Semester vier Seminartermine für die KD-Studierenden.
Gruppe KD-Printtechnik A1: Montags, 09:00–12:00 Uhr.
Gruppe KD-Printtechnik A2: Montags, 13:00–16:00 Uhr.
Gruppe KD-Printtechnik B1: Donnerstags, 09:00–12:00 Uhr.
Gruppe KD-Printtechnik B2: Donnerstags, 13:00–16:00 Uhr.

Für die Umsetzung eigener gestalterischer Ideen im Printbereich sind Kenntnisse aus dem
Bereich der Drucktechnik unabdingbar. Das Kennenlernen von Methoden und Techniken
zur Herstellung von Printprodukten ermöglicht die Reflektion der eigenen kreativen Ent-
würfe in Hinblick auf die Möglichkeiten ihrer technischen Realisation. Die Vermittlung
drucktechnischer Grundlagen ist daher elementarer Bestandteil dieses Seminars.
Die erworbenen Kenntnisse dienen dem fachlichen Austausch in der fachbereichseigenen
Druckwerkstatt aber auch mit externen Druckereien. Sie unterstützen einen strukturierten
Arbeitsablauf und ermöglichen somit die erfolgreiche Umsetzung von Printprojekten. Das
Erlernte wird anhand praktischer Übungen und durch die Bearbeitung von Aufgaben ge-
festigt. Eigeninitiative und Bereitschaft zur Gruppenarbeit wird vorausgesetzt.
Das Seminar ist nach PO24 zweisemestrig.
Es gibt daher auch im zweiten Semester vier Seminartermine für die KD-Studierenden.
Gruppe KD-Printtechnik A1: Montags, 09:00–12:00 Uhr.
Gruppe KD-Printtechnik A2: Montags, 13:00–16:00 Uhr.
Gruppe KD-Printtechnik B1: Donnerstags, 09:00–12:00 Uhr.
Gruppe KD-Printtechnik B2: Donnerstags, 13:00–16:00 Uhr.

Für die Umsetzung eigener gestalterischer Ideen im Printbereich sind Kenntnisse aus dem
Bereich der Drucktechnik unabdingbar. Das Kennenlernen von Methoden und Techniken
zur Herstellung von Printprodukten ermöglicht die Reflektion der eigenen kreativen Ent-
würfe in Hinblick auf die Möglichkeiten ihrer technischen Realisation. Die Vermittlung
drucktechnischer Grundlagen ist daher elementarer Bestandteil dieses Seminars.
Die erworbenen Kenntnisse dienen dem fachlichen Austausch in der fachbereichseigenen
Druckwerkstatt aber auch mit externen Druckereien. Sie unterstützen einen strukturierten
Arbeitsablauf und ermöglichen somit die erfolgreiche Umsetzung von Printprojekten. Das
Erlernte wird anhand praktischer Übungen und durch die Bearbeitung von Aufgaben ge-
festigt. Eigeninitiative und Bereitschaft zur Gruppenarbeit wird vorausgesetzt.
Das Seminar ist nach PO24 zweisemestrig.
Es gibt daher auch im zweiten Semester vier Seminartermine für die KD-Studierenden.
Gruppe KD-Printtechnik A1: Montags, 09:00–12:00 Uhr.
Gruppe KD-Printtechnik A2: Montags, 13:00–16:00 Uhr.
Gruppe KD-Printtechnik B1: Donnerstags, 09:00–12:00 Uhr.
Gruppe KD-Printtechnik B2: Donnerstags, 13:00–16:00 Uhr.

Im Kurs wird ein Grundverständnis für Basic Oberteilschnitte anhand von einfachen Schnittgrundformen vermittelt. Dabei werden wichtige Anhaltspunkte, Begriffe und Linienführungen der Schnittgestaltung erfasst und die Basics der Schnittmodifikation zur Neuinterpretation von Grundschnitten für eigene Projekte erlernt. Ein besonderes Augenmerk liegt auf dem Erlernen von Grundkenntnissen der Textilen Fertigung und des Zuschnitts.

Der Kurs unterteilt sich in zwei Gruppen:

Mittwochs, 9 - 14 Uhr
Freitags, 9 - 14 Uhr

Die Ziffern des Weckers am Morgen, die Müslipackung, das Plakat an der Haltestelle, die Dots auf den Folien des Dozenten, die Anzeige in der Mensa, der Post der Freundin auf Instagram, die Eintrittskarte des Schwimmbads, das Buch neben dem Bett: Schrift begleitet uns durch das Leben und durch die Welt. Dabei erscheint sie in stets unterschiedlichen Formen, folgt unterschiedlichen Zwecken, Ansichten und Absichten. Die Teilnehmer·innen dieses Kurses erhalten einen Überblick über die verschiedenen Arten, mit Schrift zu gestalten. In einer Reihe von Übungen beschäftigen sie sich mit typografischen Parametern und erschließen sich die handwerklichen Grundlagen. Zentrale Bausteine des Kurses sind analoge Übungen wie Schriftschreiben und Bleisatz. Am Ende des Kurses entsteht aus den Übungen eine Mappe.

— — — — —

— Kurszeiten: Gruppe A vormittags von 9 bis 12 Uhr, Gruppe B nachmittags von 13 bis 16 Uhr.
— Die Einteilung in Gruppe A und B wird per E-Mail bekanntgegeben.
— Der Kurs ist ein Pflichtmodul für alle KD-Erstsemester.
— Die Vorlesungen zur Schriftgeschichte finden im Rahmen dieses Kurses, aber in Raum 080 (Audimax) statt.

— — — — —
Literaturempfehlungen:
Jost Hochuli, Das Detail in der Typografie,Sulgen/Zürich: Verlag Niggli AG, 2005.
Kurt Weidemann, Wo der Buchstabe das Wort führt, Ostfildern: Hatje Cantz, 2006 (4).
Hans Peter Willberg & Friedrich Forssmann, Lesetypographie, Mainz: Verlag Hermann
Schnmidt, 1997 (1).

Dieser zweiteilige Kurs (beide Teile innerhalb des Wintersemesters) richtet sich an Einsteigerinnen und Einsteiger ohne typografische Grundkenntnisse aus den Studienrichtungen Digital Media and Experiment, Fotografie und Bildmedien sowie Mode.
Prüfungsordnung 19: Teil 1 oder Teil 2: 3 CP Teil-Praxisschein
Beide Teile: 5 CP-Praxisschein oder ein Gestaltungsmodul
Gestaltungsmodule zur Auswahl: Grundlagen der Typografie I,II (1231/1232) mit 5 SWS, 7 CP
Typografie und Layout I,II, III (1701/1705/1709) mit 5 SWS, 8 CP
Praxis I,II (1002/1003) mit 1-4 SWS, 1-5 CP
Im Kurs ist Platz für maximal 18 Leute. Sollten Plätze frei bleiben, können auch Studierende aus der Studienrichtung Kommunikationsdesign berücksichtigt werden.
Typografie ist sichtbare Sprache. Sie bewegt sich im Spannungsfeld zwischen Tradition und Experiment. Die effiziente Informationsvermittlung mit typografischen Mitteln erfordert Kenntnisse über das Seh- und Leseverhalten und die Bedeutung und den effizienten Einsatz von Zeichen. Sie bilden die Grundlage für den bewussten und richtigen Umgangmit typografischem Material. Der Kurs bietet die Möglichkeit, sich mit diesen Grundlagenintensiv auseinanderzusetzen. Ziel ist die sinnvolle Anwendung typografischer Instrumente.
Im Mittelpunkt des ersten Teils stehen einfache und komplexe Übungen zu Form und Wirkung von Buchstaben, Wörtern, Zeilen und längeren Texten; zum Umgang mit typografischen Mitteln, zu Fachterminologie, Schriftgeschichte und Satzregeln, die die Grundlagen für den zweiten Teil des Kurses schaffen.
Im zweiten Teil wird eine komplexere Aufgabe selbstständig bearbeitet und durch Einzelberatungen, die kursöffentlich sind, begleitet. Es handelt sich um den Entwurf einer Miniausstattung an begleitenden Medien für eine fiktive oder reale Ausstellung. Es wird erwartet, dass die Studierenden neben der praktischen Tätigkeit intensiv lesen.
Für die Teilnahme am Kurs sind Kenntnisse in Gestaltungslehre erforderlich, Grundkenntnisse von Gestaltungssoftware (Adobe InDesign, Affinity Publisher) sind hilfreich. Ausdauer, Disziplin, Genauigkeit und ein dickes Fell können nicht schaden. Die Prüfung besteht aus der Vorlage der im Semester entstandenen Arbeiten mit Kolloquium.

For international students: If requested, this seminar will be held bilingually in English/German.
All written seminar information is always in English and almost all recommended learning material is in English as well.
Unless the majority of attendees calls for English as the main teaching language, everything will mostly be explained in German though, followed by English recaps of the most important sections.
Subject of this course is the deep foundational introduction to video production and postproduction for beginners and slightly advanced students using professional hardware, software and workflows in theory and practice.

Dieses Technik- Seminar richtet sich an alle Studierenden am Fachbereich Gestaltung ab Level 2, die einen fundierten Einstieg in die souveräne Nutzung moderner Kameras, Tontechnik und Software zur Postproduktion bekommen wollen. Dabei spielt es keine Rolle, ob ihr ganz am Anfang steht, oder schon etwas Wissen mitbringt, ob ihr euch für Hochglanz- Werbeclips, Musikvideos, Reportagen, Live- Video oder Medienkunst und Installationen interessiert. Ihr werdet in einem Semester mit viel Input aus Theorie und Praxis den Umgang mit professionellen Videokameras, Systemkameras, Mikrofonen, Audiorecordern, diversen Kabeltypen, Signalkonvertern und umfangreichem Zubehör aus dem Leihbestand des Fachbereichs kennenlernen und dabei schließlich auch eure eigenen „Videodevices“ souveräner nutzen können.
In der zweiten Hälfte des Kurses geht es in die Postproduktion. In mehreren Sitzungen bekommt ihr eine praxisnahe Einführung in Blackmagic Design DaVinci Resolve, Apple Final Cut Pro und Adobe Premiere Pro. Darüber hinaus wird es um Formate, Codecs, Dateiorganisations- und Sicherungsstrategien, Exporteinstellungen und – wenn nötig und sinnvoll – um die Entschlüsselung kryptischer Fachbegriffe gehen.
Am Ende des Seminars sollt ihr in der Lage sein, möglichst schnell und sicher sinnvolle Einstellungen für eure Projekte in Hard- und Software zu setzen, um euch voll und ganz auf die Gestaltung eurer Werke konzentrieren zu können.

Das Seminar vermittelt die Grundlagen der Gestaltung und vor allem Umsetzung von Websites. Dabei
erlernen die Teilnehmenden die technischen und konzeptionellen Grundlagen, um eigene
Web-Projekte umzusetzen und moderne Web Designs fachkundig zu beurteilen, zu definieren
und zu briefen.
Im Mittelpunkt steht Responsive Webdesign (RWD) – das Prinzip des modernen Web Development.
Der Ansatz ermöglicht, dass sich Websites dynamisch an Größe und Ausrichtung
des Endgeräts anpassen. Ob Smartphone, Tablet oder Laptop – die optimierte Darstellung
ist entscheidend für Benutzungsfreundlichkeit und Performance einer Website.

INHALE
1. HTML
• Einführung HTML
• Strukturierung von Websites mit semantischen HTML-Elementen
• Einbindung von Texten, Bildern, Links und multimedialen Inhalten
• Best Practices für sauberen und verständlichen Code

2. CSS – Gestaltung und visuelles Design
• Einführung in CSS
• Trennung von Struktur (HTML) und Design (CSS)
• Grundlegende Styling-Techniken: Farben, Schriftarten, Abstände
• Layout-Techniken mit Flexbox und Grid für moderne Designs

3. Responsive Webdesign – Optimierung für alle Endgeräte
• Bedeutung und Vorteile von Responsive Design
• Mobile-First-Ansatz und progressive Verbesserung
• Einsatz von Media Queries für verschiedene Bildschirmgrößen

Auch in einer Zeit, in der Generative AI zunehmend Einfluss auf die kreative Arbeit hat,
bleibt ein grundlegendes Verständnis für Web Development essenziell. Nur wer die zugrunde
liegenden Konzepte versteht, kann Websites fundiert bewerten, umsetzen und
gestalten.

ZIEL
Am Ende des Seminars haben die Teilnehmenden das nötige Wissen und die praktischen
Fähigkeiten, um eigenständig Websites zu erstellen und moderne Webentwicklungsprojekte
professionell zu begleiten.

TERMINE
Fr 10. Oktober
Fr 24. Oktober
Fr 7. November
Fr 12. Dezember
Fr 19. Dezember
Fr 9. Januar

In diesem für alle KD-Studierenden in Level 1 verpflichtenden Grundlagenkurs werden über zeichnerische Darstellungstechniken hinaus vor allem grundlegende Zusammenhänge zwischen Bild und Sprache, Stil und Mittel, Form und Inhalt, sowie Kunst und Gestaltung vermittelt. Durch kleine praktisch-experimentelle Zeichenübungen und entsprechenden Lehreinheiten wird Woche für Woche kontinuierlich weiter gearbeitet. Am Ende des Semesters werden die Ergebnisse aller zeichnerischen Übungen in Einzelprüfungen präsentiert und diskutiert.

Virtual Stage Performance ist ein praxisorientiertes Seminar, in dem Studierende virtuelle Bühnendesigns mit der Unreal Engine und C4D oder Blender entwerfen und mit Video- und Lichtmapping-Tools wie TouchDesigner oder MadMapper zu einer Realtime-Show verknüpfen.

In interaktiven Workshops planen und realisieren 2er Teams ein Bühnendesign und Showelemente zur Musik in Echtzeit im virtuelle Raum. Das Seminar verbindet umfangreiche technische Skills mit ästhetischer Reflexion.

Themen die wir behandeln werden:
ArtNet, DMX, Pixelmapping, CUE show, LED, Mapping, Midi,

Software die wir besprechen
Unreal Engine, Mad Mapper, Resolume, Touchdesigner

Vorausgesetzt werden fundierte Kenntnisse in der Unreal Engine sowie Erfahrung im Umgang mit anderen 3D-Softwares zur Erstellung von Assets.

In diesem Kurs erarbeiten wir uns einen intuitiven Zugang zur KI-basierten Bilderzeugung.
Unser Hauptwerkzeug ist ComfyUI, da es einen kreativen und zugleich zugänglichen Umgang mit einer Vielzahl von KI-Techniken ermöglicht. Gemeinsam erkunden wir, wie sich diese Ansätze in die eigene künstlerische Praxis einbinden lassen – jenseits schnelllebiger Hypes. Ziel ist es weniger, kurzfristiges Expertenwissen anzusammeln (das ohnehin ständig im Wandel ist), sondern eigene Strategien zu entwickeln, mit denen sich KI-Tools sinnvoll, inspirierend und nachhaltig im persönlichen Schaffensprozess verankern lassen.

In Neurocapitalism, body data is no longer incidental but instead it is a primary monetary asset. Biometric sensors, AI-driven interpretation, and networked infrastructures have turned our biological signals into commodities that are mined and traded with increasing precision. As of now we already live in a post-digital reality where the boundary between physical and digital has amalgamated. Technology is no longer an external tool augmenting our bodies but a co-evolving force that even shapes we bodies think, feel, and behave.

This seminar investigates the body as a hybrid site where carbon-based tissue and machine systems merge. We will examine the power dynamics within technology and investigate how platforms capture and control corporal data.

Together we will investigate how this produces new regimes of visibility, ownership, and power. As artists and designers, we will work with and against these systems and explore body data as raw material for critical cultural practice.

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Technical Block Seminar:
Building on the theoretical framing of neurocapitalism and the body as a hybrid interface, this part of the seminar focuses on hands-on exploration and critical experimentation with body-generated data. Using tools such as TouchDesigner, AI models, and sensor hardware, we will develop custom pipelines to capture, visualize, and reinterpret biometric signals as artistic material. We encourages an open-ended approach, one that combines technical experimentation with critical reflection on power, control, and identity in post-digital culture.

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Important Notices:

- Register till 3.10.25 latest under herwig.scherabon@hsbi.de

- Additional mandatory block sessions:
27.10 10:45 - 15:30
10.11 10:45 - 15:30
24.11 10:45 - 15:30
08.12 10:45 - 15:30

Storytelling prägt und verleiht unserer Existenz eine Stimme. Wir sind nicht nur wir selbst, sondern auch die Art und Weise, wie wir uns erzählen und aus welcher Perspektive wir dies tun. Die Fähigkeit, unsere eigene Existenz zu erzählen, hat uns sogar dazu geführt, von dem zu berichten, was nicht existiert: vom Vorgestellten. Genau das, so Denker wie Harari, macht uns als Spezies einzigartig.
 Durch Geschichten – in welchem Medium auch immer – vermitteln wir zugleich eine Perspektive: Heldengeschichten oder weniger heroische, leisere Geschichten. Indem wir erzählen, erschaffen wir auch eine Welt – mit ihren physikalischen Gesetzen, ihren Regeln usw. In diesem Seminar werden wir versuchen, „auszubrechen“ aus den Geschichten, die wir gewohnt sind zu erzählen, und auch aus den Perspektiven, die wir üblicherweise einnehmen, um die Welt zu betrachten. Wie könnte die Welt aus der Sicht eines nicht-menschlichen Wesens funktionieren? Welche Geschichten sind für sie bedeutsam?

Ziel des Seminars ist es, einen Schritt in Richtung eines ersten persönlichen Projekts zu machen, in dem wir mit unterschiedlichen Formen des Worldbuildings arbeiten, die nicht notwendigerweise aus menschlichen Perspektiven hervorgehen. Konzeptionelle Entwicklung, Projektplanung sowie die Gestaltung von Interfaces oder Controllern, die speziell an jedes Projekt angepasst sind, gehören zum Seminar. Das finale Werkzeug für die Projektrealisierung ist offen und sollte projektabhängig gewählt werden – auch wenn wir mit Game Engines arbeiten werden, ist es ebenso möglich, mit anderen Tools oder Programmen zu arbeiten. Die Abschlussprojekte werden in eine Installation integriert, die Elemente wie 3D-Drucke, Skulpturen, fotografische Prints oder Projektionen einschließen kann und die wir in Bezug auf jedes Projekt entwickeln werden. Die Analyse von Installationen und Werken anderer Künstler*innen ist hierfür ein wesentlicher Bestandteil des Seminars.

Die Projekte werden am Ende des Semesters, unmittelbar vor der Werkschau, in Raum 201 präsentiert.

Zum Seminar gehört ein ganztägiger Workshop mit Camilo Sandoval, der Entwicklung von Interfaces mit Arduino gewidmet ist und an zwei Wochen jeweils an zwei aufeinanderfolgenden Tagen stattfindet: am 11./12. November und am 2./3. Dezember

Menschen reagieren mit ihrer Kleidung auf Wetter- und Umweltbedingungen, sie schützen damit ihre Körper. Beispiele aus unterschiedlichen Klimazonen und historischen Kontexten zeigen, wie erfindungsreich Menschen mit ihrer „zweiten Haut“ auf die jeweiligen Lebenssituationen reagieren.

Welchen neuen, extremen Umweltsituationen begegnen wir heute? Wie sollen Kleidungsstücke für Lebensräume der Zukunft beschaffen sein? Wie wandelbar kann Kleidung sein, um spontan auf Wetter- oder Temperaturveränderungen zu reagieren? Welche Kleidungsstücke, Accessoires und Materialien unterstützen Menschen, sich zwischen unterschiedlichen Situationen und Räumen zu bewegen?

Ausgangspunkt für den Entwurfsprozess sind fiktive Szenarien, in denen sich Menschen in unterschiedlichen Extremen bewegen. Teilnehmende entwickeln aus der Recherche Konzepte für eigene Entwürfe. Dabei liegt der Fokus auf Funktionalität, Schutz und Ästhetik im Kontext von Bekleidung.

Die Entwürfe werden im zweiten Teil des Projekts umgesetzt. Dazu stehen folgenden Aspekte im Fokus: Welchen Einfluss hat die ursprüngliche Funktion von Kleidungsstücken auf das finale Design? Wie können sie unterschiedlichen Situationen angepasst werden? Welche Details sind maßgeblich? Welche Materialien werden prinzipiell verwendet?
Und wie vervollständigen Acessoires die Entwürfe?

Bei der Übersetzung der entwickelten Szenarien und Konzepte in modische Entwürfe bildet die Auseinandersetzung mit Kleidungsstücken und Accessoires aus dem Kontext von funktionalem Design die Grundlage. Passend zu den jeweiligen Szenarien werden Kleidungsstücke ausgewählt, um mit Methoden der Variation und Veränderung an ihnen zu experimentieren. Im weiteren Verlauf des Projekts werden aus den Experimenten Prototypen konstruiert, eine Kollektion entwickelt und ein Outfit ausgearbeitet und umgesetzt.

Im Rahmen des Seminars ist ein Workshop zur Entwicklung von Accessoires in Verbindung mit Kleidungsstücken geplant, ebenso eine Recherchereise nach Berlin.

Dieses Seminar greift das Prinzip des Zirkeltrainings aus dem Sport auf und überträgt es auf künstlerische Prozesse. Im Mittelpunkt steht nicht körperliche Kondition, sondern die Stärkung kreativer Fähigkeiten und der Wahrnehmung. Die Teilnehmenden durchlaufen verschiedene Stationen, an denen unterschiedliche Techniken und Herangehensweisen erprobt werden: von experimentellen Materialstudien über Metall- und Holzverarbeitung, 3D-Druck und textile Gestaltung bis hin zu freiem Arbeiten in Material-Mischformen.

Neben dem praktischen Erlernen von künstlerischen und handwerklichen Techniken richtet sich der Blick auf den künstlerischen Prozess selbst: Wie beginne ich? Woher kommen Ideen? Welche Rolle spielen Material, Zufall, Zweifel oder das Ungewisse? Wann ist ein Werk „fertig“ und wie lässt es sich überzeugend präsentieren?

Kurze theoretische Inputs und künstlerische Positionen begleiten die Praxis. Dabei wird auch das Konzept des „Fit-Seins“ im künstlerischen wie im gesellschaftlichen Kontext reflektiert und kritisch befragt.

Interdisziplinäre Arbeit in der Kunst bedeutet die disziplinübergreifende Umsetzung von Ideen ohne Einschränkung auf bestimmte Medien. Jedes Vorhaben entwickelt sich frei und geht Wagnisse ein. Spannend sind die Bereiche, welche die eigene „Kompetenz“ überschreiten und die Schaffenden auf neue Wege führen. Hierbei beginnt ein Neu-Lernen oder auch ein Vernetzen. In diesem Kontext sind das Eingehen künstlerischer Allianzen, das Ausprobieren von Kooperationen, die Entdeckung unbekannter Materialien, das Ziehen von Querverbindungen zwischen den Disziplinen sowie ein hohes Maß an Neugierde vermutlich die wichtigsten Fundamente. „Try Again. Fail Again. Fail Better.“ - so formuliert es Samuel Beckett.

In diesem Seminar werden die nähere Umgebung, künstlerische Impulse und die individuellen Interessensgebiete der Studierenden erkundet. Der Fokus liegt auf dem eigenen, freien und praktischen künstlerischen Prozess. In Form von Rechercheaufgaben und Referaten werden zusätzlich die Positionen zeitgenössischer Architekt:innen, Designer:innen, Fotograf:innen, Künstler:innen und Künstler:innenkollektive betrachtet und diskutiert.

Ausgehend von traditionellen analogen Entwurfs- und Darstellungsmethoden (Zeichnung, Malerei, Collage, Objekt und Modell) nähern sich die TeilnehmerInnen unbekannten Gestaltungsmitteln und erforschen mit experimentellen Ansätzen spezifische mediale, zeitbasierte Ausdrucksmöglichkeiten (Animation, Videomontage, mediale Rauminszenierung mit Projection Mapping) Im Zentrum der Aufmerksamkeit steht bei allen Aufgaben der Atelierraum als Objekt und gestaltbares Volumen. Mit Methoden des künstlerischen Mappings und der Performance wird die unmittelbare Umgebung ästhetisch erkundet und dabei die eigenen Wahrnehmungskapazitäten im Spannungsfeld von Körper und Raum geschärft.

In diesem Seminar arbeiten wir im analogen Fotolabor, und mit Texten im Seminarraum. Die Praxis am Ursprungsort der Fotografie soll die Erfahrung von Konzentration, Gemeinschaft und ein Erleben des direkten Schaffens ermöglichen.

Ergänzend werden gemeinsam Texte zur Geschichte und Bedeutung der Fotografie gelesen, aus denen sich eine Perspektive für die heutige Zeit entwickeln lässt.

Das Seminar findet zum Teil in Blockzeit statt. In den praktischen Teil ist ein Workshop von Marc Stache integriert. Seine Publikation „Analog Fotografieren und Entwickeln“ findet ihr in der Bibliothek. Die Studierenden des Seminars nehmen alle an seinem Workshop teil. Marc Stache unterrichtet fortgeschrittene SW-Printtechnik (Splitgrade, Tonung, Retusche) und experimentelle Verfahren wie Cyanotypie o.ä. Er ist offen für eure Wünsche.
Vorkenntnisse: Ihr solltet eine Einführung in das Labor haben. Ansonsten ist das Seminar für alle Level geeignet. Der Workshop wird als Teil des Seminars belegt.

Termine: Mittwochs 10-15 Uhr. Blocktermine (Workshop) am 24. + 25. Oktober und
21. + 22. November
Die Zeitangaben sind inklusive der Pausen

Während der Seminare des Wintersemesters, aber auch im Anschluss an die Veranstaltungen besteht die Möglichkeit, in gemeinsamen Diskussionen oder in Kleingruppen die Strategien, Methoden und Ziele bzw. Zielgruppen von BA- und MA-Projekten zu besprechen. Die thematische und strukturelle Koordinationen findet donnerstags statt.

Dieses Angebot dient in erster Linie der kontinuierlichen Entwicklung Eurer individuellen Masterprojekte, sofern sie mit Zeichnung und Illustration zu tun haben. In alternierenden Einzel- und Gruppenterminen (nicht wöchentlich aber regelmäßig!) sprechen wir über den konkreten Fortschritt und gestalterischen Entwicklungsprozess Eurer Arbeit. Darüber hinaus kann der MA-Kolloquientermin Gelegenheit bieten, sich um allgemeines , spannendes, interessantes, aktuelles im Bereich Zeichnung und Illustration auszutauschen.

Erstes Treffen: 30. September, 17:00 Uhr
Das Kolloquium findet alle zwei Wochen zu folgenden Terminen statt:
30.9.2025
14.10.2025
28.10.2025
11.11.2025
25.11.2025
9.12.2025
13.12.2025

Die individuellen Themen und Inspirationsquellen der Masterprojekte werden in Einzelgesprächen und Gruppenpräsentationen diskutiert und weiterentwickelt.
Bei Interesse bitte bei mir melden.

Offene Werkstatt begleitend zur Umsetzung der Entwürfe aus dem Seminar EXTREM.
Wie genau wir vorgehen wird bei der vertiefenden Vorbesprechung am 29.09. um 11 Uhr erklärt.
Dieses Modul umfasst (anders als unten angegeben) 3 SWS Kontaktzeit

Im Seminar reFORM geht es darum, Dinge anders zu denken: Bestehendes zu hinterfragen, neue Wege zu gehen und Modedesign weiterzuentwickeln, sowohl inhaltlich als auch formal.

Der Begriff „Reform“ steht dabei für eine Haltung zwischen Tradition und Innovation mit dem Fokus auf Veränderung, Wandel und gestalterische Freiheit.
Diese Haltung wird im Seminar auf Mode übertragen; künstlerisch, experimentell und körperbezogen.

Mithilfe von Drapage, Dekonstruktion und Neuordnung entstehen Silhouetten und Formen, die sich bewusst von Konventionen lösen. Im Seminar steht dabei die Drapage als ein gestalterisches Werkzeug im Mittelpunkt, das direkt am Körper angewendet wird und neue Zugänge zum dreidimensionalen Entwerfen eröffnet.
Der unmittelbare Umgang mit Material schafft Raum für intuitives, räumliches und handwerklich geprägtes Arbeiten fernab standardisierter Methoden oder fester Schnittmuster. Diese offene Herangehensweise ermöglicht individuelle und spannende gestalterische Lösungen.

Je nach Studienfortschritt erfolgt eine grundlegende Einführung (3.–4. Semester) oder eine vertiefende Auseinandersetzung (5.–6. Semester und Master).

Im Seminar werden unterschiedliche Drapagetechniken praktisch erprobt. Dabei entwickeln sich individuelle Silhouetten, klassische Details werden neu gedacht und weitergeführt, und es entstehen gestalterisch eigenständige, innovative Entwürfe.
Die Arbeit am Körper wird durch digitale Entwurfskollagen ergänzt, mit denen gestalterische Ideen weiterentwickelt und verdichtet werden. Am Ende entsteht eine digitale Broschüre, die den Prozess dokumentiert und die individuelle gestalterische Haltung sichtbar macht.

Das Seminar findet in Kooperation mit dem Seminar Drapiertechnik von Dinara Nenortaite statt; eine parallele Belegung beider Seminare ist vorgesehen.

Modefotografie/ Modefilm

Das Morgen im Visier - von der Inspiration zur Umsetzung

Es scheint einfach: coole Klamotten, coole Location, coole Models – und ab zur Vogue.
Aber ist es das?

Dieses Seminar ist eine Einführung in die Welt der Modefotografie. Von der Entwicklung der Modefotografie und des Modefilms bis heute, anhand von Beispielen und Übungen. Was macht eine gute Modestrecke aus? Was sind die wesentlichen Elemente? Was bedeutet Zeitgeist im Modekontext? Ideen - und Konzeptentwicklung stehen im hier Vordergrund.
Wöchentliche Übungen sind ein wichtiger Teil des Unterrichts und eine Hinführung zu einer Modestrecke, einem Editorial. Alternativ kann hier auch im Bewegtbild gearbeitet werden. Das Seminar ist sehr arbeitsintensiv.

An zwei Wochenenden (25.-26.10. und 29.-30.11.) gibt es einen Lichtworkshop im grossen Fotostudio, die Teilnahme ist verpflichtend und gehört zum Kurs.

Das Seminar als Weiterentwicklung: es ist möglich, den Kurs ein zweites Mal zu belegen, hier wird entsprechend auf eine Vertiefung des Editorials bzw. des Modefilms eingegangen.

Aufbauend auf den Inhalten des Kurses Pattern Cutting Basics vermittelt dieser Kurs weiterführende Ansätze der Schnittgestaltung im Modedesign. Im Fokus stehen die Entwicklung komplexerer Schnittmodifikationen sowie deren fertigungstechnische Umsetzung, insbesondere im Hinblick auf unterschiedliche Jacken- und Oberteilformen.

Ein weiterer Schwerpunkt liegt auf der Einführung in die 3D-Simulationssoftware CLO3D, die als kreatives Werkzeug zur Visualisierung von Schnittideen und Bekleidungsvarianten eingesetzt wird. Analoge Schnitte werden digital aufbereitet und dreidimensional dargestellt, um Schnittkonzepte anschaulich zu visualisieren und den Entwicklungsprozess effizienter sowie nachhaltiger zu gestalten.

Aufbauend auf den Inhalten des Kurses Pattern Cutting Basics vermittelt dieser Kurs weiterführende Ansätze der Schnittgestaltung im Modedesign. Im Fokus stehen die Entwicklung komplexerer Schnittmodifikationen sowie deren fertigungstechnische Umsetzung, insbesondere im Hinblick auf unterschiedliche Jacken- und Oberteilformen.

Ein weiterer Schwerpunkt liegt auf der Einführung in die 3D-Simulationssoftware CLO3D, die als kreatives Werkzeug zur Visualisierung von Schnittideen und Bekleidungsvarianten eingesetzt wird. Analoge Schnitte werden digital aufbereitet und dreidimensional dargestellt, um Schnittkonzepte anschaulich zu visualisieren und den Entwicklungsprozess effizienter sowie nachhaltiger zu gestalten.

Die offene Modewerkstatt bietet Raum für Hilfestellungen bei Fragen zur schnittgestalterischen Umsetzung und Fertigung von Gestaltungsprojekten.
Darüber hinaus können in der offenen Werkstatt Aufgabenstellungen der Technikkurse vertieft und angewandt werden.

Zur Teilnahme hängen Listen am Werkstatteingang aus.

Vorlesungen zur Geschichte der Schrift, der Drucktechniken und des Grafikdesigns. Die Vorlesungen finden im Rahmen des Kurses Grundlagen Typografie I statt und gehören für Erstsemester integral zu diesem Pflichtmodul. Darüber hinaus stehen sie allen Studierenden des Fachbereichs Gestaltung offen. Ein Leistungsnachweis kann nicht erworben werden.

01 — 08. Oktober 2025
Schreiben.
Ursprünge der Schrift bis zu den Griechen

02 — 15. Oktober 2025
Schrift & Buch.
Römer, Spätantike, Frühmittelalter

03 — 22. Oktober 2025
Kalligrafie & Typografie.
Renaissance bis Klassizismus

04 — 29. Oktober 2025
Lettering & Fancy Fonts.
Öffentlicher Raum und Werbung

05 — 05. November 2025
Modern Style & Moderne.
Experiment, Komposition, Raster

06 — 12. November 2025
Revolutionen.
Postmoderne, Jugendkulturen, Digitalisierung

Lehrender: M. Des. Fritz Grögel
Ort: Audimax
Tag: mittwochs, wöchentlich vom 08.10. bis zum 12.11.
Zeit: 12:15 bis 13:45 Uhr

In diesem Seminar findet die Begleitung und Entwicklung der BA- oder MA-Arbeiten statt, die durch mich betreut werden. In regelmäßigen Treffen diskutieren wir in der Gruppe der Teilnehmenden den Arbeitsstand. Dabei gehen wir individuell auf die einzelnen Projekte ein und profitieren der gegenseitigen Kritik. Die Treffen finden im zweiwöchentlichen Rhythmus statt.

Donnerstags von 14-18 Uhr sind die Buchbinderei, der Bleisatz und die analogen Druckwerkstätten im Keller für Euch geöffnet. Es gibt ein wöchentlich wechselndes Programm, bei welchem Ihr unterschiedliche Buchbinde- und Drucktechniken unter Anleitung erlernen könnt. Während in der einen Werkstatt ein angeleitetes Programm stattfindet, kann in den jeweils anderen Werkstätten frei gearbeitet werden.

Die Themen der einzelnen Termine findet Ihr als Aushang an der Tür der Buchbinderei und der offenen Druckwerkstätten. Wenn Ihr Interesse an der Arbeit in den offenen Werkstätten habt, kommt bitte zum ersten Termin am 9.10., dort findet die Sicherheitseinweisung statt, die Voraussetzung für das freie Arbeiten ist.

Nutzt den offenen Donnerstag gerne auch zur frühzeitigen Beratung Euerer Semesterprojekte und für die Dummyproduktion! Das Team der Buchbinderei und der Druckwerkstätten freut sich auf ein produktives und inspirierendes Semester und viel gemeinsame Aktion mit Euch!

Termine der offenen Werkstätten (Buchbinderei, Linolschnitt, Bleisatz):
Alle Werkstätten sind jeden Donnerstag von 14-18 Uhr geöffnet und können nach einer ersten Einweisung genutzt werden! Wer bislang noch nicht in den Werkstätten gearbeitet hat und dies für das Wintersemester 2025/2026 plant, kommt bitte zum ersten Termin am 09.10. um 14 Uhr. Dort findet die Werkstatteinweisung statt, die Voraussetzung zum Arbeiten in den Werkstätten ist!

In jeweils einer Werkstatt findet im wöchentlichen Wechsel eine Technik-Einführung statt. Hier könnt Ihr unter Anleitung z.B. eine neue Buchbindetechnik erlernen oder etwas im Bleisatz drucken.

Im Wintersemester 2025/2026 gibt es folgende Techniktermine:

09.10. Buchbinderei: einfache Fadenheftung & Leporello

16.10. Buchbinderei: Klebebindung

23.10. Buchbinderei: mehrlagige Fadenheftung

30.10. japanische Bindung

06.11. Bleisatz

13.11. Buchbinderei: Softcover

20.11. Buchbinderei: Hardcover

27.11. Linolschnitt: verschiedene Techniken für mehrfarbige Linoldrucke

04.12. Buchbinderei / Linolschnitt / Bleisatz: Veredelungstechniken

11.12. Projektberatung

18.12. Projektberatung

Für die Teilnahme braucht Ihr Euch nicht anmelden, kommt einfach vorbei!

Der Workshop ist eine Starthilfe für Erstsemester aus Kommunikationsdesign.
Wir steigen ein in die wichtigsten Tools für den Bereich Kommunikationsdesign:
Wann benutzt Ihr Photoshop, Illustrator, oder InDesign und wie ergänzen sie sich sinnvoll?

Im Workshop lernst du die Unterschiede kennen, verstehst die jeweiligen Stärken und bekommst einen Überblick, wann welches Tool am besten eingesetzt wird.
So verschaffst du dir Orientierung und kannst deine Projekte effizient planen und umsetzen.

Du lernst die grundlegenden Funktionen von Photoshop (Bildbearbeitung), Illustrator (Vektorgrafiken) und InDesign (Layout) kennen und übst, wie sich die Programme im Zusammenspiel nutzen lassen.
Anhand praxisnaher Übungen wendest du das Gelernte direkt an und legst so eine solide Basis für eigene Projekte und die kommenden Semester.

VORAUSSETZUNGEN
Bitte baldmöglichst ein eigenes Laptop anschaffen, das ausgelegt ist für Grafiksoftware.
Und die genannten Programme der Creative Cloud abonnieren.

Überbrückung für Studierende ohne Laptop:
Im Raum 206 stehen iMacs

Überbrückung für Studierende noch ohne Adobe-Lizenz:
Bitte den Login für das lokal installierte Adobe CC (Shared Device Lizenz) freischalten in der Benutzerverwaltung:
www.hsbi.de/benutzerverwaltung
Dort: Software > Adobe > der Lizenz zustimmen.
Am iMac einloggen mit der HSBi-Mail.

Für Studierende mit eigener Adobe-Lizenz:
Einfach an den iMacs im 206 einloggen, oder am eigenen Laptop.

Ergebnis des Workshops
Zwei praxisorientierte Aufgaben (um das Gelernte eigenständig anzuwenden)
mit einer kurzen Präsentation am Ende des Workshops.

VORAUSSICHTLICHE TERMINE
Immer 18:00 bis 19:30 Uhr

Mi 22.10.
Mi 29.10.
Mi 5.11.
Mi 12.11.
Mi 19.11.
Mi 26.11.
Mi 03.12.
Mi 10.12.

Im Rahmen der Offenen Werkstatt reFINE besteht die Möglichkeit, individuelle Fragen zur Designentwicklung und zur Realisation von Outfits zu besprechen und den Entwurfsprozess kontinuierlich und praxisnah zu begleiten.
Im Mittelpunkt stehen die Vervollständigung von Entwürfen zu präsentierfähigen Looks sowie die Entwicklung eines relevanten Stylings für die fotografische Inszenierung der Entwürfe. Dabei geht es nicht nur um handwerkliche Umsetzung, sondern auch um gestalterische Klarheit, Aussagekraft und ein sich stimmig ergänzendes Gesamtbild.
Das Angebot richtet sich insbesondere an Studierende des Kurses reFORM, ist aber grundsätzlich offen für alle, die an der Finalisierung und Präsentation ihrer Projekte im Bereich Modedesign arbeiten möchten.

Um Filme zu erstellen, muss man Vorstellungen und Fähigkeiten haben, um aus textlichen Vorlagen (Drehbuch oder literarische Vorlage) Erzählungen mit Bildern und Tönen zu generieren. Das ist traditionell die Arbeit von Regie und Kamera und ist Teil des Storytellings mit Bildern. Doch wie macht man das genau? Wie entstehen aus Texten Bilder und welche Gesetze und Regeln müssen dabei beachtet werden? Aus welcher Perspektive erzähle ich? Brauche ich immer ein Storyboard? Wie übersetze ich eine Szene aus einem Drehbuch in eine Sequenz von Einstellungen und wie kommuniziere ich das am Set mit dem Team und den Darstellern und Darstellerinnen?

Wir erarbeiten einerseits auf der Basis von vorhandenen Drehbüchern kurze Shotlists, also Auflösungen der Szenen. Wir lernen, mittels Wahl von Handkamera oder aufeinander folgende statische Einstellungen, was man beachten muss, damit man die einzelnen Einstellungen schneiden kann, ohne dass es zu Continuityproblemen, Irritationen oder Achsensprüngen kommt.
Wir werden außerdem kurze Szenenfolgen aus bekannten Serien und Filmen 1:1 nachstellen und lernen, was es heißt, mit der Kamera, mit Bewegung und mit Licht zu erzählen.

Das große übergeordnete inhaltliche Thema in diesem Seminar ist die Gastrosophie, also die Bedeutung, die Nahrung, Essen, Ernährung für uns, die Gesellschaft und die Natur haben. Seien es Tischsitten, sei es die Zubereitung oder das Verspeisen von Nahrung, sei es das Jagen, das Sammeln, das Fasten, das Hungern, das Zunehmen, das Abnehmen, die Völlerei, das sinnliche Vergnügen, die Maßlosigkeit, Allergien, das Einkaufen und im Supermarkt-an-der-Kasse-Stehen, Massentierhaltung oder fragwürdige agrarindustrielle Produktionsmethoden – all das soll uns inhaltlich für die Semesterbeiträge inspirieren, während wir das kreative Handwerk des Filmemachens kennenlernen.

Für die Teilnahme an diesem Seminar sind Vorkenntnisse des Filmemachens erforderlich. Es wird dringend empfohlen, das Videotechnik Einführungsseminar bei Frank Spreen-Ledebur oder Benjamin Rohde besucht zu haben.

Dieses Seminar kooperiert mit Anna Zikas Theorie-Seminar
»Ihre Frau isst wohl gerne scharf?«
Prof. Dr. Anna Zika
Mi, 10:00–12:15 Uhr
Raum 305
Es wird empfohlen, beide Veranstaltungen zu besuchen. Dies ist aber nicht verpflichtend.

Im Seminar werden Storytelling, Storydesign und Illustration für informative Bewegtbildformate im Kontext Museum vertieft.
Es werden Grundkenntnisse in der Animation vermittelt, daher sind keine Vorkenntnisse in Animation/Motion Design erforderlich. Fortgeschrittene sind jedoch herzlich willkommen.
Im Seminar soll die Zusammenarbeit im interdisziplinären Kontext erprobt und geübt werden.

Im Archäologischen Freilichtmuseum Oerlinghausen wird derzeit ein neuer Ausstellungsort und ein E-Learning-Konzept für 15-18jährige zum Germanengehöft und der eigenen NS Geschichte entwickelt.
In Kollaboration mit dem Museum erarbeiten wir hierfür animierte Erklär- oder Dokumentarfilme.

Das Museum wurde als Germanengehöft im Olympiasommer 1936 als erstes germanisches Freilichtmuseum der Welt eröffnet. Präsentiert wurde damals ein radikal neues, „junges“ Germanenbild, das stärker an der Wissenschaft orientiert war als das der Weimarer Republik. Dieser reklamierten Wissenschaftlichkeit stand die totale Ideologisierung der Inhalte gegenüber. Das Programm endet nicht 1945. Denn die extreme Rechte nutzt das Thema Germanen bis heute intensiv zur Rekrutierung von Jugendlichen. Mit dem erweiterten Ausstellungskonzept soll manipulativen Methoden Information und Aufklärung entgegen gesetzt werden.

Software: After Effects, TVPaint, Dragon Frame, Premiere, Photoshop

Literatur:
Karl Banghard: Die wahre Geschichte der Germanen

Das Seminar findet 14tägig statt.

Termine:

L23 Lina Walde Animation 1
Geplant: 06.10.2025, 14:00 bis 19:30, MESZ
Ort: R203 14T

L23 Lina Walde Animation 2
Geplant: 20.10.2025, 14:00 bis 19:30, MESZ
Ort: in Oerlinghausen

L23 Lina Walde Animation 3
Geplant: 27.10.2025, 14:00 bis 19:30, MEZ
Ort: R203

L23 Lina Walde Animation 4
Geplant: 17.11.2025, 14:00 bis 19:30, MEZ
Ort: R203

L23 Lina Walde Animation 5
Geplant: 01.12.2025, 14:00 bis 19:30, MEZ
Ort: R203

L23 Lina Walde Animation 6
Geplant: 15.12.2025, 14:00 bis 19:30, MEZ
Ort: R203

Projektbetreuung und Prüfungsvorbereitung online
Geplant: 05.01.2026, 14:00 bis 19:30, MEZ
Ort: R203

L23 Lina Walde Prüfung
Geplant: 12.01.2026, 14:00 bis 19:30, MEZ
Ort: Prüfung R203