In diesem Seminar geht es um den Einstieg in die professionelle Videoproduktion und Postproduktion.

Für Jahrzehnte war der Zugang zu hochwertiger Produktionstechnik aufgrund der enormen Kosten nur einem kleinen Kreis professioneller Anwender vorbehalten.
Durch den technischen Fortschritt und die damit einhergehende digitale Demokratisierung medialer Produktionsmittel stehen nun unzählige flexible und hochwertige Tools einem großen Teil unserer Gesellschaft zur Verfügung. Auch die enormen technischen Fortschritte der letzten Zeit senken die Einstiegshürden in die Videoproduktion durch KI- gestützte Smartdevices und per Machinelearning immer weiter optimierter Module längst etablierter Postproduction- Software. 

Obwohl oft bereits vieles mit den neuen KI-Tools möglich ist, so ist für gute und reproduzierbare Ergebnisse ein fundiertes videotechnisches Grundlagenwissen wertvoll, um anspruchsvolle Projekte zuverlässig durchführen und dabei die idealen Werkzeuge für den Job auswählen zu können. Sofern man nicht nur im „FullAutoMode“ arbeiten möchte, geht die große Vielfalt an technischen Möglichkeiten damit insgesamt auch mit einer hohen Komplexität der Werkzeuge im Zusammenspiel einher, wenn man die klassischen mit den KI- gestützten Optionen kombinieren möchte.

Dieses Technik- Seminar richtet sich an alle Studierenden am Fachbereich Gestaltung ab Level 2, die einen fundierten Einstieg in die souveräne Nutzung moderner Kameras, Tontechnik und Software zur Postproduktion bekommen wollen. Dabei spielt es keine Rolle, ob ihr ganz am Anfang steht, oder schon etwas Wissen mitbringt, ob ihr euch für Hochglanz- Werbeclips, Musikvideos, Reportagen, Live- Video oder Medienkunst und Installationen interessiert.
Ihr werdet in einem Semester mit viel Input aus Theorie und Praxis den Umgang mit den professionellen Videokameras, Systemkameras, Mikrofonen, Audiorecordern, diversen Kabeltypen, Signalkonvertern und umfangreichem Zubehör aus dem Leihbestand des Fachbereichs kennenlernen und dabei schließlich auch eure eigenen „Videodevices“ souveräner nutzen können.

In der zweiten Hälfte des Kurses geht es in die Postproduktion.
 In mehreren Sitzungen bekommt ihr eine praxisnahe Einführung in Blackmagic Design DaVinci Resolve, Apple Final Cut Pro und Adobe Premiere Pro. Darüber hinaus wird es um Formate, Codecs, Dateiorganisations- und Sicherungsstrategien, Exporteinstellungen und – wenn nötig und sinnvoll – um die Entschlüsselung kryptischer Fachbegriffe gehen.

Am Ende des Seminars sollt ihr in der Lage sein, möglichst schnell und sicher sinnvolle Einstellungen für eure Projekte in Hard- und Software zu setzen, um euch voll und ganz auf die Gestaltung eurer Werke konzentrieren zu können.

Ziel:
Die Erstellung eines einfachen Druckerzeugnisses (Postkarte) über den gesamten Weg der Fotografie bis zum professionellen Offsetdruck soll vermittelt und teilweise selbständig erarbeitet werden.
Der professionelle Umgang mit den entsprechenden Werkzeugen und eine professionelle Präsentation der eigenen Arbeit sind die Hauptziele dieses Kurses.

Inhalte:
Vermittelt werden sollen grundsätzliche Techniken der entsprechenden Software, Vorbereitung auf ein einfaches Druckerzeugnis, grundsätzliches Farbmanagement sowie (falls nötig) fotografische Kenntnisse.

Methoden:
Die Vermittlung findet über einen festgelegten Seminartermin sowie Aufgaben, die zu festgelegten Terminen bearbeitet sein müssen, statt.

Voraussetzungen:
Studenten der Studienrichtung Fotografie müssen den Grundlagenkurs absolviert haben.
Studenten aus den anderen Studienrichtungen müssen bereit sein, sich kurzfristig fotografisches Wissen anzueignen.

Ziel:
Erstellung eines CD-Covers mit Präsentationsbroschüre (making-of)

Inhalte:
Vermittelt werden die Software-Anwendungen im  fotografischen (PS) und grafischen (AI) sowie dem Layout-Bereich (ID), die für die Erstellung eines CD-Covers notwendig sind.
Weiterhin geht es um den Umgang mit der digitalen Fotografie, sowie die Anwendung von Farbmanagement (Umgang und Anwendung von ICC Profile) bis zum erstellen druckfähigen PDF-Dokumenten.

Methoden:
Die Vermittlung findet über einen festgelegten Seminartermin, sowie Aufgaben, die zu festgelegten Terminen bearbeitet sein müssen.

Das BA-Abschlusskolloquium im Lehrgebiet Zeichnung & Illustration ist als regelmäßiger Termin für alldiejenigen gedacht, die in diesem Semester ihre BA-Abschlussarbeiten von mir betreuen lassen. Je nach Bedarf können wir in Einzelgesprächen aber auch in kleiner Runde mit den anderen Abschluss-Studierende über Eure Projekte reden und Ideen und Variationen entwickeln und Probleme lösen.

Dieses zweiwöchentlich stattfindende Kolloquium widmet sich der Besprechung und Korrektur von Bachelorabschlussarbeiten, die sich schwerpunktmäßig mit Themenfeldern wie Typografie, Buchgestaltung, Editorial Design, Publishing, Information Design und Ausstellungsdesign auseinandersetzen.

Hinweis zur Betreuung von B.A.-Abschlussarbeiten
Vor einer Betreuungszusage erwarte ich die Zusendung von einem (Haupt-) Thema und möglichst zwei weiteren Alternativthemen. Bei allen Leuten, die ich nicht gut aus dem Studium kenne, setze ich zudem eine Präsentation der wichtigsten Studienarbeiten (Portfolio) und ein persönliches Gespräch als Betreuungsbedingungen voraus. Themenvorschläge (Haupt- und Alternativthemen) für den B.A.-Abschluss sollten je auf etwa einer halben oder ganzen A4 Seite kurz beschrieben werden, reine Überschriften sind schwer zu beurteilen.

B.A.-Abschlussarbeiten für reale Auftraggeber sind prinzipiell möglich. Grundsätzlich sehe ich solche Abschlussarbeiten jedoch mit einer gewissen Skepsis, da ein Abhängigkeitsverhältnis zu Kompromissen bei Konzept und Gestaltung (und damit zu einer schlechteren Benotung der Abschlussarbeit) führen kann. Erscheinungsbilder für die eigene Firma (oder die Firma der Eltern o.ä.) betreue ich wegen mangelnder Distanz nur in begründeten Ausnahmefällen.

Für einen Themenvorschlag (Kurzexposee) reicht eine Beschreibung der wesentlichen Punkte bzw. eine Beantwortung der zentralen Fragestellungen (Wer? Was? Wem? Warum? Wie? Wo? Wann?) aus. Für eine selbständige Abschlussarbeit ist die Klärung der Fragen ›Warum?‹ und ›Wie?‹ von zentraler Bedeutung, weil es dabei um die persönliche Motivation (Haltung) und die gestalterische Umsetzbarkeit der Idee (Darstellung) geht.

Die Kurzexposees sind wichtig für eine objektive Entscheidungsfindung bei der Themenwahl. Es hilft nicht zuletzt dabei die passenden Betreuer:innen/Prüfer:innen zu finden. Ich bitte um die Zusendung von mind. einem ausführlicher beschriebenen Themenvorschlag (Hauptthema, ca. 1 A4 Seite), die möglichen Alternativthemen können etwas kürzer beschrieben werden (ca. 1/2 A4 Seite). Gerne übernehme ich die Betreuung von B.A.-Arbeiten, wenn das Thema passt, d.h. ich das Thema auch gut betreuen kann. Bei weiteren Fragen bitte ich um eine Nachricht per E-Mail.

Ich biete zweiwöchentliche Kolloquien für die kontinuierliche Bearbeitung und Konkretisierung Eures Bachelor-Projektes an.

Willkommen sind alle Studierende aus Kommunikationsdesign und bei interdisziplinären Vorhaben gerne auch Digital Media and Experiment, Fotografie und Bildmedien und Mode.

Ich betreue Abschlussprojekte aus diesem Spektrum:

• Kommunikationsdesign allgemein
• Interface Design (Websites, Apps, Dinge)
• Interaction Design
• Experience Design
• Advertising und digitales Brand Design
• Web Design, Vernetzte Objekte
• Voice Interaction
• Mixed Reality
• Artificial Intelligence
• Interdisziplinäre, künstlerische und experimentelle Projekte mit digitalen Anteilen.

INHALTE
In Einzelgesprächen, gemeinsamer Diskussion, Kreativworkshops und Zwischenpräsentationen werden

• Ideen konkretisiert
• Fragestellungen geschärft
• Recherchen vertieft/ausgerichtet
• Konzeption und Zielgruppenausrichtung verfeinert
• Gestaltung ausdetailliert
• Präsentation und Storytelling durchdacht
• Ausstellung und Inszenierung geplant

SLACK WORKSPACE
Für Austausch, Feedback, Fragen.
Bitte mit der HSBI-Mail beitreten:
bachelorprojekt-stolz.slack.com

Im Rahmen dieses zweiwöchentlich stattfindenden Kolloquiums werden die Konzeption und Entwicklung der BA-Abschlussarbeit behandelt.

Erster Termin ist am 26.9., 16 Uhr in Raum 114.

Die Module ›Betriebswirtschaft‹ und ›Existenzgründung‹ werden im Wintersemester 2023/24  im Wechsel angeboten. Beide Module sind inhaltlich miteinander verzahnt, aber auch so angelegt, dass sie einzeln bzw. getrennt absolviert werden können. Die Veranstaltung wird in Kooperation mit Prof. Dr. Tim Kampe und dem Center for Entrepreneurship durchgeführt. 

Betriebswirtschaft (2 SWS)
Das Modul ›Betriebswirtschaft‹ (Dozent: Moritz Mey) vermittelt die notwendigen Grundkenntnisse und -fertigkeiten, die Kreativunternehmer:innen in Unternehmen oder im Rahmen einer Existenzgründung benötigen. Die Veranstaltung wird als Seminar gehalten, d.h. es bleibt neben der Vermittlung von Inhalten ausreichend Raum für Diskussionen und Fragen. 

Themen

• Grundlagen BWL, Ökonomisches Prinzip
• Rechtsformwahl bzw. Gesellschaftsformen
• Grundlagen des (strategischen) Managements
• Besonderheiten Dienstleistungs- und Kreativmanagement
• Marketing und Vertrieb
• Steuerliche Grundlagen (Umsatzsteuer, Ertragsteuer)
• Sozialversicherung (Künstlersozialkasse)
• Grundlagen des Rechnungswesens: Einnahmen- Überschussrechnung vs. Buchführung/Bilanzierung Kostenrechnung, insbes. Kostenträgerrechnung (Kalkulation)
• Grundlagen Investition und Finanzierung
• Projektmanagement
• Personalmanagement
• Business Plan

Existenzgründung (2 SWS) 
Das Modul ›Existenzgründung‹ wird als Workshopreihe vorrangig von Mitarbeitenden des ›Center for Entrepreneurship‹ der Hochschule Bielefeld (CFE), aber auch externen Expert:innen gehalten. Aktive Mitarbeit und rege Beteiligung ist auch hier ausdrücklich erwünscht.

Es werden Fertigkeiten, Techniken und Methoden vermittelt, die eine konkrete Unternehmens- oder Existenzgründung ermöglichen. Aber auch Detailfragen aus dem Arbeitsalltag einer Festanstellung werden geklärt: Bildrechte, etc.

Themen

• Grundlagen der Existenzgründung und Einführung
• IKIGAI – was will ich eigentlich?
• Von der Idee zum Geschäftsmodell in 90 Minuten – Grundlagen des Business Model Canvas Gründen in OWL – Ökosystem und Fördermöglichkeiten
• Gründen Frauen anders? Und: Chancen für Mikro-Unternehmen
• Rechtliche Aspekte der Existenzgründung
• Werkstattberichte: So haben wir gegründet 

Im Rahmen des neuen Masterschwerpunkts »Brand Identity« wird das Module Mastererweiterung zweigleisig angeboten: Zum einen beschäftigen wir uns mit „Generativer Gestaltung“. Zum anderen werden wir uns mit der Weiterentwicklung des Konzepts der CXI Konferenz befassen. Beide Stränge werden miteinander verknüpft bearbeitet.

An diesem MA-Seminar können in begrenztem Maße auch L3-Studierende teilnehmen.

Bitte vormerken: am 9./10.11. wird eine seminarbegleitende Agentur- und Unternehmens-Exkursion nach Hamburg durchgeführt. Vier der Agenturen stehen bereits fest (EIGA, Peter Schmidt Group, Mutabor, Sherpa Design) – für die verbleibenden zwei Slots freue ich mich über Eure Vorschläge.

Bei Interesse bitte über diesen Link anmelden – und natürlich zur Einführungsveranstaltung am 4. Oktober um 11 Uhr kommen. Die Einführung findet abweichend am Mittwoch statt (regulärer Seminartag ist Montag!).

Die Vorträgen der »Deep Dive«-Reihe am Montag sind Teil des Seminars. Bisher feststehende Termine: 23.10. und 6.11. jeweils um 14 Uhr.

CXI-KONFERENZ
Die CXI Konferenz wird von der Hochschule Bielefeld veranstaltet und ist mit knapp 1000 Besuchern die größte europäische Corporate- und Brand-Identity-Konferenz. Jedes Jahr präsentieren die referierenden Unternehmen und Agenturen aus sehr verschiedenen Positionen heraus – und doch gemeinsam – ihre Sicht der Dinge, erläutern Problemstellungen und stellen ihre Lösungswege dar.

GENERATIVE GESTALTUNG
Generative Gestaltung macht es möglich, Brand- und Product-Stories auf eine Art zu inszenieren, die mit den gängigen Mitteln nicht denkbar wären. Gangbar wird dies durch moderne gestalterische Ausdrucks- und Kommunikationsformen, die sich aus der Verschmelzung von Daten, Storytelling, Programmierung, Interaktion und Form ergeben.

Über Patrik Hübner
Als programmierender Gestalter und Kreativdirektor arbeitet Patrik Hübner seit über 15 Jahren an der Schnittstelle von Markenkommunikation und Technologie. Jahrelang im traditionellen Design tätig, entdeckte er 2014 Creative Coding und ist einer der ersten, der die explorative Kreativmethode nutzte, um Branding neu zu denken. Heute arbeitet er als generativer Designer mit internationalen Marken, Agenturen und Kultureinrichtungen zusammen, um einzigartige Markenerlebnisse zu entwickeln, die analoge und digitale Verbindungen zwischen Menschen, Marken und Produkten inspirieren. Zu seinen Kunden gehören u. a. Landor & Fitch, Interbrand, Serviceplan, Wieden+Kennedy, The New York Times, Evian und Lexus. Vorträge hielt Patrik u. a. bei der Deutschen Telekom, IBM, Publicis, The Atlantic ebenso wie bei Universitäten und auf Veranstaltungen wie der re:publica Berlin oder der Dutch Design Week. Seit 2018 wurden seine generativen Arbeiten mit über 30 Awards ausgezeichnet, darunter der ADC Award, der European Design Award, der German Design Award, der D&ADAward, der World Brand Design Award uvm.

Ob Audi, Nike, Oetker oder der Bäcker von nebenan – jedes Unternehmen, jede Organisation, jede Einrichtung, die visuell kommuniziert, verfügt über ein Corporate Design. Mal besser, mal schlechter ausgearbeitet…

Die Entwicklung von Corporate Designs ist daher ein wesentlicher Bestandteil der Arbeit von Kommunikationsdesigner:innen. Aber was genau ist ein Corporate Design? Wie funktioniert es? Und warum? Auf was muss man bei der Entwicklung achten? Was unterscheidet gute von schlechten CDs? … Um die Antworten auf diese und weitere Fragen zu erhalten, lohnt es sich, einen Blick »unter die Haube« erfolgreicher CD-Projekte zu werfen und über ungewohnte Herangehensweisen spannende neue Ergebnisse zu erzielen.

Im Rahmen des Seminars werden deshalb bestehende Corporate Designs zunächst dekonstruiert, um die Mechanik des jeweiligen Corporate Designs zu entschlüsseln. Dann werden mit deren visuellen Basiselementen experimentelle Serien erstellt. Auf diese Weise können deren gestalterischen Möglichkeiten über die gesamte Bandbreite von »expressiv« bis »sachlich« ausgelotet und anschließend neu zusammengeführt bzw. rekombiniert werden. Das Ergebnis dieser Rekonstruktion ist dann entweder eine Weiterentwicklung des ursprünglichen Erscheinungsbildes – oder eine Neuentwicklung? Wir werden es sehen …

Eine wichtige Neuerung: an vier Terminen wird Laif Kardelke Euch das Thema »Motion« näherbringen.

Was Du für dieses Seminar benötigst: Lust auf Detailarbeit und vor allem Spaß am Experiment.

Die Teilnahme an den Vorträgen der »Deep Dive«-Reihe am Montag wird dringend empfohlen. Bisher feststehende Termine: 23.10. und 6.11. jeweils um 14 Uhr.

Bei Interesse bitte über diesen Link anmelden – und natürlich zur Einführungsveranstaltung am 4. Oktober um 10 Uhr in Raum 114 kommen.

Der Indesign-Workshop besteht aus zwei aufeinander aufbauenden Teilen.

Im ersten Teil des Semesters (Workshop 1) werden Grundlagen der Layout-Software Adobe Indesign vermittelt: Einrichten von und arbeiten mit ein- und mehrseitigen Dokumenten, arbeiten mit Text und Bildern, »korrekte« Farben, PDF-Ausgabe.

Im zweiten Teil (Workshop 2) geht es dann um Systematisierung mit Formaten und Variablen für komplexere Projekte wie Magazine und Bücher. Der zweite Teil baut auf den Inhalten des ersten auf, kann mit entsprechenden Grundkenntnissen aber auch unabhängig besucht werden.

Wichtig:
Studierende der Prüfungsordnung 19 haben die Möglichkeit, entweder einen oder beide Teile zu belegen und unterschiedliche Scheine zu bekommen.

Teil 1 oder Teil 2: 3CP-Praxisschein
Beide Teile: 5CP-Technik- bzw. 5CP-Praxisschein

Studierende der Prüfungsordnungen 13 und 16 können nur beide Teile zusammen als 6CP-Technik- bzw. 5CP-Praxismodul belegen.

BredaPhoto ist in Benelux die größte Fotoausstellung und findet alle zwei Jahre in dem niederländischen Breda statt. Während dieser siebenwöchigen Fotoausstellung stellen nationale und internationale Spitzenfotograf*innen ihre Arbeiten aus. Die 11. Ausgabe von BredaPhoto findet vom 12. September bis 03. November 2024 statt. Das international wahrgenommene BredaPhoto- Festival präsentiert im Rahmen der Nachwuchsförderung auch Arbeiten von Studierenden. Dazu ist über die Jahre ein Netzwerk von europäischen Hochschulen geschaffen worden, dem die HS Bielefeld seit ca. 10 Jahren angehört. Weitere Hochschulen sind: LAB Lahti, Finnland, HKU Utrecht, KASK Anvers, KASK Ghent, St. Joost Breda, MOME Budapest, Narafi Brussels und St Lukas Brussels.

In diesem Semester werden wir, wie auch die anderen acht Hochschulen, das Thema des diesjährigen Festivals bearbeiten. Es lautet „Journeys“. Dieses offen formulierte Thema bieten eine Vielzahl von Möglichkeiten sich an dem Projekt zu beteiligen. Jede Art von Reise ist hier gemeint. Reisen in die Innerlichkeit einer psychologischen Betrachtung, genauso wie Reisen mit einem Transportmittel (road-trip) durch Stadt und Land. Reisen in die Vergangenheit, ebenso wir in die Zukunft. Es können in diesem Seminar bereits begonnen Arbeiten fortgeführt werden oder ganz neue Projekte gestartet werden.

Termine:
Anregungen zu dem Thema und zum Festival bekommen wir beim Kick-Off-Meeting in Breda am Freitag, 06. Okt.2023. Wir fahren gemeinsam mit zwei Sprinter-Bussen morgens hin und abends zurück. Ein Feedback der Kuratoren bekommen wir am Di, 19.Dez. 23, wenn uns die Kuratoren in Bielefeld besuchen. Abgabe des Themas wird im Januar sein, worauf Breda dann fünf Studierende von jeder Hochschule aussucht, die gemeinsam in Brüssel am 16. Februar 24 beim Final Pitch ihre Arbeiten in Fünfminutenvorträgen präsentieren. Schließlich werden ein bis zwei Studierende pro Hochschule für das BredaPhoto Festival 2024 nominiert und gesponsert.

Der Kurs beschäftigt sich mit der Vertiefung der Technik des Drapierens, deren Schwerpunkt vor allem auf der technischen Ausarbeitung und Umsetzung experimenteller Entwurfsideen liegt. Hierzu werden im Verlauf des Kurses Ansätze zur Verbindung experimenteller Drapierungen und bereits bestehender Bekleidungsarchetypen erlernt und Bekleidungsdetails über freie Drapiertechniken in Proportionen und Form hinterfragt und neu interpretiert.

Ein besonderes Augenmerk liegt auf dem Drapieren verschiedener Ärmeltypen und der Vermittlung eines Verständnisses für Ärmelschnitte. Dazu wird ein eigener Drapierarm hergestellt. Auch das Fitting und Korrekturen am Körper, sowie das Markieren und Abnehmen komplexerer Schnitte sind Teil des Kurses.

Students will also be shown how best to apply for a job in English including a BE Curriculum Vitae and an AE Resume together with a “Personal Profile” (AE = “Motivation Letter”). Students will also prepare a presentation and both of these projects will form the basis of assessment for the course, together with the results of the periodic homeworks. During the first month of the semester, the students should complete two written homeworks. One (H1) is a general multiple-choice test of English vocabulary and grammar, and the other (H2) is a translation (German to English) exercise. Each of these assignments is worth 20% of the final term result. During the second month of the semester, students shall be given the first project (P1), which is to submit in English a realistic job application comprising an appropriate covering letter, their curriculum vitae, and a personal profile. This assignment shall be worth 30% of their final assessment.

Finally, during the last month of the semester, students will be expected to prepare and submit a presentation (P2) in English on a subject of their choice. This work is also worth 30% of their grade. This broad-based approach to assessing and grading the students’ language competence reflects the (current) lack of presence training and examining. Regular classes of 90 minutes (starting: 1:30 pm, 3 pm or 4:30 pm) each week are planned. The first one or two shall cover introductions and deal with any questions the students may have regarding the module, and the last one or two available dates shall be used for exams and assessments. Feedback is encouraged and the lecturer is available anytime by email. Projects may be submitted in draft form for comments before being finally sent in.

We want to keep the curriculum flexible and be prepared to make changes at short notice to suit the situation. However, we want to cover three main areas during the semester. In the first month, we shall look at the language itself. How is it different to German? Are there cultural factors? A look at Idioms and False Friends. Also, essential grammar and useful vocabulary. In the second month, we shall look carefully at preparing and submitting a successful job application in English. Moreover, towards the end of the semester, we shall practice our presentation skills, including body language and cross-cultural aspects. At the end of the module, the students shall have demonstrated their language competence, and the lecturer shall award them grades/credit points.

Wir sind umgeben von Räumen. Unsere Wohnungen, unsere Hochschule, unsere Stadt. Unser gesamter Lebensraum ist von mehr oder weniger gebauten und definierten Räumen geprägt.

Im Seminar entwickeln wir Arbeiten, die sich mit dem Thema Raum auseinandersetzen. Fotografie und Raum können leicht gemeinsam gedacht werden. Die Kamera (die Kammer) ist der Raum, der unserem Werkzeug seinen Namen gibt. Mit unserer Kamera erstellen wir ein Bild. Wir reduzieren den dreidimensionalen Raum zum flächigen Bild. Es lässt sich also kaum ein Bild machen, das nicht das Thema Raum berührt. Entsprechend sind die möglichen thematischen und methodischen Zugänge vielfältig.

Es lässt sich an dokumentierende Architekturfotografie denken. Oder auch an das Einfangen von Atmosphären, die an Orte, Plätze, Räume gebunden sind. Es kann um Menschen gehen, die sich durch den Stadtraum bewegen. Somit kann die Identität von Räumen genauso ein Thema sein wie ihre Konstruktion durch Bilder.

Gemeinsam soll den von uns verfolgten Ansätzen sein, dass sie sich immer wieder auf ihren Umgang mit dem Raum überprüfen lassen.

Das Seminar setzt die Bereitschaft Eurerseits voraus sich einen eigenständigen Zugang zum Thema zu erarbeiten, diesen in der Gruppe zu diskutieren und das Ergebnis umzusetzen. Das Ziel ist es, einen gemeinsamen Raum zu entwickeln. In diesem Raum kommen alle Arbeiten in Form einer Ausstellung zusammen.

Anmeldung bitte über folgenden Link: https://terminplaner6.dfn.de/de/b/e0da15593c9c183b29bbecc757cc6628-405170

In diesem Seminar werden kurze, experimentelle Formen der Medien Video und Film untersucht und eigene Projekte entwickelt und umgesetzt. Dabei soll ein gestalterisch wie künstlerisch sinnvoller Umgang mit digitalen Produktionsmöglichkeiten erlernt werden, um filmsprachliche Kompetenz einzuüben. Musikclips, fiktionale, dokumentarische und experimentelle Kurzfilme und Videos sind willkommen, Grundkenntnisse im Bereich Bewegtbild erwünscht, jedoch keine Voraussetzung.

Die Analyse und praktische Ausarbeitung des eigenen Projekts steht im Zentrum des Seminars. Wie können konzeptionelle Vorhaben konkret im Bild und als Körper plastisch anschaulich im Raum werden? Welche Medien und Trägermaterialien sind sinnvoll? Ihre Untersuchungen, Objekte, Fotos, Videofilme werden analysiert, modifiziert und als Teilergebnisse ihrer Thesis erarbeitet.

Das Seminar richtet sich ausschließlich an Master-Studierende.

Durch die Kamera schauend, versuchen wir zunehmend unsere Welt zu erforschen, zu ordnen, zu strukturieren und damit einen eigenen Zugang zu finden. Selbst wenn es sich nur um flüchtige visuelle Anmerkungen, Details oder Nebensächlichkeiten handelt – Dinge werden aus einer sehr subjektiven Perspektive heraus kultiviert und im besten Fall mit einer eigenen Ästhetik, einer eigenen (Bild)Sprache versehen. Gerade visuelle Medien scheinen besonders geeignet, in den Alltag einzudringen und neue Perspektiven und Interpretationen anzubieten.

Sich mit ungewohnten Situationen und plastischen Erfahrungen vertraut machen, spontan und intuitiv agieren, Abstand und Nähe zum Objekt ermitteln, unbefangen auf Menschen und Dinge zugehen sind Zielsetzung dieser visuellen ‚Lockerungsübungen’ für das Grundstudium. Die Teilnehmer/innen dieses Seminars sollen lernen, entsprechende Aufgaben spielerisch und in kurzer Zeit mit Hilfe medialer Mittel (Fotografie und Video) zu lösen. Dabei gilt es, die Möglichkeiten und Grenzen des stillen wie bewegten Bildes auszuloten.

Am Beispiel bekannter, zeitgenössischer Fotografen und ihren Arbeiten werden grundlegende Fragestellungen wie ‚Objektivität’, ‚Konstruktion’, ‚Illusion’, ‚subjektive Wahrnehmung’ in Kurzreferaten thematisiert.

Der Kurs : „3D Fundamentals: Cinema 4D und Redshift“ gibt eine Einführung in die gleichnamigen Programme und richtet sich an Anfänger*innen. Ob Architektur, Film, Gaming, Design, Tech oder Kunst: 3D Software ist in den meisten Branchen nicht mehr wegzudenken. In der LV sollen spielerisch durch die Umsetzung kleinerer Projekte während des Semesters alle notwendigen Schritte zu einem erfolgreichen Rendering erarbeitet werden. Ziel der LV ist das Erlernen eines grundsätzlichen Verständnisses für die Möglichkeiten von 3D Software und die Implentierung der neuen Skills in den eigenen künstlerischen Workflow.

Die beiden verpflichtenden Ganztages-Workshops stellen den zentralen Teil des Seminars dar. In den beiden Tagen wird 3D Gestaltung in intensiver Zusammenarbeit erforscht.

Workshop 1:
Mittwoch 4.10.23, 10–18:00

Workshop 2:
Mittwoch 9.11.23, 10–18:00

Die regulären Termine finden jeweils Freitags 15:00 – 17:15 statt.

• Anmeldung zum Kurs bitte an joshuamallek@outlook.com
• Prüfungsanmeldung bitte unter Grundlagen der 3D-Computergrafik (1312) bei Prof. Herwig Scherabon

Gruppentermine

Lange: Mittwoch oder Donnerstag, 9.00 – 12.45 Uhr, 13.15 – 17.00 Uhr
Boes: Donnerstag oder Freitag, 9.00 – 12.45 Uhr, 13.15 – 17.00 Uhr
(alle 14 Tage Mi oder Do und Do oder Fr)

Vermittlung von praktischen Grundlagen für Studierende aller Studienrichtungen, besonders jedoch Fotografie

Inhalt des Kurses sind u. a. Eigenschaften und Wahrnehmung von Licht, Geräte- und Beleuchtungstechniken, analoge- digitale Farbsysteme, Grundlagen der optischen Abbildungen, Perspektive und perspektivische Verzerrungen in der Fotografie sowie weiterführende Themen. Alle Themen bewegen sich ausschließlich im Grundlagenbereich.

Der Kurs wird praktisch umgesetzt und teilt sich in vorgegebene Übungen und selbständiges Arbeiten auf.

Der Kurs besteht aus Praktikum und Gruppensemesterarbeit.

Vorausgesetzt wird die Bereitschaft zur Gruppenarbeit sowie selbständiges Arbeiten und Eigeninitiative.

Die Veranstaltung ist zweisemestrig und beginnt immer im Wintersemester. Eine Prüfung findet nach dem zweiten Semester statt.

Gruppentermine
Lange: Mittwoch oder Donnerstag, 9.00 – 12.45 Uhr, 13.15 – 17.00 Uhr
Boes: Donnerstag oder Freitag, 9.00 – 12.45 Uhr, 13.15 – 17.00 Uhr
(alle 14 Tage Mi oder Do und Do oder Fr)

Vermittlung von praktischen Grundlagen für Studierende aller Studienrichtungen,
besonders jedoch Fotografie

Inhalt des Kurses sind u. a. Eigenschaften und Wahrnehmung von Licht, Geräte- und Beleuchtungstechniken, analoge- digitale Farbsysteme, Grundlagen der optischen Abbildungen, Perspektive und perspektivische Verzerrungen in der Fotografie sowie weiterführende Themen. Alle Themen bewegen sich ausschließlich im Grundlagenbereich.

Der Kurs wird praktisch umgesetzt und teilt sich in vorgegebene Übungen und selbständiges Arbeiten auf.

Der Kurs besteht aus Praktikum und Gruppensemesterarbeit.

Vorausgesetzt wird die Bereitschaft zur Gruppenarbeit sowie selbständiges Arbeiten und Eigeninitiative.

Die Veranstaltung ist zweisemestrig und beginnt immer im Wintersemester.
Eine Prüfung findet nach dem zweiten Semester statt.

Dieser Technikkurs bietet den Einstieg in den professionellen Umgang mit Videoequipment. Basiswissen zur Video‐, Ton- und Lichttechnik wird über Vorlesungen und praktische Anwendungen vermittelt. Studierende erlangen durch dieses Technikmodul das Basiswissen für selbständiges Arbeiten mit dem Filmequipment der Videoausleihe des Fachbereichs Gestaltung.

Im Plenum sowie in Kleingruppen wird das Produktions-Equipment des Fachbereichs Gestaltung vorgestellt und in Praxisübungen der Umgang damit geübt. Wie behalte ich z.B. den Durchblick im Dschungel der zahllosen Formate und Schnittstellen, die mir im Videobereich begegnen?

Unterschiede diverser Kameratypen samt Zubehör werden im Hinblick auf ihre Einsatzvor- und ‐nachteile erörtert. Bei der Bildgestaltung spielt die Nutzung von „Available Light“ und Filmlicht gleichermaßen eine Rolle. Wie nutze ich vorhandenes Licht, wie setze ich unterschiedliche Scheinwerfertypen ein?

Welche Möglichkeiten der Bewegung gibt es bei der Filmgestaltung? Generiere ich Bewegung in der Aufnahme selbst oder besser später im Filmschnitt? Wie bewege ich die Kamera ruhig und sicher? Wie benutze ich Stative und Grip sicher und ohne Verletzungsgefahr?

Besonderes Augenmerk wird auf den guten Ton gelegt. Welche Mikrofontypen gibt es? Wann und wie setze ich sie ein? Wie nehme ich einen Sprechertext so auf, dass er professionell klingt?

Thema ist auch die Wahl des richtigen Schnittprogramms mit Einblick in deren Bedienung. Das Seminar befasst sich auch mit Fragen zur Veröffentlichung von Beiträgen – was ist nötig um einen Live-Stream zu erstellen?

Für Studierende der Studienrichtung Digital Media and Experiment ist das Seminar ein Pflichtkurs im Level 1, einen zusätzlichen Termin zur Vorbesprechung gibt es daher nicht. Das erste reguläre Treffen findet am 10. Oktober 2023 statt.

Wie nehmen wir Bewegung wahr? Was sind die Grundprinzipien der Animation? Wie beeinflussen Material, Methode und Software die Wirkung bewegter Bilder? Der ästhetische und inhaltliche Kosmos des Animationsfilms ist unbegrenzt: jedes Objekt oder Material, jede Form visueller Information kann mit den Techniken der Animation belebt werden. Praktische Übungen mit digitalen und analogen Techniken der 2D Animation und des Motion Designs eröffnen den Zugang zur zeitgenössischen Gestaltung von bewegten Bildern. Begleitend dazu erforschen wir das vielseitige und intermediale Feld der Motion Graphics anhand von Analysen wegweisender Animationsfilme, Filmvorspänne und künstlerischer Bewegtbildarbeiten.

Als Ergebnis erarbeitet jede/r Teilnehmer*in ein eigenes Motion Design Projekt.

Inhalte: Animationsprinzipien, Grundlagen Zeichentrick, Stop Motion, Rotoskopie, Umgang mit Keyframes, Expressions, Motion Graph Editor, Interpolationsarten.

Software: Adobe After Effects, Dragonframe Stop Motion

Der Kurs vermittelt die Grundlagen der Technik des Drapierens. Es werden Silhouetten mit Stoff direkt am Körper geformt und dreidimensional erfasst. Zunächst wird das Modellieren einfacher Bekleidungsformen in Bezug auf körperferne und körpernahe Grundformen geschult und ein Grundverständnis für die Entstehung von Bekleidungsschnitten und Details über die Technik des Drapierens erlernt. Insbesondere werden der Fall und die Eigenschaften eines Stoffes analysiert und im weiteren Verlauf des Kurses sowohl über klassische, als auch experimentelle Techniken an verschiedene Oberteilformen ausprobiert. Begleitend werden die Grundlagen des Schnittabnehmens und der Fertigung einfacher Bekleidungsdetails erlernt.

Vor dem Hintergrund seiner Geschichte und seiner Einbindung in den medialen und gesellschaftlichen Kontext, führt die Veranstaltung in das selbstständige projektbezogene Arbeiten mit dem Medium Fotografie ein. Sie verschafft einen Einblick in verschiedene Anwendungsgebiete wie Dokumentar-, Werbe-, Mode-, und konzeptionelle/künstlerische Fotografie. Anhand konkreter Aufgabenstellungen werden Verfahren zum Erproben geeigneter technischer und künstlerischer Ausdrucksmittel geübt. Die Entwicklung von Konzepten zur Realisierung eigenständiger semesterübergreifender Projekte, die Erörterung und kritische Reflexion der Lösungsansätze, das Finden einer angemessenen Präsentationsform sind, ebenso wie deren organisatorische Planung, Teil der Seminararbeit.Die aktive und regelmäßige Teilnahme am Seminar – Zwischenpräsentation, Referat, Diskussion,Feedback – sowie die kontinuierliche Arbeit am Projekt und den Übungen und technischen Einführungen sind verbindliche Voraussetzungen für den erfolgreichen Abschluss des Moduls

Vor dem Hintergrund seiner Geschichte und seiner Einbindung in den medialen und gesellschaftlichen Kontext, führt die Veranstaltung in das selbstständige projektbezogene Arbeiten mit dem Medium Fotografie ein. Sie verschafft einen Einblick in verschiedene Anwendungsgebiete wie Dokumentar-, Werbe-, Mode-, und konzeptionelle/künstlerische Fotografie. Anhand konkreter Aufgabenstellungen werden Verfahren zum Erproben geeigneter technischer und künstlerischer Ausdrucksmittel geübt. Die Entwicklung von Konzepten zur Realisierung eigenständiger semesterübergreifender Projekte, die Erörterung und kritische Reflexion der Lösungsansätze, das Finden einer angemessenen Präsentationsform sind, ebenso wie deren organisatorische Planung, Teil der Seminararbeit.Die aktive und regelmäßige Teilnahme am Seminar – Zwischenpräsentation, Referat, Diskussion, Feedback – sowie die kontinuierliche Arbeit am Projekt und den Übungen und technischen Einführungen sind verbindliche Voraussetzungen für den erfolgreichen Abschluss des Moduls.

INPUT
Wir erkunden in diesem Seminar die Disziplinen Experience Design, Interface Design und Interaction Design.
Dabei wenden wir Strategien für Ideenfindung und Konzeption an und erkunden Werkzeuge für die Gestaltung von Interfaces und Interaktionen.
Wir analysieren physische Interfaces, Mobile Apps und Websites mit passenden Kriterien und verbessern sie.
In einem Workshop lernt Ihr die Prototyping Software Figma kennen und arbeitet mit ihr an Euren Entwürfen.

Wir befassen uns mit unseren künftigen Nutzer:innen und ihren Lebenswelten und erforschen bei Tests mit Nutzer:innen deren unterschiedliche Perspektiven, Herangehensweisen, Wünsche, Ängste und Gewohnheiten.

Zum Schluss und verleihen wir in einem Arduino-Workshop Objekten interaktive Eigenschaften.

Auch im Grundlagenseminar gibt es einen Einblick in AI-unterstützte Tools für generierte Texte und Visuals.

OUTPUT
Semesterprojekt, das in einer gemeinsamen Abschlusspräsentation attraktiv und selbsterklärend präsentiert wird.
Das Seminar wird begleitet mit einer Semesterdokumentation, in der die hochwertige Darstellung des eigenen Arbeitsprozesses geübt wird.

SLACK
Während der Seminare und bei der Bearbeitung der Aufgaben nutzen wir Miro Boards für die gemeinsame Arbeit, einen Slack Workspace für Austausch und Fragen und Cloud-Ablagen für Aufgabendokumente und Abgaben.
Bitte mit der Hochschul-Mail im Slack-Workspace anmelden für Infos und Austausch.
ixd-grundlagen-w23.slack.com

START
Freitag 6.10. 9:30 (verlegt wegen Feiertag am 3.10.)

INTERESSIERTE AUS ANDEREN STUDIENRICHTUNGEN
Bitte per Slack-Message oder Mail auf mich zugehen.

Der Kurs ist eine Einführung in die künstlerischen Grundlagen von Digital Media & Experiment mit Fokus auf Immersive Environments. Dabei werden folgende Themen untersucht und ausprobiert.

• Fotographie
• Video
• Sound
• Artificial Intelligence
• Installation
• Schreiben von Konzepttexten

Ziel des Seminars ist es, den Neuzugängen, die Grundlagen ihres Studiums näher zu bringen und durch Experimente auszuprobieren. In kleinen künstlerischen Aufgabenstellungen werde in den einzelnen Blöcken Methoden probiert und auch diskutiert. Die Benotung erfolgt durch Anwesenheit und Mitarbeit.

• Anmeldung zum Kurs bitte per email an herwig.scherabon@hsbi.de
• Anmeldung zur Prüfung bitte bei 1212 Grundlagen Interactive Environments (Prof. Herwig Scherabon)

Wie entsteht Mode? Wer sind Designer*innen ikonischer Mode-Momente? Was hat sie zu ihren Kollektionen bewegt und inspiriert? Wie setzen sie im Arbeitsprozess Inspiration und Recherche ein?

Teilnehmende des Seminars lernen Modedesigner*innen und ihre Arbeitsprozesse kennen, analysieren relevante Modekollektionen und ihre Inspirationsquellen.

Das neu erworbene modische Wissen und Schnitte internationaler Modedesigner*innen bilden sie Grundlage für eigene erste Entwürfe,

Nicht erst seit der Coronakrise wird Modedesign zunehmend über die Arbeit im digitalen Raum entworfen, gefertigt und präsentiert; eine für die internationale Modeindustrie besonders relevante Software in diesem Zusammenhang ist das Programm CLO3D. Erfahrungen im Umgang mit dieser Software sind für Modestudierende insofern unbedingt von Bedeutung.

Im Kurs werden Grundlagen der CLO3D Software vermittelt, um so die gestalterische Modeentwurfsarbeit im digitalen Raum und am Avatar zu ermöglichen. Das Angebot richtet sich ausschließlich an Studierende des 1. Levels. Der Unterricht findet hybrid statt.

Im Seminar werden erste Verfahren für die gestalterische Formentwicklung an der Büste vorgestellt.

Über das direkte Arbeiten an der Drapierbüste werden so die Zusammenhänge zwischen Körper, Form und Kleidungstück bei der Entwicklung von Ideen im Modedesign verdeutlich.

Inspiriert durch diese Auseinandersetzung werden eigene Formexperimente entwickelt und hergestellt. Diese Formexperimente bilden die Grundlage für den Entwurf einer eigenen Mini-Kollektion.

Für die Umsetzung eigener gestalterischer Ideen im Printbereich sind Kenntnisse aus dem Bereich der Drucktechnik unabdingbar. Das Kennenlernen von Methoden und Techniken zur Herstellung von Printprodukten ermöglicht die Reflektion der eigenen kreativen Entwürfe in Hinblick auf die Möglichkeiten ihrer technischen Realisation. Die Vermittlung drucktechnischer Grundlagen ist daher elementarer Bestandteil dieses Seminars. Durch die Betrachtung verschiedener Druckverfahren und ihrer historischen Entwicklung wird ein Überblick über die technischen Vervielfältigungsmöglichkeiten des Drucks gegeben. Die spezifischen Eigenschaften der jeweiligen Technologie werden herausgearbeitet und in Bezug zu den verschiedenen Druckerzeugnissen gesetzt.

Die erworbenen Kenntnisse dienen dem fachlichen Austausch in der fachbereichseigenen Druckwerkstatt aber auch mit externen Druckereien. Sie unterstützen einen strukturierten Arbeitsablauf und ermöglichen somit die erfolgreiche Umsetzung von Printprojekten. Das Erlernte wird anhand praktischer Übungen und durch die Bearbeitung von Aufgaben gefestigt. Eigeninitiative und Bereitschaft zur Gruppenarbeit wird vorausgesetzt.

Es gibt drei Seminartermine für die KD-Studierenden der Gruppe B:
Der erste Termin findet für Gruppe B1 und B2 gemeinsam mit B3 am Donnerstagnachmittag statt.

B1 Montags 09:00–12:00 Uhr
B2 Montags 13:00–16:00 Uhr
B3 Donnerstags 13:00–16:00 Uhr

Für die Umsetzung eigener gestalterischer Ideen im Printbereich sind Kenntnisse aus dem Bereich der Drucktechnik unabdingbar. Das Kennenlernen von Methoden und Techniken zur Herstellung von Printprodukten ermöglicht die Reflektion der eigenen kreativen Entwürfe in Hinblick auf die Möglichkeiten ihrer technischen Realisation. Die Vermittlung drucktechnischer Grundlagen ist daher elementarer Bestandteil dieses Seminars. Durch die Betrachtung verschiedener Druckverfahren und ihrer historischen Entwicklung wird ein Überblick über die technischen Vervielfältigungsmöglichkeiten des Drucks gegeben. Die spezifischen Eigenschaften der jeweiligen Technologie werden herausgearbeitet und in Bezug zu den verschiedenen Druckerzeugnissen gesetzt.

Die erworbenen Kenntnisse dienen dem fachlichen Austausch in der fachbereichseigenen Druckwerkstatt aber auch mit externen Druckereien. Sie unterstützen einen strukturierten Arbeitsablauf und ermöglichen somit die erfolgreiche Umsetzung von Printprojekten. Das Erlernte wird anhand praktischer Übungen und durch die Bearbeitung von Aufgaben gefestigt. Eigeninitiative und Bereitschaft zur Gruppenarbeit wird vorausgesetzt.

Es gibt drei Seminartermine für die KD-Studierenden der Gruppe B:
Der erste Termin findet für Gruppe B1 und B2 gemeinsam mit B3 am Donnerstagnachmittag statt.

B1 Montags 09:00–12:00 Uhr
B2 Montags 13:00–16:00 Uhr
B3 Donnerstags 13:00–16:00 Uhr

Für die Umsetzung eigener gestalterischer Ideen im Printbereich sind Kenntnisse aus dem Bereich der Drucktechnik unabdingbar. Das Kennenlernen von Methoden und Techniken zur Herstellung von Printprodukten ermöglicht die Reflektion der eigenen kreativen Entwürfe in Hinblick auf die Möglichkeiten ihrer technischen Realisation. Die Vermittlung drucktechnischer Grundlagen ist daher elementarer Bestandteil dieses Seminars. Durch die Betrachtung verschiedener Druckverfahren und ihrer historischen Entwicklung wird ein Überblick über die technischen Vervielfältigungsmöglichkeiten des Drucks gegeben. Die spezifischen Eigenschaften der jeweiligen Technologie werden herausgearbeitet und in Bezug zu den verschiedenen Druckerzeugnissen gesetzt.

Die erworbenen Kenntnisse dienen dem fachlichen Austausch in der fachbereichseigenen Druckwerkstatt aber auch mit externen Druckereien. Sie unterstützen einen strukturierten Arbeitsablauf und ermöglichen somit die erfolgreiche Umsetzung von Printprojekten. Das Erlernte wird anhand praktischer Übungen und durch die Bearbeitung von Aufgaben gefestigt. Eigeninitiative und Bereitschaft zur Gruppenarbeit wird vorausgesetzt.

Es gibt drei Seminartermine für die KD-Studierenden der Gruppe B:
Der erste Termin findet für Gruppe B1 und B2 gemeinsam mit B3 am Donnerstagnachmittag statt.

B1 Montags 09:00–12:00 Uhr
B2 Montags 13:00–16:00 Uhr
B3 Donnerstags 13:00–16:00 Uhr

Im Kurs wird ein Grundverständnis für Basic Oberteilschnitte anhand von einfachen Schnittgrundformen vermittelt. Dabei werden wichtige Anhaltspunkte, Begriffe und Linienführungen der Schnittgestaltung erfasst und die Basics der Schnittmodifikation zur Neuinterpretation von Grundschnitten für eigene Projekte erlernt. Ein besonderes Augenmerk liegt auf dem Erlernen von Grundkenntnissen der Textilen Fertigung und des Zuschnitts.

Der Kurs unterteilt sich in zwei Gruppen:

Mittwochs, 9 – 12.30 Uhr

Freitags, 13 – 16.30 Uhr

Dieser zweiteilige Kurs (beide Teile in einem Semester) richtet sich an Einsteigerinnen und Einsteiger ohne typografische Grundkenntnisse aus den Studienrichtungen Digital Media and Experiment, Fotografie und Bildmedien und Mode.

Studierende der Prüfungsordnung 19 haben die Möglichkeit, entweder einen oder beide Teile zu belegen und unterschiedliche Scheine zu bekommen:
Teil 1 oder Teil 2: 3CP Teil-Praxisschein
Beide Teile: 5CP-Praxisschein oder ein Gestaltungsmodul (siehe unten)

Sollten Plätze frei bleiben, können auch Studierende aus der Studienrichtung Kommunikationsdesign berücksichtigt werden.

Zum Inhalt: Typografie ist sichtbare Sprache. Sie bewegt sich im Spannungsfeld zwischen Tradition und Experiment. Die effiziente Informationsvermittlung mit typografischen Mitteln erfordert Kenntnisse über das Seh- und Leseverhalten und die Bedeutung von Zeichen. Sie bilden die Grundlage für den bewussten und richtigen Umgang mit typografischem Material. Der Kurs bietet die Möglichkeit, sich mit diesen Grundlagen intensiv auseinanderzusetzen.

Ziel ist die sinnvolle Anwendung typografischer Instrumente für den Informationstransfer.

Teil 1 (für Studierende ohne typografische Kenntnisse): Im Mittelpunkt stehen einfache und komplexe Übungen zu Form und Wirkung von Buchstaben, Wörtern, Zeilen und längeren Texten; zum Umgang mit typografischen Mitteln, zu Fachterminologie, Schriftgeschichte und Satzregeln. Es wird erwartet, dass die Studierenden neben der praktischen Tätigkeit intensiv lesen.

Teil 2 (für Studierende mit grundlegenden typografischen Kenntnissen): Entwurf und Gestaltung einer Miniausstattung an Medien für eine Ausstellung zu einem beliebigen Thema, bestehend aus Plakat, Einladungsflyer, Infotafel und Objektbeschriftung.

Für die Teilnahme am Kurs sind Kenntnisse in Gestaltungslehre erforderlich, Grundkenntnisse von Gestaltungssoftware (Adobe InDesign, Affinity Publisher o. ä.) hilfreich. Ausdauer, Disziplin, Genauigkeit und ein dickes Fell können nicht schaden.

Die Prüfung besteht aus der Vorlage der im Semester entstandenen Arbeiten mit Kolloquium.
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Wer sich für dieses Angebot interessiert, kommt bitte in die vertiefende Vorbesprechung über zoom am 4. Oktober (siehe oben). Bitte nicht vorab per Mail anmelden!

Typografie ist eine visuelle Sprache, die man wie eine Fremdsprache möglichst intuitiv und spielerisch erlernen sollte. Typografische Konventionen werden daher nicht als Gebote oder Verbote, sondern als Parameter und Spielregeln vermittelt.

In diesem zweisemestrigen Seminar geht es darum, das Gestalten mit Zeichen, Worten, Zeilen und Mengentext anhand praktischer Übungen zu erproben und die von Harmonie, Dialog oder Widerspruch geprägte Wechselbeziehung von Form (Zeichen) und Inhalt (Bedeutung) zu verstehen. Die Ergebnisse des Semesters werden in Form einer Broschur dokumentiert und präsentiert.

Vorträge über typografische Stile und Epochen, Kurzreferate zu Typen und Typograf:innen, sowie ein Studium von einführender Fachliteratur, ergänzen und begleiten die praktische Arbeit. Hierbei handelt es sich um ein Pflichtmodul für alle KD-Erstsemesterstudierenden der Gruppe A. Das entsprechende Modul für die Gruppe B findet mittwochs bei Fritz Grögel statt. Eure Gruppenzuteilung wird Euch per E-Mail vorab bekanntgegeben.

Das Seminar vermittelt die Grundlagen der Webentwicklung. Du lernst alles, was du brauchst, um deine eigene Website zu erstellen. Wir beginnen mit HTML, der Sprache, die den Inhalt einer Website definiert, und machen weiter mit CSS, der Spielwiese für Designer.

Responsive Webdesign (RWD) ist ein Webentwicklungsansatz, bei dem sich das Aussehen einer Website dynamisch an die Größe und Ausrichtung des Bildschirms des Geräts anpasst, auf dem sie angezeigt wird.

Freitagnachmittags, zweiwöchig, immer 15:00 bis 18:00 Uhr:
20.10 / 03.11 / 17.11 / 01.11 / 15.12 / 22.12

Das Seminar wird per Zoom durchgeführt.

Der Grundkurs Zeichnen ist ein für alle KD-Studierenden verpflichtendes Grundlagenangebot, das je nach Gruppenaufteilung im 1./2. Semester besucht werden sollte. In diesem Grundkurs geht es um einen Einstieg in das Thema Zeichnung, Illustration, sowie Bild- und Textsprache. Anhand von unterschiedlichen Übungen werden verschiedene Zugänge zum Thema eröffnet, ausprobiert und von Euch weiter ausgebaut.

Ein leerer Raum. Ein Punkt, Punkt, Punkt – XYZ. Eine Punktwolke.

Generieren, reagieren, interagieren. Drei verschiedene Phasen der immersiven Punktwolke. Dem Chaos und der Ordnung.

Wie erfassen wir die Natur in ihren Dimensionen, zerlegen sie in mathematische Positionen und Linien und füllen sie dann zu einer massiven, informativen Wolke auf?

In diesem Technikmodul werden wir mit Materialitäten und Objekten arbeiten und sie in eine Punktwolkenumgebung umwandeln.

Wir werden mit den Punkten interagieren und lernen, wie man sie mit verschiedenen Eingaben konstruiert oder dekonstruieren kann.

Wie kann einer von einer Million Punkte bewegt werden? Wie verhält sich eine Punktwolke im leeren Raum? Welche Art von Kräften wie Geschwindigkeit oder Turbulenzen können sich auf die Punktwolke auswirken? Und welche Rolle spielt die mögliche Interaktivität von Sound?

Im letzten Schritt werden wir ein Steuersystem bauen und lernen, wie wir unser System nutzbar machen können. Wie können wir einen OSC oder eine selbstgebaute Benutzeroberfläche verwenden, um unsere Punkte zum Leben zu erwecken und in einen Raum zu bringen?

Position X,Y,Z – PUNKT PUNKT PUNKT.

Bitte schreibt mir für die Teilnahme an dem Kurs eine kurze Info über eure bisherigen Kenntnisse und Erfahrungen in TouchDesigner oder auch gerne bei Fragen eine Mail an: hello@tamaraknapp.de

An empty room. A point, point, point – XYZ. A cloud of points.

Generate, react, interact. Three different phases of the immersive point cloud. The chaos and the order.

How do we capture nature in its dimensions, break it down into mathematical positions and lines, and then fill it up into a massive, informative cloud of dots?

In this technique module, we will work with materialities and objects, transforming them into a point cloud environment.

We will interact with the points and learn how to construct or deconstruct them with various inputs.

How can one of a million points be moved? How does a cloud of points behave in empty space? What kind of forces like velocity or turbulence can affect the point cloud? And what role does the possible interactivity of sound play?

In the last step, we will build a control system and learn how to make our system usable. How can we use an OSC or a home-built user interface to bring our points to life and into a space?

Position X,Y,Z – POINT POINT POINT.

In dem künstlerischen Seminar werden transhumanistische Konzepte anhand von Face Masks erforscht. Dabei soll die Entwicklung eines Konzeptes im Vordergrund stehen, dass die Geschichte und Gegenwartskultur von Masken kritisch hinterfragt oder sie um neue Impulse erweitert. Im Laufe des Semesters sollen mittels 3D Druck und anderen Fertigkeitsmethoden tragbare Masken entstehen, die sich mit thematisch relevanten Fragen auseinandersetzen.

Masken sind eine Form des Transzendierens der eigenen Identität. Sie können uns helfen, uns ritualisitsch nicht-menschlichen Lebensformen anzunähern, wie es in animistischen Kulturen praktiziert wird. Durch diese Praxis wird Geistern, Ahnen oder Naturkräften Agency verliehen. Was bedeutet diese alte und global über alle Kulturen verbreitete Praxis in einem zeitgenössischen Kontext; in einer Welt ohne Götter, in der die Natur in erster Linie als “das Andere” wahrgenommen wird?

Identität ist kein Eigentum. Identität und Anonymität sind oft politische Schlachtfelder auf denen Machtverhältnisse ausgelebt werden. Das Recht auf Anonymität wird im digitalen Zeitalter laufend untergraben. Biometrische Daten werden ohne Konsens gespeichert und zentralisiert. Verschleierung kann daher ein politischer Akt sein. Wir wollen uns im Seminar Gedanken machen, wie dies zu Selbstbestimmung beitragen kann und wir etwa Gender-Identität oder andere Formen der Selbstbestimmung von Einflussnahme schützen können.

• Voraussetzung zur Teilname sind Vorkenntnisse in 3D Modelling
• Anmeldung zum Kurs mit Zusendung eines Portfolios/Website an herwig.scherabon@hsbi.de
• Prüfungsanmeldung 1502/1504/1506 (Prof. Herwig Scherabon)

Makrokosmos Micropage – Gestaltung einer Event-Website

In diesem Seminar wirst du eine responsive Website für eine Veranstaltung deiner Wahl in Figma konzipieren und gestalten – egal ob Wohnzimmerkonzert, Street Food Festival, Poetry Slam Event, Party, Lesungsreihe, etc. und unabhängig davon, ob sie der Realität entspringt oder deiner Vorstellungskraft. Du lernst, wie du die Gestaltungsmöglichkeiten im Web nutzen kannst, um deine Veranstaltung spannend und zeitgemäß darzustellen.

Als Gestalter:in hast du die Aufgabe, dein ausgewähltes Event inhaltlich zu vermitteln und gleichzeitig emotional ansprechend zu visualisieren. Der gestalterische Prozess erstreckt sich von der Ideenfindung über die Formulierung und Strukturierung von Inhalten bis hin zum Wireframing und zur Festlegung der gestalterischen Mittel/Elemente für den finalen Entwurf.

THEMEN
Neben den Grundlagen des Webdesigns werden wir im Seminar verschiedene Themen und Werkzeuge erkunden, die dir helfen, deine Website in Szene zu setzen.
Dazu gehören:

• Storytelling und nichtlineare Erzählstrukturen
• der Einsatz von Typografie und experimenteller Umgang mit ihr
• Minimalismus vs. Maximalismus
• die Integration interaktiver Gestaltungselemente und
• die Entwicklung unkonventioneller Navigationskonzepte.

Das Ergebnis sollte seinen Zweck erfüllen und sowohl durch seine gestalterischen Aspekte als auch seine Nutzerführung überzeugen. Alles ist erlaubt, but make it work!

OUTPUT
Am Semesterende präsentierst du einen interaktiven Prototypen deiner Microsite für Desktop und Mobile, der Inhalte und Informationen auf spielerische Weise vermittelt. Dabei erläuterst du deine gestalterischen Entscheidungen in Bezug auf Inhalt, Zweck und Benutzerführung.

VORAUSSETZUNGEN
Teilnehmen können Studierende im 2. und 3. Level Kommunikationsdesign.
Du solltest bereits Kenntnisse in Typografie und Layout mitbringen (Editorial Design, Buchgestaltung, Plakat, …) und dich im Umgang mit Figma sicher fühlen (Alternativen zu Figma sind denkbar – but make it move!).

Experimentierfreude, Interesse und erste Erfahrungen mit der Gestaltung von digitalen Medien sind von Vorteil.

SLACK
(folgt)

INHALTE
Das Modul bietet Skills und gemeinsame Erkundung von Konzeptions- und Gestaltungsarbeit mit Hilfe von AI-unterstützter Software.
Ihr konzipiert und gestaltet im Seminar ein AI-unterstütztes Projekt, das benachteiligten Menschen hilft, besser und inspirierter zu leben.

1/ Einstieg und Recherche des Status Quo
Wir erkunden Vorteile und Nachteile im Vergleich zur bisherigen Arbeit mit digitalen/analogen Werkzeugen.
Wir spekulieren zu den Implikationen für unsere künftige Arbeit als Designer:innen.
Wir betrachten die Auswirkungen auf die Designbranche und Gesellschaft allgemein.
Ich bitte dabei um eine offene, neugierige Haltung für die gemeinsame Erkundung und Diskussion.
Es soll der genaue und skeptische Blick geübt werden, der über technische Begeisterung und eigenen Benefit hinausgeht und die Gesamtauswirkung der aktuellen Entwicklungen erkundet.
Neben den vielerorts genannten Veränderungsängsten und Verlustängsten sollen die neuen Möglichkeiten und Chancen untersucht werden.
Zu Beginn testen wir aktuelle AI-unterstützte Design Tools für:

• Experience Design (UserDoc, VisualEyes, Research Qualboard, Visily etc.)
• Interface Design (UIzard, Figma etc.)
• Text (u.a. Chat GPT)
• Präsentationen (Tome, etc.)
• Visuals (Midjourney, Jasper etc.)
• Video-2-3D (Luma etc.)
• Icons, Illustrationen (Illustroke etc.)
• Web Design (Fronty etc.)
• Schriftauswahl (FontJoy etc.)
• Transkription von Meetings (Otter, Fireflies etc.)
• Stimmgenerierung (Elevenlabs etc.)
• Alltagsmanagement

2/ Recherche
Wir suchen nach Anwendungen, die über die eigene Lebenswelt hinausgehen und Menschen unterstützen, die in unserer Gesellschaft benachteiligt sind.
Wie können wir sie inspirieren, teilhaben lassen, ihnen eine Stimme geben?
#DigitalDivide #Inclusion #Empowerment

3/ Konzeption
Ihr brainstormt, rercherchiert, visualisiert, spekuliert mit klassischen Werkzeugen aus dem Design Thinking.
Ihr befragt selbstgewählte Nutzer:innen nach Problemen und Wünschen ihrer Lebenswelt, um ihnen mit einem AI-unterstützten Projekt einen Benefit zu ermöglichen.
#UserResearch #DesignThinking #SpeculativeDesign

4/ Design und Präsentation
Das Ergebnis ist eine ansprechende, eingängige Darstellung eines interaktiven Projekts, das auf sorgfältiger UserResearch und Konzeption basiert.
Es gibt keine technische Umsetzung, aber eine gründliche Recherche der (künftigen) technischen Machbarkeit.
#InterfaceDesign #FigmaPrototyping #MockUp

5/ Networking
Einige Projekte könnten wir auf dem KI-Kongress 2024 unserer Hochschule HSBI zeigen (Poster).

Voraussetzungen für das Seminar
Interface Design Grundlagen. Es sind keine technischen Kenntnisse nötig.
Coding Basics sind natürlich nützlich für Experimente.

Infrastruktur:
Während der Seminare und bei der Bearbeitung der Aufgaben nutzen wir einen Slack Workspace für Austausch und Fragen und eine Cloud Ablage für Infos und Abgaben.
Bitte mit der HSBI-Mail im Slack-Workspace anmelden für erste Infos:
(Link folgt)

Arbeitsweise
Wir arbeiten und diskutieren Mittwochs im Seminar.
Die Projektarbeit wird zudem in Kleingruppen/Einzelgesprächen mit freien Gesprächsterminen unterstützt (Calendly, Zoom).

SLACK WORKSPACE
Für die Kommunikation im Seminar.
Bei Interesse mit HSBI-Mail-Adresse beitreten:
ixd-ai-w23.slack.com

ANMELDUNG
Den Link gibt es in der vertiefenden Vorbesprechung

Interessierte aus anderen Studienrichtungen
Bitte per Mail auf mich zugehen.

Menschen reagieren mit ihrer Kleidung auf Wetter- und Umweltbedingungen, sie schützen damit ihren Körper. Beispiele aus unterschiedlichen Klimazonen und historischen Kontexten zeigen, wie erfindungsreich Menschen mit ihrer „zweiten Haut“ auf die jeweiligen Lebenssituationen reagieren.

Welchen neuen, extremen Lebenssituationen begegnen wir heute? Welchen zukünftig? Und wie müssen Kleidungsstücke für Lebensräume der Zukunft beschaffen sein, um Menschen zu schützen? Wie wandelbar können Kleidungsstücke sein, damit ihre Träger:innen spontan auf Wetter- oder Temperaturveränderungen reagieren können? Welche Materialien passen zur jeweiligen Situation?

Ausgangspunkt für den Entwurfsprozess sind fiktive Szenarien, in denen sich Menschen in unterschiedlichen Extremen bewegen.

Seminarteilnehmende entwicklen daraus Konzepte für eigene Entwürfe, die im zweiten Teil des Projektes umgesetzt werden.

Von künstlerisch arbeitenden Fotograf*innen wird nicht nur die Fähigkeit erwartet, ein Konzept zu entwickeln, sondern auch, dieses in den aktuellen Diskurs einzuordnen. Das Seminar hilft dabei, einen Überblick zu bekommen. Es bietet eine Einführung in die Vielfalt aktueller Konzeptionen der Fotografie. Wir arbeiten mit dem Standardwerk „The Photograph as Contemporary Art“ von Charlotte Cotton in der überarbeiteten vierten Auflage, dessen Anschaffung empfohlen wird. Themen sind: Inszenierung, erzählerisches Tableau, Sachlichkeit, Alltägliches, Intimität, Dokumentation, Materialität und Interdisziplinarität. Das Ziel der Einführung ist eine Hilfestellung bei der Verortung der eigenen Arbeit, und der Entwicklung der eigenen Position im Kontext.

Die praktische fotografische  Arbeit, mit der die Prüfung gemacht wird, sollte sich mit einem der vorgestellten Bereiche befassen und konzeptionell begründet sein, Inhalt und Technik sind frei wählbar.

Das Seminar wird empfohlen für Level 2 als Anschluss an das Grundlagenseminar in Level 1.

Es ist weiterhin für Studierende Level 3 und MA geeignet, die die vorhandenen Kenntnisse erweitern, oder die Perspektive auf bereits angewandte Konzepte ergänzen möchten.

In diesem Seminar arbeiten wir mit analoger und experimenteller Fotografie an freien Projekten. Das Seminar findet teils in Blockzeit mit Labortagen 14-20 Uhr statt. Ein Workshop mit Marc Stache 16.-18.11. (Sonderzeiten tagsüber) ist Teil des Seminars und in dieses integriert. Die Studierenden belegen das Seminar und nehmen dann automatisch am Workshop teil. Das Seminar hat einen hohen Praxisanteil und wird zum Teil im Fotolabor stattfinden.

Der Zeitplan wird bei der Vorbesprechung am 5.10. für den gesamten Ablauf des Semesters mitgeteilt.

Das Seminar wendet sich in erster Linie an Studierende, die bereits eine Einführung in die Laborarbeit hatten. Themen sind neben dem hochwertigen Print in Farbe und SW auch experimentelle Verfahren wie Cyanotypie und anderes nach Absprache. Teilnehmende, die noch keine Einführung in das Farblabor oder SW Labor hatten, können diese gerne zusätzlich in diesem Wintersemester vereinbaren.

Begleitung bei der Entwicklung und Umsetzung freier Projekte im Bereich des Kuratierens. Dies ist in erster Linie ein Praxisseminar und es können bereits vorhandene Ideen für Ausstellungen mitgebracht und umgesetzt werden, die auch außerhalb der Hochschule stattfinden können. Interessierte Studierende ohne eigenes Projekt können bei Projektgruppen mitwirken. Raum- und Bildgestaltung wird auch mit Hilfe von Exkursionen zu verschiedenen Ausstellungsorten untersucht. Aktuelle Diskurse wie feminist und queer curating, Dekolonialisierung, oder curating as care  werden in diesem Seminar thematisiert. Das Angebot richtet sich an Studierende aller Studienrichtungen.

Die Prüfung erfolgt mit der Projektpräsentation und Dokumentation der kuratorischen Arbeit (Projektskizze, Raumplan, Organisation)

Der Kurs bietet Studierenden einen breiten Überblick über die Möglichkeiten welche die Node-basierte Programmierumgebung TouchDesigner für Gestalter:innen, Künstler:innen und Techniker:innen bietet. Anhand konkreter Beispiele werden eine Vielzahl an Anwendungsbereichen wie generative Grafik, prozedurales Modellieren und Arbeiten mit Sensoren und Aktuatoren besprochen.

Ein spezieller Augenmerk wird auf audiovisuelle Performances und Installationen gelegt. Die Überschneidungen zwischen Bild und Ton sollen künstlerisch erforscht werden, wobei die Ergebnisse über simple Visualisierungen bzw. Sonifikation hinausgehen sollen.

Die genaue Ausrichtung bzw. Fokussierung des Kurses wird auf Basis der Interessensgebiete der Teilnehmer:innen definiert.

Keine Vorkenntnisse notwendig. Sollten Sie bereits Erfahrungen mit TouchDesigner haben, teilen Sie mir dies bitte in der Anmeldungsmail mit.

Studierende werden gebeten die aktuellste Version von TouchDesigner auf ihrem Arbeitsrechner zu installieren (kostenlos) sowie eine Mouse mit 3 Tasten (Links, Rechts und Mitteltaste) zu verwenden.

Als Kickoff wird ein zweitägiger Workshop in Bielefeld abgehalten, die darauffolgenden Termine finden über Zoom statt.

Anmeldung zum Kurs bitte an studio@mnclr.com

Prüfungsanmeldung bitte unter 1300 Mastererweiterung (Prof. Herwig Scherabon)

Über den Kursleiter

MONOCOLOR alias Marian Essl ist ein audiovisueller Künstler aus Wien. Er erforscht die Schattenbereiche zwischen Bild und Ton in installativen und performativen Arbeiten. Seine zur Gänze generativen, algorithmisch erzeugen Bildwelten oszillieren zwischen fließenden Texturen und rigiden, architektonischen Strukturen. Sein Fokus liegt auf der Wechselbeziehung zwischen Klang, Bild und Raum mit dem Ziel, höchst immersive audiovisuelle Universen zu erschaffen. Seine Arbeiten wurden in verschiedensten Kontexten national und international gezeigt. Er erhielt den New Face Award beim Japan Media Arts Festival für seine audiovisuelle Fulldome Performance „Latent Space“, die bei einer Residency in der Société des arts technologiques (SAT) in Montréal umgesetzt wurde.

www.mnclr.com

www.instagram.com/mnclr

Die eigene Fotografie in die Welt zu setzen, ist die eine Sache. Von freien Projekten zu leben, eine ganz andere. Der kreative Spaß hört spätestens dann auf, wenn wir merken, dass da draußen leider nichts auf uns gewartet hat, sondern dass es ein ziemlich hartes Brot ist, die eigene Kunst an die Menschen zu bringen. Wovon hängt es ab, dass einige Künstler:innen Erfolg haben und andere nicht? Liegt es am Talent, an guten Kontakten – oder letztlich einfach nur am Glück? Das „Kunstbusiness“, auch wenn wir es gern verklären, ist ein Geschäft mit eigenen Regeln, die man nicht immer durchschaut. Dass sie manchmal ausgehebelt werden, ist nicht die Norm. Natürlich kann man davon träumen. Besser ist aber, die Sache selbst in die Hand zu nehmen:

Wie finde ich überhaupt den passenden Ausstellungsort für meine Arbeiten? Wie finde ich eine Galerie? Welche Voraussetzungen muss eine Arbeit für eine Ausstellung im Museum oder Kunstkontext erfüllen? Wie finanziert man ein freies fotografisches Projekt? Wie sieht die Zusammenarbeit mit Kunst- und Kulturinstitutionen konkret aus? Wie positioniere ich mich im Kunstmarkt? Wie vermarkte ich mich selbst?

Das und anderes fragen, erproben, diskutieren wir, während dieses drei Blöcke umfassenden Seminars. Zum Abschluss des Semesters ist außerdem ein gemeinsamer reflexiver Ausstellungsbesuch im Kunstraum Elsa geplant. Ziel ist es ein Gefühl für Akteur:innen und Funktionsweisen des Kunstmarkts und der Galerienlandschaft zu entwickeln, sowie Strategien der Selbstvermarktung und Positionierung kennen zu lernen. Und natürlich: Wir wollen dem Glück auch auf die Sprünge helfen!

Semestertermine:

• Vorbesprechung online: Do. 05.10.23, 16 Uhr (ca. 1,5 Std.)
• Block 1: Di/Mi 07.+08.11.23, 16-19 Uhr (Schwerpunkt: Sichtbarkeit & Netzwerke)
• Block 2: Di/Mi 12.+13.12.23, 16-19 Uhr (Schwerpunkt: Die eigene Arbeit & Das „Image“ als Künstler:in)
• Block 3: Di. 16.01.24, 16-19 Uhr (Schwerpunkt: Money Money Money)
• Abschlusstreffen: Sa. 20.01.24, 11-14 Uhr (in der Duo-Ausstellung: „Sarah Straßmann & Martina Sauter – Schichtenfolge“, Kunstraum Elsa)

Voraussetzungen:

• Verbindliche Anmeldung zum Kurs bis Mo. 23.10.23 via mail an mail@sarah-strassmann-fotografie.de (max. 15 Teilnehmer:innen)
• Aktive Teilnahme am Kurs, sowie Umsetzung von Übungen und Hausaufgaben

!! Achtung !! Da beim letzten Lehrauftrag der ZoomLink nicht funktionierte, findet die digitale Vorbesprechung über mein eigenes online Tool (BigBlueButton) statt. Zugangsdaten: https://bbb.uni-hildesheim.de/b/sar-oio-izj-ukj (Code 816438)

Ausgehend von traditionellen analogen Entwurfs- und Darstellungsmethoden (Zeichnung, Malerei, Collage, Objekt und Modell) nähern sich die TeilnehmerInnen unbekannten Gestaltungsmitteln und erforschen mit experimentellen Ansätzen spezifische mediale, zeitbasierte Ausdrucksmöglichkeiten (Animation, Videomontage, Hybridfilm, mediale Rauminszenierung mit Projection Mapping) Im Zentrum der Aufmerksamkeit steht bei allen Aufgaben der Atelierraum als Objekt und gestaltbares Volumen. Mit Methoden des künstlerischen Mappings und der Performance wird die unmittelbare Umgebung ästhetisch erkundet und dabei die eigenen Wahrnehmungskapazitäten im Spannungsfeld von Körper und Raum geschärft.

Was ist künstlerische Recherche oder autonome Autorschaft? 

Aus­ge­hend von drei verschiedenen Wochen­themen: Was sind eigentlich Bilder?; „Othering“; Transformation —, zu denen wir Texte lesen, Werkbeispiele anschauen und eine kollaborative Hausaufgabe gestellt wird, — soll in die­sem Kurs das freie Arbei­ten von der thematischen Recher­che oder einer konkreten Fragestellung her erlernt werden. Es geht zunächst darum eigene Interessen und Themen zu entdecken, um dann die passenden Ausdrucksformen dafür zu finden. All media are welcome!

Am 6. November 2023 werden wir eine Exkursion in NRW machen bei der wir eine Ausstellung eines zeitgenössischen Museums besuchen werden.

Grundthemen, die dieses Seminar begleiten werden, sind Multi-media, Sprache, Körper, Material, narrative Erzählstrukturen, die „Anderen“ betrachten, eine Ethik der Appropriation, das Private/das Öffentliche, sowie Form- und Medienanalysen.

Weitere Inspirationen zu Inhalt und Technik ziehen wir aus den wöchentlichen Diskussionen zeitgenössischer Werke, die unter Leitung der Studierenden präsentiert werden. Eine Liste der künstlerischen Positionen folgt.

Welchen Einfluss hat die ursprüngliche Funktion von Kleidungsstücken auf das finale Design? Wie konnten sie unterschiedlichen Situationen angepasst werden? Welche Details sind maßgeblich? Welche Materialien werden prinzipiell verwendet?

Bei der Übersetzung der in Extrem I entwickelten Szenarien und Konzepte in modische Entwürfe bildet die Auseinandersetzung mit Kleidungsstücken aus dem Kontext von funktionalem Design die Grundlage. Sie liefern die für das Projekt wichtigen modisch interessanten Details. Passend zu den jeweiligen Szenarien werden Kleidungsstücke ausgewählt, um mit Methoden zu Variation und Veränderung an ihnen zu experimentieren.

Im weiteren Verlauf des Projekts werden aus den Experimenten Prototypen konstruiert, eine Kollektion entwickelt und ein Outfit ausgearbeitet und umgesetzt.

Design muss nicht starr sein. Damit ist nicht das Aufbrechen des eigenen ausgetüftelten Systems gemeint, sondern der Einsatz von Animation innerhalb des Systems. Das menschliche Gehirn erkennt Bewegung und verbindet diese mit einem Katalog aus Erinnerung, Wissen, Fantasien oder ganzen Geschichten. Motion Design bildet im Zuge der digitalen Transformation unseres Zeitalters ein großes Potential effizient und emotional mit dem Publikum oder Kund_innen kommunizieren können. Designs und Geschichten können in ein audiovisuelles Medium verpackt und filmisch gedacht werden. Der Kurs Applied Motion Graphics führt durch die unterschiedlichen, praktisch angewandten Gestaltungsprozesse des Motion Designs (Herleitung von Motion Graphics, Logo-Animationen, Einspieler, Bumper, Bauchbinden, Infomotion etc.). Vermittelt werden die Kompetenzen zur Bildung einer Bewegtbild-Identität für Grafiken mit Anteilen aus der Ideation, Konzeption, Kreation und Produktion. Begleitend dazu enthält das Seminar Vorlesungseinheiten, die die Ästhetik und Herkunft des Motion Designs untersucht und Bezug zu Vorläufern aus der bildenden Kunst und Filmindustrie herstellt.

Die Welt bewegt sich, und so sollte es auch das Design tun.

Voraussetzung sind Grundlagen-Kenntnisse für After Effects, Cinema 4D und die Creative Cloud.

Termine Praxis:

freitags 09:00 Uhr bis 13:30 Uhr

01 — PRÄSENZ 20.10.2023 (205, ab 12:00 R203)
02 — PRÄSENZ 27.10.2023 (205)
03 — ZOOM 10.11.2023
04 — PRÄSENZ 17.11.2023 (205)
05 — PRÄSENZ 8.12.2023 (205)
06 — PRÄSENZ 15.12.2023 (205)
07 — ZOOM 12.1.2024
08 — ZOOM 19.1.2024

09 — 26.1.2024 MODULPRÜFUNG

Termine Vorlesung:

Motion Design VL01 Do, 19.10.2023, 10:00 bis 12:00, R201
Motion Design VL02 Do, 16.11.2023, 10:00 bis 12:00, R201
Motion Design VL03 Do, 07.12.2023, 10:00 bis 12:00, R201
Motion Design VL04 Do, 21.12.2023, 10:00 bis 12:00, R201

In diesem Workshop finden sich Studierende der Mode und der Fotografie in Arbeitsgemeinschaften zusammen, um gemeinsam Konzepte für Modefotostrecken zu entwickeln und umzusetzen. Dabei sollen visuelle Strategien erarbeitet werden, die modisch wie fotografisch experimentelle und
innovative Ansätze verfolgen und mit Kollektionen arbeiten, die im eigenen Haus entstanden sind. Ebenso werden in Referaten und Kurzpräsentationen relevante und interessante FotografInnen vorgestellt und diskutiert, die sich in ihrer Arbeit mit der Inszenierung von Mode und Körper im Bild
auseinandersetzen. Voraussetzung für die Teilnahme ist die Bewerbung in Form eines aussagekräftigen Portfolios, das nach der Vorbesprechung als PDF-Datei einzureichen ist.

Termine werden in der Vorbesprechung bekannt gegeben.

In diesem Workshop finden sich Studierende der Mode und der Fotografie in Arbeitsgemeinschaften zusammen, um gemeinsam Konzepte für Modefotostrecken zu entwickeln und umzusetzen. Dabei sollen visuelle Strategien erarbeitet werden, die modisch wie fotografisch experimentelle und innovative Ansätze verfolgen und mit Kollektionen arbeiten, die im eigenen Haus entstanden sind. Ebenso werden in Referaten und Kurzpräsentationen relevante und interessante FotografInnen vorgestellt und diskutiert, die sich in ihrer Arbeit mit der Inszenierung von Mode und Körper im Bild auseinandersetzen.

Voraussetzung für die Teilnahme ist die Bewerbung in Form eines aussagekräftigen Portfolios, das nach der Vorbesprechung als PDF-Datei einzureichen ist.

Kleidung ist ein menschliches und kulturelles Grundbedürfnis – in unserem Alltag nehmen wir Kleidung zumeist in ihrer Funktion wahr, unserer Identität Ausdruck zu verleihen. Wenn wir Kleidung gefunden haben, in der wir uns in den meisten Situationen wohl fühlen, sind wir „angekommen“. 

In diesem Projekt geht es darum, diese modische Hülle wortwörtlich zum Thema zu machen. Wie stellen wir uns damit dar? Inwiefern ist sie Fassade? Wir werden mit großen Formen gestalten. Das Architektonische der Kleidung kann als tragbare Installation thematisiert werden, der Schnitt darf variabel-experimentell sein, Drapierungen als Faltenwurf frei fallen und textile Techniken wie die Flächengestaltung werden wichtige Gestaltungsmittel im Entwurf. Zeichnen, Textilkunst und Mode gehen hier Hand in Hand.

Studierende anderer Studienrichtung sind willkommen, Vorbesprechungstermin bitte per Email anfragen.

handmade MODE_Designkonzeption

Als Reaktion auf die zunehmend maschinelle Produktion von Waren in der Zeit der industriellen Revolution entstand Mitte des 19. Jahrhunderts die „Arts and Crafts“-Bewegung, die wieder den Wert von Handwerk und sozialen Arbeitsbedingungen in den Fokus nahm. Sie markierte damit den Beginn eines Wandels in der Wertschätzung der Gesellschaft für die Herstellung von Produkten.

Schon um 1840 wurde erstmals auf die negativen Auswirkungen der maschinellen Produktion auf die Qualität von Waren thematisiert. Aber erst in den 1860er und 70er Jahren wurden dann innerhalb der „Arts and Crafts“-Bewegung neue Ansätze in Architektur und Design propagiert, um diese Probleme zu lösen. Die Künstler:innen und Designer:innen der „Arts and Crafts“-Bewegung wollten qualitativ hochwertige Gegenstände entwickeln, die mehr Integrität besaßen und unter sozial gerechten Bedingungen hergestellt wurden.

In den 60er Jahren des letzten Jahrhunderts erfuhr die „Arts and Crafts“-Bewegung dann eine Renaissance durch die Hippie-Bewegung. Als kulturelle Bewegung gegen die Konsumgesellschaft der Nachkriegsjahre diente sie zur Inspiration, um die eigene künstlerische Freiheit auszudrücken und auszuleben.

Die Rückbesinnung auf handwerkliche Techniken im Sinne des DIY (do it yourself) der 70er Jahre lässt sich auch gegenwärtig wieder als Trend erkennen. Dieser erneute Fokus auf das Handwerk lässt sich wohl mit der Suche nach nachhaltigen, individuellen und damit langlebigen Lösungen für die Produktion oder Reparatur von Waren erklären, gekoppelt an eine Idee von regionaler Produktion und up-cycling.

Auch das aktuelle Aufkommen von KI-Werkzeugen für die Gestaltung von Produkten und Designs wirft die Frage auf, wie sich das Menschliche gegenüber dem Maschinellem in Zukunft behaupten kann. So gewinnen die Konzepte der „Arts and Crafts“-Bewegung für die Gestaltung in unserer Zeit erneut an Bedeutung.

Im Seminar handmade MODE sollen handwerkliche Techniken recherchiert und ausprobiert werden, um diese für die Gestaltung von zukunftsfähigen Modeentwürfen heranzuziehen. Dabei sollen dann auch die konzeptuellen und erzählerischen Möglichkeiten solcher Techniken erforscht werden.

Fragestellungen zu zeitgeistlichen Strömungen, kulturästhetischen Wiederholungen und der Darstellung von Körper und Geschlecht über Bekleidung werden im Seminar aufgeworfen und über die Auswahl der herangezogenen Gestaltungsmittel mit der eigenen Kollektion individuell beantwortet.

Im Seminar werden darüber hinaus grundlegende Verfahren zur Entwicklung und zum Aufbau einer eigenen Kollektion thematisiert und angewendet. Dabei werden die unterschiedlichen Arbeitsphasen und Handlungsfolgen, beginnend bei der Ideenkonzeption bis hin zum Entwurf vorgestellt und individuell entwickelt.

Der strukturierte Arbeitsprozess ermöglicht Orientierung hinsichtlich der vielfältigen Schaffensprozesse im Modedesign und bietet zeitgleich Potenzial für die Erweiterung des eigenen kreativen Gestaltungsvermögens.

Ziel des Seminars ist der Entwurf einer Mini-Kollektion als Line_Up und das Anlegen einer digitalen Projektdokumentation.

Das Seminar gliedert sich in die Teile Designkonzeption und Designentwicklung, die beide zusammen belegt werden sollten.

Das Seminar ist in Kooperation mit dem Modedesigner Dimitri Arvanitis geplant.

https://www.instagram.com/dimitri_arvanitis/

handmade MODE_Designentwicklung

Im Seminar handmade MODE_ Designentwicklung wird einer (oder mehrere) Looks aus der im Seminar handmade MODE_Designkonzeption entworfenen Kollektion gefertigt. Studierende des 2. Levels Modedesign sollen 1 Outfit fertigen, Studierende des 2. & 3. Levels mindestens 2 Outfits.

Das Seminar ist in Kooperation mit dem Modedesigner Dimitri Arvanitis geplant.

https://www.instagram.com/dimitri_arvanitis/

Im Kurs wird das Verständnis für klassische und experimentelle analoge Schnittgestaltungstechniken, das Erlernen kreativer Fertigungs- und Verarbeitungslösungen, sowie digitales Arbeiten in CLO3D anhand von Sakkogrundformen vertieft.

Ein Schwerpunkt liegt auf dem analogen Erfassen komplexerer Sakkoschnitte über die Passform- und Silhouettenanalyse anhand von Designer*innen Beispielen aus der aktuellen Mode und der schnittgestalerischen Ausarbeitung verschiedener Sakkodetails, wie Revers- und Kragenvarianten.

Des Weiteren werden die analogen Schnitte ins Digitale in CLO3D übersetzt, hier liegt ein besonderes Augenmerk auf der virtuellen Stoff- und Texturen-Darstellung und der Anpassung eines individuellen Avatars. Auch die Fertigung und Verarbeitung typischer Sakkodetails und Tailoringtechniken sind Teil des Kurses.

Im Kurs wird ein Verständnis für verschiedene Jacken- und Mantelvarianten und deren Passformen anhand von Oberteilgrundschnitten und Beispielen aus aktuellen Mode vermittelt.

Dabei wird ausgehend von einem Basic-Oberteilschnitt über die Vertiefung der Schnittmodifikation eine Neuinterpretation von Jeansjacke, Windbreaker, Anorak, Parka erarbeitet.

Ein spezielles Augenmerk liegt hierbei auf typischen Nahtführungen und Jackendetails, wie Passe, Kapuze, Knopfleiste, Kragen. Darüber hinaus werden Grundkenntnisse zur Fertigung von Jackendetails, wie RV-Verarbeitung erlernt und der analoge Schnitte in CLO3D ins Digitale übersetzt.

Im Anschluss an die beiden L2-3 Seminare am Dienstag biete ich von 18:00–19:00 Uhr eine offene Praxissprechstunde für Zeichnung und Illustration an, in der Ihr technische Fragen stellen, grafische Techniken ausprobieren oder Skizzenbücher anschauen oder zeigen könnt. Dieses Angebot ist fakultativ und ohne Prüfung/Bewertung.

Die offene Mode-Werkstatt bietet Raum für Hilfestellungen bei Fragen zur schnittgestalterischen Umsetzung und Fertigung von Gestaltungsprojekten. Zur Teilnahme an der Einführung oder für Besprechungstermine hängen Listen am Werkstatteingang aus.

Auch in diesem Semester bleibt das Angebot offen für alle interessierten Studierenden des ganzen Fachbereichs. Es ist keine Anmeldung nötig und es gibt keinen Schein – dafür aber viel praktisches Lernen! Kommt einfach im Zeichensaal vorbei. Großformatige Blätter werden gestellt, weitere Materialien bitte selbst mitbringen. Es gibt ein paar Staffeleien und Zeichenbretter die genutzt werden können.

Wir zeichnen männliche und weibliche Modelle im Wechsel. Jeweils auf der Hälfte der Einheit machen wir eine kleine Pause und können uns über die entstandenen Zeichnungen austauschen. Ich werde wie gewohnt ein wenig rumgehen und euch mit ein ein paar Ideen und Anregungen zu euren Arbeiten begleiten (wenn jemand das nicht möchte; auch kein Problem 😉 ). Eigene Vorschläge für Posen/Requisiten/Licht/Hintergrundmusik sind immer willkommen.

Erster Termin ist der 11. Oktober

Auch in diesem Semester gibt es eine offene Buchbindewerkstatt mit einem spannenden Programm. Für die Teilnahme braucht ihr Euch nicht anmelden. Das Programm startet um 14 Uhr und geht bis 18 Uhr, ihr könnt dazu stoßen, wie ihr lustig seid.

Programmpunkte offener Donnerstag
Leporello mit zwei Fadenheftungen 12.10./23.11.
Ihr falzt, bis das Papier zu Ende ist und könnt Euch nach Wunsch einlagige Fadenbindungen in den Leporello einbinden.

Notizblock mit Klebebindung 19.10. 
Wir haben Euch Papiermuster und RISOdrucke zugeschnitten, die ihr zu farbenfrohen und individuellen Notizblöcken verleimen könnt.

Japanische Bindung 09.11. 
Eine Einzelseitenbindung im japanischen Stil, mit der ihr Euch ein Notizbuch im Querformat fertigt.

Mehrlagige Fadenbindung 26.10. / 07.12.
Aus vier verschiedenen Papieren bindet ihr ein vierlagiges Büchlein. Ihr lernt die Basics für Euer erstes Buch und bekommt ein Gefühl für die Auswahl des Papiers. Bei einem der nächsten Termine könnt ihr den Umschlag dazu gestalten.

Softcover 02.11. 
Ihr könnt für den Buchblock aus dem vorherigen Termin  einen von drei möglichen Softcoverumschlägen herstellen.

Softcover 14.12.
Ihr könnt für den Buchblock aus dem vorherigen Termin ein Hardcover herstellen.

Veredelungstechniken 16.11.
Ihr lernt verschiedene Veredelungstechniken (bzw. ihre Simulation) in der Buchbindepraxis kennen.

Beratungstermin 30.11.
Lasst Euch zu Euren individuellen Buchbindeprojekten beraten!

Das BuBi-Team freut sich auf ein produktives und inspirierendes Semester und viel gemeinsame Aktion mit Euch!

Mit der  mehrmaligen Teilnahme an den verschiedenen offenen Werkstätten (Buchbinderei, analoge Druckwerktätten und grafischer Siebdruck) könnt ihr Creditpoints sammeln.

Auch in diesem Semester gibt es eine offene Druckwerktsatt mit einem spannenden Programm (Schwerpunkt Linolschnitt). Für die Teilnahme braucht ihr Euch nicht anmelden. Das Programm startet um 14 Uhr und geht bis 18 Uhr, ihr könnt jederzeit dazu kommen.

Linolschnitt Grundlagen 12.10.
Ihr lernt die Grundlagen des Linolschnitts, erprobt die Werkzeuge, gestaltet und druckt ein erstes Motiv.

Irisdruck 19.10. 
Ihr testet das Drucken von Farbverläufen und experimentiert mit verschiedenen Farbwirkungen.

Mehrfarbdruck 26.10. / 2.11. 
Ihr gestaltet mit Hilfe verschiedener Linolplatten ein mehrfarbiges Druckmotiv und lernt, diese passgenau aufeinander zu drucken.

Stempeldruck
Mit Hilfe verschiedener selbstgestalteter Linolstempel kreiert ihr unterschiedliche Kompositionen.

Verlorener Druck 16.11. 
Mit dieser Methode können mit nur einer Linolplatte Mehrfarbdrucke erzeugt werden.

Linolätzung 23.11. / 30.11.
Es wird experimentell! Durch das Abdecken von Bereichen der Linolplatte und ein anschließendes Säurebad werden Bereiche der Platte strukturiert oder ganz entfernt.

Rapport 06.12.
Durch die Reihung und Ausrichtung von Linolmotiven zueinander lassen sich Endlos-Muster herstellen.

Mixed Media
Wir probieren, wie Linoldruck auf verschiedenen Materialien wie Textilien funktioniert und welche Farben anstelle klassischer Linolfarbe genutzt werden können.

Ich freue mich auf zahlreiche neugierige Teilnehmer*innen.

Mit der  mehrmaligen Teilnahme an den verschiedenen offenen Werkstätten (Buchbinderei, analoge Druckwerktätten und grafischer Siebdruck) könnt ihr Creditpoints sammeln.

Die Veranstaltung bietet Studierenden die Möglichkeit, sich über das methodische Vorgehen beim Verfassen wissenschaftlicher Arbeiten zu informieren und Fragen zu aktuellen oder bevorstehenden Modul- und Abschlussarbeiten zu stellen.

Zu Beginn des Studiums gibt es häufig grundlegende Fragen zu Arbeitstechniken und wissenschaftlichen Standards zu klären – Doch auch später im Studium hilft es, schrittweise die einzelnen Phasen der Studienarbeiten zu planen und ausgewählte Punkte zu diskutieren. Dabei kann es um Folgendes gehen: Themensuche und Literaturrecherche, Aufbau der Arbeit, wissenschaftliche Arbeitsweisen (z.B. Zitieren), sachlicher Stil.

Es wird keine Abschlussprüfung geben, da es Ziel der Veranstaltung ist, die Arbeit an Prüfungsleistungen in anderen Seminaren und Vorlesungen zu unterstützen (Hausarbeiten, Kunst-und-Kultur-Ordner etc.). Das Angebot kann deswegen auch bei Bedarf genutzt werden.

Literatur:

• Helga Esselborn-Krumbiegel: Von der Idee zum Text. Eine Anleitung zum wissenschaftlichen Schreiben, Paderborn 2014.
• Otto Kruse: Lesen und Schreiben. Der richtige Umgang mit Texten im Studium, Stuttgart 2014.
• Otto Kruse: Keine Angst vor dem leeren Blatt. Ohne Schreibblockaden durchs Studium, Frankfurt, New York 2007.
• Judith Wolfsberger: Frei geschrieben. Mut, Freiheit und Strategie für wissenschaftliche Abschlussarbeiten, Stuttgart 2016.

Die Master-Meetups im Wintersemester sind ein Impuls aus der Studienrichtung Kommunikationsdesign.
Sie sind offen für interessierte Master-Studierenden aller Richtungen und alle Lehrenden des Fachbereichs Gestaltung. Interessierte Bachelor-Studierende aus höheren Semestern sind herzlich willkommen.

Die Termine bieten Kurzpräsentationen mit Diskussion zu je drei laufenden Masterprojekten aus unserem transdisziplinären Master Gestaltung M.A.
Sie ermöglichen:

• Austausch zu Recherche, Fragestellung und Herausforderungen
• geben Einblick in andere Arbeitsweisen und Themen
• und ermöglichen Vernetzung untereinander

Es werden jedes Mal andere externe Gäste aus Designagenturen NRWs anwesend sein, die sich zu Beginn mit ein paar Folien vorstellen.

Die Meetups schließen mit einem Get-Together ab, so dass bei Getränk und Snack noch Gespräche und Networking möglich sind.
Es ist keine Anmeldung nötig.

Montag 27.11.2023
16:00 Uhr im Videostudio (R 401)
Eingeladene Designer: Vorauss. Dirk Büchsenschütz, Ditho Design Köln

Montag 8.1.2024
16:00 Uhr im Videostudio (R 401)
Eingeladene Designer: Vorauss. Sebastian Schneider, Meiré und Meiré Köln